图谋不轨

比你的梦更属于你自己的东西是没有的。尼采

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2014-06-17    14:55
阿诺尔德·勋伯格 - [音影]
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阿诺尔德·勋伯格(Arnold Schoenberg,1874—1951年),美籍奥地利作曲家、音乐教育家和音乐理论家,西方现代主义音乐的代表人物。1874年9月13日生于维也纳,1951年7月13日卒于美国洛杉矶。自幼学习小提琴大提琴,12岁开始作曲。作为作曲家,勋伯格主要靠自学成名。

奥地利作曲家阿诺尔德·勋伯格于1874年9月13日出生在维也纳,二十世纪
阿诺尔德·勋伯格的作品

阿诺尔德·勋伯格的作品

著名的现代音乐作曲家之一,“表现主义”乐派的主要代表人物
勋伯格是一个自学成才的作曲家,小时候家境贫寒,十六岁时父亲去世。这些不利的环境并没能阻止他热爱音乐和学习音乐的决心。他八岁时开始学习小提琴,以后又自学大提琴,参加业余乐队,而且自己尝试着作曲。他经 常如饥似渴地去听音乐会和歌剧,从中得到学习和熏陶。父亲去世以后,由于家境日益困窘,他到一家银行当了办事员,以增加一些家庭收入。就在这个时候,他偶然结识了作曲家亚历山大·策姆林斯基,并跟他学了几个月的对位法,而这就是后来成为现代音乐杰出作曲家的勋伯格所受到的唯一的正规音乐教育。从此,他开始了音乐创作生涯。1897年,他的处女作《D大调弦乐四重奏》问世。1901年他来到柏林,执教于斯顿音乐学院。后来又回到了维也纳,于1910年担任了音乐学院的和声教师。第一次世界大战开始后,勋伯格参加了奥地利军队。战后在柏林普鲁士艺术学院任教。1933年勋伯格离职赴美,担任加利福尼亚大学的音乐教授。1941年他取得美国国籍,在那里定居,直到逝世。
勋伯格是一位具有大胆创新精神的作曲家,他的作品曾经引起过很大的争议。他首创了“十二音体系”的无调性音乐,并且培养了许多“十二音体系”的作曲家。他和他的学生贝尔格、威伯恩被合称为“新维也纳乐派”,即“表现主义”音乐流派。他对音乐所进行的重大的、具有划时代意义的改革,影响了一大批年轻作曲家,如达拉皮科拉、欣涅克以及肖斯塔科维奇等人都不同程度地受到了他的影响。
勋伯格的音乐创作一般分为两个时期:第一个时期大约从1897年至1908年。他这个时期的作品带有晚期浪漫主义的特点,深受瓦格纳的影响,这时的作品还没有完全抛开调性。第二个时期大约从1908年至1912年,这个时期的作品已是“勋伯格风格”特点的作品了。这时期的音乐具有表现主义的特征,“十二音体系”他已完全成熟,他的许多重要作品都是在这一时期写出的。

3大事记编辑

1874年生于维也纳,自幼学习小提琴大提琴,理论以自学为主,
1894年曾随策姆林斯基学对位。青年时期即开始作曲,其弦乐四
阿诺尔德·勋伯格

阿诺尔德·勋伯格

重奏和歌曲多首于1897年演出。
1901年在沃尔左根的“艺术酒店”指挥。
1899年创作了《升华之夜》,
阿诺尔德·勋伯格作品
1900年着手创作《古雷之歌》,二者都属于瓦格纳以后的浪漫主义风格。因《古雷之歌》第一部分之成就,经理查·施特劳斯推荐而获斯特恩音乐学院教席并获得奖学金,在此期间创作音诗《佩利亚斯与梅丽桑德》。
1903年《升华之夜》首演获得巨大成功。
在1903-1907年的作品中将变化音和声发挥尽致,音调结构越来越无从捉摸,直至在1908年的《钢琴曲三首》和声乐套曲《空中花园之篇》中,他的无调性始抵于成。这两部作品演出时遭到反对者的猛烈攻击和拥护者同等强烈的欢呼。
1911年出版名著《和声学》。同时兼治绘画,“表现主义”风格跃然纸上。
1912年为女演员艾伯丁·齐默作《月光下的彼埃罗》,这是一部朗诵唱和室内乐合奏的作品,在维也纳的首演激起更深的敌视,但是早期风格的《古雷之歌》在维也纳的首演却十分成功。
1912年《管弦乐五首》在伦敦首演。
1918年在维也纳成立“非公开音乐演出社”,谢绝评论家参加,事先不公布节目,禁止鼓掌。
1913-1921年间创作极少。
1921年,推出了“用12个音作曲的方法”,这是他用以组织无调性音乐的技法。钢琴《组曲》是第一部完全用12音方法写作的乐曲。1933年在巴黎重新扳依犹太教并移居美国,执教于加尼福尼亚大学。
此后18年间,时而用12音,时而用有调性风格作曲,信徒们大为惊愕,他自己却处之泰然,他说每一个作曲家都变动风格以适应其创作需要和目的。
1951年,勋伯格在美国洛杉矶去世,享年77岁。

4个人创作编辑

分期

勋伯格的创作可分为三个时期。1908年以前为调性时期。主要受勃拉姆斯和瓦格纳的影响,作品充满德国晚期浪漫主义音乐的气息,并把以瓦格纳为代表的半音化创作技法发展到了极限。如弦乐六重奏《升华之夜》(1899,于1917年改编为弦乐队曲)、康塔塔《古雷之歌》(1900—1901)、交响诗《普莱雅斯和梅丽桑德》(1903)等。1908—1920年前后为无调性时期,他开始探索一种新的无调性的音乐风格,标志着他的创作进入一个新的阶段。

风格

不同音高的各音之间的结合,不再像传统音乐那样,以某个音为中心,不协和和弦也不再像传统的音乐那样,需要“解决”到协和和弦。勋伯格采用无调性音乐风格是同他作品中的表现主义特征相联系的。他从表现主义美学思想中汲取灵感,先后创作了一批无调性作品,成为第一位放弃调性的作曲家。如单人剧《期待》(1909)和说白歌唱《月迷的皮埃罗》(1912)等。
这些作品表现了诸如绝望、恐惧、紧张、痛苦等病态心理或情绪,音乐语言夸张、变形、怪诞。在《月迷的皮埃罗》中,勋伯格还发展了一种介于说话与歌唱之间的说白歌唱。无调性阶段的重要作品还有《五首管弦乐小品》(1909),戏剧配乐《幸运的手》(1913)等。1920年以后为十二音技法时期。经过长期的探索,勋伯格在无调性音乐的基础上,找到了一种组织音乐材料的新方法,形成了所谓十二音音乐。作曲家用半音阶中的12个音,自由组成一个音列,音列可以原形使用,也可以逆行、倒置、倒置逆行。这4种音列形式可移置于半音阶的任何高度,从而可形成48种样式。音列中的各音(全部或部分)既可相继出现形成曲调,也可同时出现形成和弦,以此构成全曲。勋伯格后期基本上采用十二音技法进行创作,重要作品有《乐队变奏曲》(1926—1928)、《小提琴协奏曲》(1935—1936)、《钢琴协奏曲》(1942)、《华沙幸存者》(为朗诵、男声合唱及乐队而作,1947)、歌剧摩西与亚伦》(1951)等。他在晚年偶尔也写作有调性的作品

音乐戏剧

勋伯格创作了4部音乐戏剧作品:1909年的
独幕独角音乐戏剧《期待》,1913年的独幕配乐戏剧《幸运之手》,均运用自由无调性写成。1930年的独幕歌剧《日复一日》则是严格的十二音体系的作品。未完成的三幕歌剧摩西与亚伦》创作于1931—1932年间,也是一部无调性的十二音音乐作品。这是一部带有清唱剧性质的歌剧作品叙述了犹太人在摩西的率领下的出走埃及的过程。剧中人物们交替采用传统的唱法、半念半唱的朗诵式行腔和有韵律的说白。摩西只有一个高潮性的唱句。这部歌剧的前半部分有很多引人入胜的表现,特别是狂乱的“金牛犊之舞”,但后半部分乏味,大部分篇幅在讨论宗教。虽然在戏剧性的发展上缺乏贯穿性,但音乐部分却具有高度的统一性。
勋伯格的创作除早期作品外,大多难于被人理解,当时经常遭到冷遇。在他死后,对他的音乐的评价,也一直存在争议。勋伯格的最大贡献在于继承、发展并最终打破了19世纪德国浪漫主义的音乐传统,系统地创建了序列主义的音乐理论和方法,从而完成了从浪漫主义音乐向现代音乐过渡的历史性任务。除了作曲,勋伯格毕生还以极大的热情和精力从事教学工作,培养了多位世界著名的作曲大师,是一位名副其实的音乐教育家。他的无调性音乐和十二音音乐对20世纪的音乐发展产生了巨大影响,最初在德国奥地利,后来在法国意大利美国等国,不少作曲家都采用他的作曲方法。而他的学生韦伯恩贝尔格等人进一步发展和完善了他的序列音乐理论。

理论著作

他的理论著作《和声学》(1911)、《音乐思想与逻辑》
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(1934—1936,未完成)、《音乐创作基础》(1948)、《配器学》(1949)和《和声的结构功能》(1937—1948)以及论文集风格与思想》(1950)等也都具有很高的学术价值。

5个人作品编辑

 
勋伯格的主要作品有:交响诗《光明之夜》、《佩列阿斯与梅丽桑德》、《室内交响曲》、歌剧《期望》以及为朗诵、男声合唱和乐队而写的《一个华沙的幸存者》。此外还有几首弦乐四重奏和许多钢琴、声乐作品等。
勋伯格除写有大量音乐作品外,还有许多音乐理论著作,其中有《和声学教程》、《和声的结构与功能》和《风格思想》等等。
舞台音乐:《期待》、《幸运之手》
管弦乐:《佩利亚斯与梅丽桑德》、《室内交响曲》(为十五伴独奏乐器而作)、《五首管弦乐曲》
人声与器乐:《古雷之歌》(五个独唱、朗诵、合唱与乐队)、《月光下的彼埃罗》(朗诵与室内重奏)、《华沙幸存者》(朗诵、男声合唱与乐队)
室内乐:《d小调弦乐四重奏》、《升f小调弦乐四重奏》、《升华之夜》(弦乐六重奏)
钢 琴:《乐曲五首》、《六首小曲》
歌 曲:《空中花园之篇》(女高音歌曲十五首)
勋伯格是20世纪最有影响的作曲家之一,他在音乐风格上的巨大变革,带动了20世纪音乐一场翻天覆地的革命。
创作的早期,他禀承了瓦格纳、马勒等后浪漫主义大师的风格,运用变音体系的乐汇及规模宏大、结构复杂的手法,创作了一些颇负盛名的佳作。中期,他彻底抛弃了后浪漫主义的手法,形式转向小型,依靠色彩的迅速替换,来获得音乐上的变化,音乐要素中节奏和对位越来越复杂,旋律线越来越支离破碎,并摆脱了有调中心的变化音乐风格,走向了“无调性”。到了晚年,作品中“表现主义”风格跃然纸上,其乐汇极不协和,非主题性,节奏裂变成原子,旋律零七八碎,配器古怪,音乐也不再追求泛指意义的真与美,而是用鞭辟入里的手法,去表现作曲家极为复杂的情感,其代表作《月光下的彼埃罗》。他晚期的歌剧《摩西与亚伦》体现了深刻的哲学思想音乐表现力极强,结构雄浑一体,被公认为是20世纪的不朽杰作。

6个人音乐思想编辑

 
阿诺尔德·勋柏格不仅是一位二十世纪的重要作曲家,而且也留下了大量文字著述。勋柏格音乐思想中的几个重要观点:

对音乐历史的认识

通过德奥音乐界前辈给予他的创作启示,以及勋伯格对自己几个创作
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阶段的发展历程的总结,阐述了他对于艺术中的传统与革新之间的关系的辩证认识,并通过这些问题总结出音乐的演进与黑格尔倡导的“历史发展必然性”哲学观念之间存在着必然联系;

民族主义音乐观

通过勋柏格对于形成民族艺术特征的根本原因、民族艺术中的支配现象、民间音乐与艺术音乐之间的比较、音乐刨作中的“民族性”问题的意识等方面问题的剖析与认识,总结了他的“重艺术音乐,轻民间音乐”、“重西欧音乐,轻非西欧音乐”的观点,从而突出了他的精神领域中的根深蒂固的“德奥音乐中心论”,这是一个浸润着浓厚的西欧文化中心论色彩的观点,也是贯串他毕生的音乐思想的重要观点之一;

对音乐教育问题的见解

勋柏格认为作曲教师应该教会学生掌握“艺术的工具”、在教学中努力做到“一专多能”、注重个性培养;

对当代音乐批评家与音乐批评方法提出的要求

音乐批评家必须具备作为一名音乐家的专业修养,要以真实、客观的态度对待音乐批评这门神圣的职业,充分运用内心的艺术联想向公众再现作曲家的意图,而不是将个人见解强加于受众;同时,批评家需要对艺术的过去与未来拥有全面的了解与较准确的预测,在音乐批评的具体范畴中,应将重心角度置于探讨音乐作品的风格思想之间的关系方面。五,勋柏格的音乐创作观:在勋柏格的创作理念中,深刻体现出他的表现主义艺术观与音乐作品的“有机统一论”意识,前者强调内在精神需要与外在世界的谐调、统一,而后者强调严密的艺术创作逻辑和有机的结构力,因此事实上这两个方面形成了一种相辅相成的关系,你中有我,我中有你,并且涵盖了他对于“基本型”、音乐的“可理解性”等问题的独到见解。也许,勋柏格的音乐思想中存在着一些自相矛盾之处:他的某些艺术观念也有失偏颇,不够完善,尚未形成体系。但是,这并不影响人们循着勋柏格的思想

7个人经典编辑

《升华之夜》《乐队变奏曲》

卡拉扬指挥柏林爱乐乐团
在20世纪音乐的发展道路上,勋伯格早期创作的《升华之夜》被认为是一个重要的里程碑。为求得调性的解放,勋柏格的中期创作勇于实践,作品转向“无调性”,令人难以接受。但在20年代,他终于完成了“十二音体系” 阿诺尔德·勋伯格相关书籍
的探索,音乐便又重新获得了秩序。而他用这种新秩序作成的第一件完整编制的乐队作品,便是这首1928年

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2014-06-17    14:53
拉威尔 - [音影]
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1875年3月7日,杰出的法国作曲莫里斯·拉威尔出生 在比利牛斯山谷靠边境的一个小城西布恩。父亲是个有瑞士血统的法国工程师,曾应聘去西班牙搞铁路建设,在那里认 识了一位西班牙巴斯克地区的姑娘马丽·德劳特,他们结成夫妇。小拉威尔出生才几个月,全家迁往巴黎。三年后,添了弟弟爱德华。父亲爱好音乐,想培养两个儿子成音乐家,结果只有莫里斯走上了这条通路。拉威尔像德彪西一样也否认自己是“印象”主义者,然而他的确不能算是印象主义者,他的曲子还存有巴洛克时代的对位意识,精密而巧妙,斯特拉文斯基就曾说“拉威尔就像一支瑞士钟表”。而由于拉威尔的局限性,他的曲子大多以神话传说、妖魔鬼怪为主题。然而拉威尔公认且自认的还是他杰出的配器技巧,他的每一首钢琴曲都是以管弦乐配器的思路来创作的。

 

他七岁开始学钢琴,进步很快,十四岁考入巴黎音乐院钢琴预科,两年后升入贝里奥老师的钢琴班并同佩萨尔学习和声。在班上结识了与他同岁的西班牙学生瑞卡多·维涅, 他深深羡慕维涅卓越的钢琴演奏技巧,曾狂热地苦练以求赶上,但由于常常被懒散的情绪支配,这种兴之所至的热情未能得到预期的效果。自此维涅成了他的终身好友,总是热情地演奏他的新作。这时,拉威尔作曲十分热心,最早写达的两首钢琴曲《古风小步舞曲》、《百闻的景色》中的第一曲《哈巴涅拉》(1895),已经显示出他的个性。1897年,他又向盖达尔日学对位,问福莱作曲
刚进音乐院不久,拉威尔就受到象征主义诗歌的影响,喜爱波特莱尔、马拉美的诗歌爱伦·坡的作品。1889年在巴黎举行的国际博览会上演出的里姆斯基·科萨柯夫绚丽的管弦乐作品和爪哇加美朗乐队演奏的东方音乐,深深吸引了这位十四、五岁的音乐院学生。后来,他又接触到法国作曲家夏勃里埃尔色彩性的和声以及艾立克·萨蒂的新奇怪诞的音乐思想和音乐创作。在他自己的习作中,也开始探索一些 新的音乐语言和表现方法,使他在保守的音乐院中“名声不 佳”。佩萨尔是位良师,他总是鼓励学生的创造性福莱也充分认识到拉威尔不同凡响的创作才能,即使是这两位开明的教师,都感到他的音乐思想太放肆,他所运用的和声手法也过于新奇。
拉威尔总是孜孜不倦地为参加音乐院每年举行的比赛而 努力。1901年,他决定参加罗马奖的竞赛。罗马奖法国政府为奖励绘画、雕塑、版画、建筑与音乐等艺术领域的优秀人才而设。通过考试,获罗马大奖者可到设在罗马的梅迪奇庄园去进修三年。自1803年设音乐奖以来,柏辽兹古诺比才德彪西等音乐家都曾享受这一待遇。但在这一年的此赛 中,拉威尔仅获第二名。老师福莱深信他是可以拿到大奖 的,劝他第二年再作尝试。出人意外的是,第二年他又失败 了。1903年再次落选,福莱大为震惊,与其他几个对拉威尔的才能深信不疑的著名音乐家共同提出抗议也没有用。到了 1905年,拉威尔已快超过罗马奖竞赛者的年龄限制,决定再作一次尝试。此时,他已发表过《古风小步舞曲》、《为悼念一位夭折的公主而写的帕凡舞曲》、《水的嬉戏》等作品。在考罗马奖的那几年,他又创作了《F大调弦乐四重奏》和《小奏鸣曲》,已是个名扬全国甚至欧洲大陆的青年作曲家。然而他却又一次名落孙山,在预选中就被淘汰。为此,全法国进步的音乐家纷纷表示反对,报纸和知识界也为他鸣不平。罗曼·罗兰撰文说,"我不是拉威尔的朋友,甚至可以说,我 个人对拉威尔的难以捉摸、过于精雕细琢的艺术并不好感。 但是正义驱使我说,拉威尔不仅仅是一个有发展前途的学 生,他已经是我国音乐学派不可多得的最杰出的青年大师之一。……拉威尔不是作为学生,而是作为一个身份已经证实的作曲家来参加比赛的。我佩服那些敢于裁判他的作曲家,他们又将由谁来裁判呢?”这一事件酿成一场社会风波,迫使音乐院院长泰奥尔·杜布瓦辞职,由福莱接替他的职务。
二十世纪初,巴黎的艺术生活十分活跃,蒙马台区和拉下区住着许多不满现实的青年艺术家拉威尔亦与一批艺术上反对保守势力、追求标新立异的艺术家结为朋友,他们自 称“捣乱分子协会”,成员有作曲家弗洛朗·施密特、莫里斯·德拉日、安德烈·卡普莱、卡尔伏科瑞西以及西班牙作曲家德·法亚、钢琴家瑞卡多·维涅,稍后还有斯特拉文斯基以及一些画家、作家、评论家。他们常常在画家索尔德的画室里就艺术、音乐、文学和政治进行长时间的、认真的讨论,彻夜地弹琴、喧闹,使周围的邻居不得安宁,不久就搬到僻静的德拉日家中聚会。拉威尔钢琴组曲《》就是题献给这个协会的会员的。1908年他的《西班牙狂想曲》在音乐会上首演,“捣乱分子”们全部出动为之助威,生怕这部作品得不到公正的待遇。实际上,拉威尔的见解远不如这个协会其他成员来得激烈,他总是温文尔雅,被人称为“道道地地的波特莱尔式的公子哥儿。”
德彪西歌剧《佩列阿斯与梅丽桑德》于1902年在巴黎上演,它使拉威尔深受感动,这时,两位作曲家才初次会面。1903年拉威尔写了三首管弦乐伴奏的歌曲,可看到德彪西对他的影响。有的评论家认为他是德彪西忠实的后继者,的确,他们接受了相近的文艺思潮的影响,同样追求色彩性 的音乐效果,但从拉威尔以后的发展来看,两人在美学观上是不一致的。拉威尔甚至对有人说他的《水的婚戏》是受德彪西的影响表示抗议。
1905年以后是他主要的创作时期,产生了《鹅妈妈》组曲、 《夜之幽灵》、一些歌曲及喜歌剧《西班牙时光》等。1909年, 俄罗斯芭蕾舞团风靡巴黎,给拉威尔极深的印象。他马上拿 了作品去找经理狄亚吉列夫并接下了一个任务:根据希腊神 话《达夫尼与克洛埃》写一部芭蕾舞剧。为了写出这份精巧 的总谱,他花了惊人的心血,单是最后一场酒神宴就写了一 年。下一部作品《高雅而伤感的圆舞曲》首演并不出色,后 在舞蹈家特鲁哈诺娃的请求下,将它编成一部情节类似《茶花女》的芭蕾舞剧《阿德莱德或花的语言》则轰动一时。这一 成功促使他把《鹅妈妈》组曲配器,用睡美人的故事为题材, 也编成了芭蕾舞剧。
在为俄罗斯芭蕾舞团写作时,拉威尔结识了斯特拉文斯基。1913年夏天,他们一起在日内瓦湖畔的克拉伦斯住了一 阵,两人合作为穆索尔斯基的《霍凡希那》重新配器。那时斯 特拉文斯基正在写《春之祭》,看了这份总谱,拉威尔产生了 象看《佩列阿斯与梅丽桑德》同样的震动。在瑞士又接触到勋伯格的音乐。这些现代主义音乐对他的影响,都在这一年他 写的《马拉美的三首诗》中反映出来。
第一次世界大战也波及到这位音乐家,他入伍当兵,在军中任货车驾驶员。战争对他是一场可怕的经历,他逐渐对 帝国主义的嗜杀深恶痛绝,感到德、法两国人民卷入这场战 争是毫无意义的,因而不顾舆论的指责,拒绝签名支持一个旨在阻止法国演出德国音乐的组织。1917年他的母亲去世, 更使他陷入了严重的沮丧之中,健康急剧恶化,于这年夏天 退役。
大战对他的影响在停战后还久不消失,他失眠,不时情 绪低落,写得很少。悼念战死友人的《库泊兰之墓》,花了两 年的时间才完成。为换一下环境,恨作精神,他移居乡下, 动手写作几年前狄亚吉列夫委托他写的芭蕾音乐《大圆舞曲》。作品完成并在音乐会上首演获得巨大成功后,狄亚吉列夫却认为它不适合演出而加以拒绝。拉威尔大为恼怒,两 人从此绝交。此时,他还将许多时间用于旅行演出,几乎访 问了欧美各国,指挥演出门已的作品。后在离巴黎不远的风景如画的蒙伏拉莫瑞村找到一所小别墅,在那里专心作曲, 过着恬静平淡的生活。创作了轻歌剧─芭蕾《孩子与魔法》 《小提琴奏鸣曲》、小提琴曲《茨冈狂想曲》、《波莱罗》及两部钢琴协奏曲
1932年他遭到一场车祸,头部受伤。不久,出现了偏瘫的征兆。曾尝试休假治疗,前往西班牙摩洛哥旅行,仍无显著好转,自此丧失了工作能力。1937年12月19日做脑手术无效,于28日凌晨在医院去世。享年六十二岁。
拉威尔的生活与创作处于十九、二十世纪之交与两次世界大战之间,他对艺术持有自己的见解。他说:“严格地说,我不是一个‘现代作曲家’,因为我的音乐远不是一场 ‘革命’,而只是一种‘进化’。虽然我对音乐中的新思潮一向是虚怀若谷、乐于接受的(我的一首小提琴奏鸣曲中就有一个勃鲁斯乐章),但我从未企图摒弃已为人们公认的和声 作曲规则。相反,我经常广泛地从一些大师身上吸取灵感 (我从未中止过对莫扎特的研究),我的音乐大部分建立在过 去时代的传统上,并且是它的一个自然的结果。我可不是一 个擅长于写那种过激的和声与乱七八糟的对位的‘现代作曲 家’,因为我从来不是任何一种作曲风格的奴隶。我也从未与 任何特定的乐派结盟。”
他重视旋律的作用,曾对他的学生──著名的英国作曲沃恩·威廉斯说过:“在一切有生命的音乐中,都有一个含蓄的旋律轮廓”。他运用的调式及和声都新颖别致,常用自 然调式、五声音阶及不解决的七和弦、九和弦等,但总是以 传统和声为基础,从不在无调性的领域里走得太远。他所运 用的节奏则有不少受舞曲的制约。他偏爱舞曲体裁,如法国 的小步舞、帕凡、里戈顿,西班牙马拉加尼亚、哈巴涅拉、波莱洛等,拉威尔将这些舞曲处理得典雅情致、明晰优 美,具有法国音乐的特点。拉威尔是位公认的管弦乐大师, 创造了一种独特的管弦乐配器的方法,充分发挥每个乐器的 表现性能,形成异常精美与华丽多彩的效果。他的作品结构 明确,织体清晰,总的风格倾向于古典音乐的纯净优美和富 于幽默感。而拉威尔最重要的创作特征是对技术的尽善尽美 的追求,尽管他技术高超,但对待每一部作品仍然是反复推 敲、精心雕琢,不到极端完美决不罢休。他曾对他的传记作 者马纽埃尔说:“我的目标是技术完美,因为我确知这一目 标永远无法达到,所以我要求自己不断向它靠近。”因拉威 尔这一癖好,斯特拉文斯基曾戏谑地地称他是位“精巧的瑞士 钟表匠。”
拉威尔还是个优秀的教师,但仅教几个他感兴趣的私人 学生。在他自己学习时期,经常以马斯奈(法国作曲家,1842一1912)的话“为了掌握自己的技术,必须研究别人的技 术”作为格言;当他教授学生时,常常给青年作曲家的一个 劝告是:“找个蓝本来临摹。如果你没有什么要说的话,最 好还是临摹。等到体有话要说时,你自然不会照抄的,那 时,你的个性会最明显地呈现出来。”他也写过少量的但很 有特点的文章,对同时代作曲家的作品总是充分肯定;对有 才华的青年人更是积极支持。
总的来说,拉威尔的生活圈子狭小,艺术天地有很大的 局限。综观其作品,题材比较狭窄,作品的内容很少直接源自当时的社会生活,而多是对景物的描绘和表现童话、传说 故事等,音乐中缺乏对生活的炽热的感情。这反映了十九 世纪末──二十世纪初,在资本主义的社会矛盾日益尖锐化 的状况下,一部分知识分子企图脱离社会现实的心理状态。 在早期,拉威尔的音乐受到印象主义思潮的影响;但从后来 的发展来看,他逐渐摆脱了印象主义的美学思想的约束,写 出了一些形象清晰、生动,色调明朗,在艺术上有许多创造 并给后人以启迪和影响的作品。他的音乐,是以法国的音乐 文化为基础的,而在充分发挥管弦乐的色彩特点上,他有着 许多的创新。因此,拉威尔法国音乐史上占有重要地位。

2代表作编辑

他的代表作品有歌剧《达芙妮与克罗埃》,芭蕾舞剧《鹅妈妈》,小提琴曲《茨冈》和管弦乐曲《波莱罗舞曲》。另外,他将穆索尔斯基的钢琴独奏曲《图画展览会》改编为同名管弦乐组曲,使得此曲广为流传。
一、吉普赛女郎·斗牛士·《波莱罗》 1928年,西班牙芭蕾舞女演员伊达·鲁宾斯坦约请拉威尔(1875—1937)为她写一篇舞蹈音乐。最初,拉威尔不愿为此创作新的作品,但答应把西班牙作曲家阿尔贝尼兹(1860-1909)的几首钢琴曲 改编为管弦乐曲。后来拉威尔知道阿尔贝尼兹作品的配器权属于费尔南德斯·阿尔博斯(1863-1939),他已为舞蹈女演员阿根蒂娜把阿尔贝尼兹的作品改编为一首舞蹈组曲,于是拉威尔不得不创作新的管弦乐曲。
他心中酝酿着一个配器构思,要把这个作品写成一首乐队练习曲。全曲是一个巨大的“渐强”,在小鼓无休止的三拍子节奏背景上,由各种乐器演奏的两个17小节的旋律不断反复。在以压倒一切的力量奏出尾声以前,音乐突然滑进了E大调(旋律大调),造成了和单纯的手法全不相称的独特效果。拉威尔这个别出心裁的曲子,就是著名的《波莱罗》。《波莱罗》由尼金斯卡编舞,1928年11月22日首演于巴黎。场景是在一家烟雾迷漫的西班牙旅馆里,鲁宾什坦打扮成一个吉卜赛女郎,头上插着梳子,围着围巾,站在台子上跳舞,观众围着她喝彩。跳得愈来愈红火的舞蹈,引起了围观者的愈来愈狂热的情绪。最后,他们把她抓起来,高高地举到自己的头上。
波莱罗》在巴黎演出后,引起了许多舞蹈演员和舞剧编导的注目。爱尔兰舞蹈演员多林(1904-)把它作为自己的独舞保留节目,连续演出许多年;俄国舞蹈演员利法尔(1905-)演出的《波莱罗》,虽仍作为西班牙主题来处理,却避而不跳传统的西班牙舞。因为具有固定不变的旋律 和节奏型的拉威尔此曲,和真正的波莱罗已很少共同之处。其舞台设计,布景是白的拱廊和血红的天空,利法尔化妆成一个斗牛士,刚从斗牛场上胜利归来,以滑稽的姿态逗引着一位倾慕他的妇女。他的敌人出现在他的面前,夺走了这个妇女,斗牛士大失所望,昏昏沉沉跌倒在地,受了重伤。欢度节日的人群继续他们的狂欢,好像什么都没有发生过一样。舞台上渐渐挤满了人,乐队最后的“渐强”伴随着斗牛士的死去。
二、儿童组曲《鹅妈妈》法国作曲拉威尔的《鹅妈妈》组曲,原来是四手联弹钢琴组曲,是一部名副其实的儿童组曲 — 采用儿童题材、为儿童创作、供儿童演奏的组曲。采用儿童题材 — 内容取材于法国作家贝洛(1628—1703)、奥努瓦夫人(约1650—1705)和 博蒙夫人(1711—1780)的童话;为儿童创作 — 这部组曲是1909年拉威尔为他的好朋友哥台勃斯基的两个孩子创作的,并把这部作品献给了他们;供儿童演奏——1910年4月,这部组曲在巴黎独立音乐协会的一次音乐会上初次演出时,担任 钢琴四手联弹的是六岁的韦尔热尔和十岁的拉米。《鹅妈妈》作为一部地道的儿童组曲,似乎只差作曲者不是儿童了。但拉威尔告诉我们:“我写这部组曲,目的是要唤起童年时代的诗意,因此手法就必须单纯,一切表面的效果只好摒弃不用。”可见作曲家也是怀着一颗童心来创作的。
1911年,拉威尔把《鹅妈妈》改编为管弦乐组曲,后来又加上了两个乐章,改变了各乐章的次序,并用间奏曲把它们贯串起来,成为舞剧音乐。舞剧由拉威尔根据贝洛等的鹅妈妈故事编剧,让娜·于加尔编舞,1912年1月首演于巴黎。这是一出别有情趣的儿童舞剧,拉威尔特地设计了一个 小舞台,演出弗罗丽娜公主之梦的童话故事,显得分外小巧玲珑,稚态可掬。两个扎着黄头巾的 黑孩子担任司幕和换景。故事以睡美人为蓝本,纺车之舞一场,公主在花园里跳舞,她的保姆 坐在纺车旁。公主跌倒在纺车上,锭子刺痛了她的腰。当她着了睡魔,沉睡在卧榻上的时候, 朝廷群臣们围着她跳林中睡美人的帕凡舞。接着是一系列的梦:在缓慢的小型圆舞曲伴奏下,开始了 美人与野兽的对话,后来野兽变为一个漂亮的王子
两个黑孩子在间奏曲的乐声中调换布景。下一个梦是小拇指(矮子)和他的小兄弟们穿过树林,一路撒下面包屑,作为回家时的指路标志。但当孩子们睡着时,小鸟把路上的面包屑吃了个精光…… 下面的场景是摆设着十八世纪中国古玩的皇宫,宝塔皇后(丑姑娘)和她的情人青蛇在一起。五声音阶的叮当声和锣声伴奏着东方风味的舞蹈。王子登场,发现弗罗丽娜公主睡在仙园里。他吻了她一下,公主就醒来了。《鹅妈妈》舞剧在英、美演出时,常常删了拉威尔为舞剧音乐增写的两乐章和间奏曲,完全按照 《鹅妈妈》组曲五乐章的布局:帕凡舞——魔园——小拇指——睡公主——美人和野兽。演的是一个小女孩梦中的奇遇,每一乐章都是以她为主角。

3印象派作曲家的代表编辑

直到德彪西逝世、第一次世界大战结束后,印象主义音乐和印象主义美术都盛极一时。现代作曲家,几乎没有一个人不暂时地或部分地使用这一手法。
然而,从已经进入二十一世纪的今天来看,应该说印象主义作为现代音乐已经衰落。这有种种原因,但最大的原因可说是因为这一手法是由德彪西所独自完成的,因此已没有再发展的余地。而且只有德彪西具有与印象派画家和象征派诗人等人组成小集团的环境,并且这种事情也只有在巴黎才能发生。德彪西最大的继承人应该说是拉威尔,如果对拉威尔的音乐细加分析,则表面上虽似德彪西,但在许多方面却脱离了单一的色彩主义。意大利雷斯皮吉、德国的施特劳斯和英国的德柳斯等人,在创作上的某阶段或某部分都可算作印象派作曲家,他们均走过了各自的道路,德彪西不喜欢并反对德国浪漫主义中的戏剧性的高潮和过多的感情,但从音乐已愈来愈现实化的今天来看,他那以印象为生命力的音乐,只不过是浪漫主义的延长及其结果。
德彪西的印象派作曲家的代表首先是莫利斯·拉威尔,他生于近西班牙的农村,生后不久就移居巴黎,并在那里过了一生。他生于1875年,殁于1937年。在声音色彩的使用方法上,他全面地继承了德彪西的遗产,在钢琴曲和一部分管弦乐曲中,有时和德彪西的作品相似得几乎达到不可分辨的程度。然而德彪西的表现手法常常是暗示的,与此相反,拉威尔的作品在很大的程度上加入了明快、正面的因素,一部分钢琴曲表现了回复到库普兰和拉莫的古典风格。他的代表作有《水之嬉戏》、由五首小曲组成的《镜子》、由三首小曲组成的《加斯帕尔之夜》和组曲《库普兰的坟墓》等钢琴曲。这些作品都是模仿德彪西的手法,管弦乐曲《包莱罗》已成为了世界性的通俗乐曲。
拉威尔钢琴曲中,最广为人知的恐怕是小奏鸣曲,他应某杂志的悬赏写出了这一乐曲,但因此规定长出几小节而落选,拉威尔后来为此曲加写了第二、第三乐章,于1905年出版,这是被用作教材的小奏鸣曲形式首次登上演奏会舞台的最初的艺术作品

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2014-06-17    14:48
舒伯特 - [音影]
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弗朗茨·泽拉菲库斯·彼得·舒伯特(德文:Franz Seraphicus Peter Schubert,1797年-1828年)是奥地利作曲家,他是早期浪漫主义音乐的代表人物,也被认为是古典主义音乐的最后一位巨匠。舒伯特在短短31年的生命中,创作了600多首歌曲 ,18部歌剧、歌唱剧和配剧音乐,10部交响曲,19首弦乐四重奏,22首钢琴奏鸣曲 ,4首小提琴奏鸣曲以及许多其他作品。

在十九世纪初的音乐名城维也纳,继海顿莫扎特贝多芬等伟大音乐家之后,又出现了一颗灿烂的音乐新星作曲家弗朗茨·舒伯特
奥地利作曲家舒伯特于1797年出生在维也纳贫困的小学校长家庭。他从小学习钢琴和小提琴,十一岁被帝国小教堂唱诗班录取,并住进神学院,成为该校乐队小提琴手,同时还担任指挥,这使他有机会接触维也纳古典乐派一些著名作曲家的名作,他1813年为该乐队创作了《第一交响曲》。1813年因变声离开神学院,舒伯特为了减轻家庭负担,到父亲所在的学校里担任助理教师,同时继续创作。
1814年10月19日为歌德的诗《纺车旁的格丽卿》谱曲,舒伯特的这第一部歌曲杰作,打开了他创作灵感的闸门。仅1815年一年,舒伯特就写了144首歌曲,其中10月的一天就写了8首歌曲。除歌曲外,他还创作了1部交响曲,2部弥撒曲和其它作品。1816年,他辞去教师的职务,专心从事作曲。由于没有固定收入,生活比较贫困,在他的一些作品里也常常反映出苦闷和压抑的情绪,尽管这样,他还是满怀热情地创作了大量的歌颂民族解放斗争的优秀作品。长期的困苦生活,使舒伯特身心受到极大的摧残,1828年11月19日,年仅三十一岁的舒伯特在维也纳溘然长逝,他被安葬在他生前一直相当崇拜却只见过几次面的贝多芬墓旁。
舒伯特诞生在维也纳近郊赫田塔尔的一个平民家庭里。他的父亲是一位学校教师,母亲和贝多芬的母亲一样是厨师。十一岁时他以出色的童声入教会寄宿学校学习。但是,寄宿学校的物质生活条件却十分恶劣。寒冬时,室内没有炉火,穷苦的舒伯特又冻又饿。他曾给兄弟写信说:“我们常常想吃苹果,因为从粗劣的午餐到晚餐之间,足足间隔八个小时呢!”这时他已经尝试作曲。一直到1818年他辞去教师一职为止,这是他第一个创作时期。在这个时期中,舒伯特首先在歌曲领域内形成了自己独特的风格,他的歌曲半数是在这几年内写出来的。这个时期他也创作了一些交响曲,但这些作品还不够成熟。1818~1827年是舒伯特创作的中心时期。在这十年中,他除了继续写作歌曲外,还创作了声乐套曲、交响曲、室内曲、钢琴奏鸣曲等比较大型的作品。这一时期他的大型创作逐渐走向成熟,并形成了自己所特有的风格。其中包括《b小调第八交响曲》(亦称《未完成交响曲》,1822)、声乐套曲《美丽的磨坊女》、《冬日的旅行》、《d小调弦乐四重奏》(《死神与少女》,1824),钢琴五重奏《鳟鱼》、钢琴曲《流浪者幻想曲》、《音乐的瞬间》等。舒伯特崇敬贝多芬,曾把创作的四首钢琴变奏曲题献给他。1827年3月19日,舒伯特举着火炬参加了贝多芬的葬礼。
如果说,贝多芬是西欧古典乐派的登峰造极者,那么舒伯特就是西欧浪漫主义音乐的开拓者和奠基者之一。愚蠢的奥地利皇帝曾经说过这么一句话:“我们不需要天才,我们只要忠于职守的奴仆。”像舒伯特这样一位艺术家,他的作品在维也纳的市民中已家喻户晓、广为流传了,但却因得不到官方的赏识而难于出版和演出。舒伯特在生前,甚至还没能听到过自己创作的交响曲的演出。1825年,他写出了不朽的名曲《魔王》,但是一直过了五年,出版商才勉强答应为他出版这首歌曲,其条件是不付给他稿费。1828年11月19日,年仅三十一岁的舒伯特患伤寒,因没有钱医治,离开了人间。亲友们按照舒伯特临终时的嘱托,把他安葬在贝多芬墓的近旁。在他的墓碑上刻着这样的字句:“死亡把丰富的宝藏,和更加美丽的希望埋葬在这里了。”在那白色大理石墓碑上,缪斯女神正给舒伯特的头象戴上桂冠,小天使向他敬献花蓝。他是十八、十九世纪以来第一个以优秀的歌曲创作闻名于世的作曲家,人们称誉他为“歌曲之王”。

2早年经历编辑

早年生活

1797年1月31日,舒伯特出生于维也纳近郊的里希田塔尔。他父亲弗朗茨·西奥多·弗洛瑞安(Franz Theodor Florian)是一个莫拉维亚农夫的儿子,是一个教区学校的校长。他的母亲伊利莎白·维兹(Elizabeth Vietz)在结婚前是一个女仆。舒伯特连他在内共有15名兄弟姊妹,不过这15人当中,有10名在出生后不久就病死。他们的父亲是一位知名的教师,同时也是一位业余音乐家,将自己的音乐知识都传授给了儿子。
从五岁开始,舒伯特就随父亲开始学习,六岁时开始进入学校上课,他的音乐的启蒙也从那时开始。父亲教导他小提琴的基础,当他七岁时,师从霍尔泽教堂的乐队长-- 迈克尔·霍尔泽,学习音乐。可是霍尔泽根本教不了他,要教的内容他早就会了。所以上课的内容变成了聊天,或者经常就是霍尔泽目瞪口呆地看着舒伯特,吃惊的 说不出话来。小舒伯特从一名学徒工那里学到更多的东西。那个学徒工曾带他去临近的一个钢琴仓库,给他以比他贫穷的家庭所能给予的更好的乐器练习机会。他的早年教育更显不足的另外一个原因是在那个年代,一个作曲家如果自己不是一个在公众面前的出色的演奏家,那他成名的机会几乎微乎其微。这样看来,他童年的音乐启蒙教育是不够他踏上音乐家之路的。
1808年8月,他考进了皇家神学寄宿学校,并在皇家教堂童声合唱团里唱歌。在那里舒伯特开始接触了莫扎特序曲和交响曲。正是大量不断地接触各种各样的曲谱,以及经常去歌剧院听歌剧,舒伯特开始为他的后来的音乐造诣打下坚实的基础。
同时,他的天赋引起了当时顶级作曲家安东尼奥·萨列里的注意,萨列里决定教授他作曲和音乐理论。舒伯特早期的室内乐很有特点,后来人们知道他家在周日和节假日经常演练弦乐四重奏,他的两个兄弟拉小提琴,他父亲大提琴,舒伯特自己拉中提琴。这正是他后来为之谱曲的业余合唱的雏形。
他在寄宿学校后来的时光里,又陆续写了很多室内乐,几首歌曲,一些钢琴曲片断,一首Kyrie (D.31)和Salve Regina (D.27),一首风琴octet(D.72/72a) - 据说是悼念他1812年去世的母亲。一首cantata (D.110),words and music,for his father's name-day in 1813,和他的毕业作品 - 生命(life),他的第一首交响曲(D.82)。

教师生涯

在1813年底他离开了寄宿学校,同时为了避免服役便去了他父亲的学校作为底班的教师。此时他的父亲也与一位来自近郊 Gumpendorf 丝绸商人的女儿Anna Kleyenboeck再婚。其后的两年里年轻的舒伯特忍受着繁杂的工作,他倒也游刃有余。尤其是萨列里一直对他单独教授作曲。可以说萨列里是教他时间最 长也是对他最有影响的老师。因为萨列里是头一个将Biedermeier(指1815-1848)风格溶入维也纳教堂音乐的作曲家,所以舒伯特早期作品有 他老师的教堂音乐的特点就不足为奇了。另外萨列里用多种语言写了大量歌曲,这也对舒伯特早期大量出产歌曲给出了解释。他的第一部歌剧-- Des Teufels Lustschloss (D.84) -- 和F大调第一部弥撒曲(D.105) -- 都作于1814年,同年他还写了三部弦乐四重奏,第一首交响曲no.2 in B-flat major (D.125)和17首歌曲,其中包括经典的Der Taucher(D.77/111) 和 Gretchen am Spinnrade (D.118,published as Op.2)。但这些和1815年的作品数量比,就逊色了。
在1815年,尽管有教课的工作,还要找萨列里上课,以及生活的很多杂事,他的产量高得让人难以 置信。降B大调第二交响曲(D.125) 完成了,紧接着第三号D大调(D.200)。他又写了两首弥萨曲,第一首仅用了六天。三首歌剧Der vierjährige Posten (D.190),Fernando (D.220) 和Claudine von Villabella (D.239)-- 另外两首,Adrast (D.137) 和 Die Freunde von Salamanka (D.326),没有完成。另外还有一部弦乐四重奏,四部奏鸣曲,及零散的钢琴曲,以及146 首歌曲。有些歌曲还很长。他光10月15日写了8首歌,10月19日7首。
1814年12月舒伯特结识了诗人Johann Mayrhofer: 由于舒伯特的性格,他们的友谊很快发展至亲密无间。他俩的脾气不一样,舒伯特率直,开放,阳光,Mayrhofer忧郁,沉默寡言,将人生看作对人的忍耐力的考验。他们的友谊,对舒伯特后来的帮助是多方面。

朋友的支援

如果说1815年是舒伯特创作丰富的一年,那么1816年却是他命运转折的一年。他为歌德的诗歌魔王谱曲,为好友Spaun惊叹不已。几周后,一个家境殷实的学生Franz von Schober,因为曾经在Spaun的家里听过舒伯特的歌曲,前来拜访。他提出让舒伯特辞去学校的差事,并资助他安心进行音乐创作。这个建议可谓雪中送炭。因为舒伯特刚刚申请卢布尔雅那宫廷乐师未果,正为压抑的教职闷闷不乐。他父亲很快同意了他的决定,很快在四月末他搬到了Schober家寄宿。舒伯特曾经为了补贴家用试图教授音乐,但很快放弃,全身心的投入到音乐创作中。他后来说,"我整天都在写,每当我完成一部,马上开始下一部。"
同一时期舒伯特的朋友圈子也不断扩大。Mayrhofer介绍他认识Johann Michael Vogl,著名的男中音,他为给舒伯特扩大影响经常在维也纳沙龙演唱他谱的歌曲:Anselm Huttenbrenner和他的兄弟Joseph是舒伯特的忠实歌迷。出色的钢琴家Joseph von Gahy经常演奏他的奏鸣曲和幻想曲。音乐世家Sonnleithner一家,因为大儿子与舒伯特在皇家学院是同学,让舒伯特自由出入,而且为他举办音乐聚会,这种聚会很快被称为“舒伯特圈子(Schubertiaden)”。生计对于舒伯特来说也不是问题。毫无疑问,舒伯特当时一无所有,他辞掉了教职,却也没有演出收入。而且那时没有出版商对他的作品感兴趣。但是他的仗义朋友们经常无所求地接济他。有的给他提供住处,有的提供乐器。他们一起出去吃饭,碰上谁带钱谁就付钱。舒伯特是聚会的明星,但一贫如洗。据说他有十几个外号。最有特点的一个是“什么能耐?”,更通俗一些就是“他买单?”当一个新人被介绍给舒伯特认识时,他经常这样问。舒伯特的另一个外号是“小蘑菇”。因为他只有1米57,又是个小胖子。
1820年标志着舒伯特风格走向成熟。未完成的清唱剧"Lazarus" (D.689) 于2月动工,随后主要的还有“the 23rd Psalm” (D.706),“灵魂之歌”(Gesang der Geister) (D.705/714),“Quartettsatz” in C minor (D.703)和“流浪者幻想曲”。而且对于他作曲生涯更有意义的是在那一年他的两部歌剧在K?rntnerthor theatre上演:“孪生兄弟”(Die Zwillingsbruder”)(D.647)和“神奇的竖琴”(Die Zauberharfe) (D.644)。尽管如此,他的大部分作品仍然局限于由Gundelhof的业余歌唱团演唱,这个歌唱团是早期他家的家庭四重奏基础上发展起来的。这时的舒伯特向往着一份更体面的职位从而赢得更多的听众。无奈的是出版商都对他丝毫不感兴趣。直到他的朋友Vogl于1821年二月演唱了魔王,Anton Diabelli 才犹豫不决地同意印刷他的一些作品并付款,但合同很快被解除。舒伯特从那些出版社里得到的报酬是那样的可怜和微乎其微。这不是他朋友的错,只能说维也纳的听众不识才,而造成这个悲剧的罪魁祸首就是那些中间人,是他们把舒伯特隐藏在观众视线之外。
事业上的挫折驱使舒伯特走近青楼女子,他希望这些思想简单的女子们可以使他压抑的心情得以解脱。不幸的是舒伯特1823年1月被感染梅毒,这在当时是不治之症。当年秋天舒伯特入院治疗,有所好转,但次年年初他精神也受到重创,在一封信中他写到:“我感到自己是世界上最不幸,最可怜的人”。

3演艺经历编辑

1823 年舒伯特完成了第一个为Wilhelm Muller的诗歌创作的歌曲集“快乐的磨坊女”(Die schöne Mullerin),D. 795,. 这部作品以及后来的“冬季之旅“(Winterreise) D. 911,被广泛地认为是舒伯特歌曲作品的巅峰之作。
1824年舒伯特写了壮丽的Octet in F (D.803),"A Sketch for a Grand Symphony"; 当年夏天他重返?eliezovce,在那里他被匈牙利的当地语言特色深深吸引,而写成了Divertissement a l'Hongroise (D.818)和String Quartet in A minor (D.804)。舒伯特无可救药地爱上了伯爵夫人,他当时的学生Caroline Esterhazy。无论后人如何评价这段罗曼史,在历史上都无从查证。
前几年的事业的低潮在1825年终于有了转折。舒伯特的作品源源不断被出版,经济上的压力有所缓和。舒伯特当年夏天在上奥地利度过愉快的假期,被当 地人狂热追捧。正是在这次旅行中舒伯特创作了歌曲集"Songs from Sir Walter Scott",其中包含了著名的“Ellens dritter Gesang”,D.839,也就是当代人们熟悉的“Ave Maria”。
从1826年到1828年舒伯特除了在1827年去过一次格拉茨,一直呆在维也纳。回忆这三年的时光,好像除了作曲外鲜有故事发生。1826年他把一部交响曲献给音乐家之友协会而拿到了报酬。在1828年春天他第一次也是一生仅有的一次举办个人作品音乐会,好评如潮。但他那些作品就象一部自传。“死亡与少女” (D.810)写于1825-1826冬天,并于1826年1月25日首演。这年晚些时候“Rondeau brilliant”问世。
1827年舒伯特完成歌曲集“冬天之旅” (D.911),以及两首钢琴三重奏(B flat,D.898; and E flat,D.929)。

4逝世编辑

在他的创作旺盛时期,他的健康恶化。自从1822年起,舒伯特就在和梅毒作斗争. 尽管有人提出其它的病因,最终的病症很可能是伤寒症;他晚期的病状与汞中毒的病状相似,而汞恰恰是19世纪早期被用来治疗梅毒的药物;无论如何,没有足够 的证据来作出确定的诊断。他于1828年11月19日死于维也纳,哥哥费迪南德的公寓里,卒年31岁。根据他的要求,死后被葬在其崇拜了一生的偶像贝多芬的墓边。1888年,舒伯特以及贝多芬的坟墓被迁到了维也纳中央公墓,与小约翰·施特劳斯以及约翰内斯·勃拉姆斯的墓为邻。
1872年,弗兰克·舒伯特的纪念碑维也纳中央公园被建立起来。

5故后声誉编辑

后人笔下的舒伯特通常是一个怀才不遇的天才,他的作品未能得到广大观众的重视。确实,舒伯特的伟大作品 – 如交响乐– 并未产生重要的影响,歌剧也没有突破。造成这个结果的一个重要原因是他自己并未如莫札特和贝多芬那样积极主动地设法在公众场合展现自己。直到1827年才在朋友们的劝说下开了个人音乐会,而且取得巨大成功。
另一方面舒伯特却又名声在外。特别是Vogl作为歌唱家不遗余力地演唱他的作品。在他去世前,出版商们已经对他的作品感兴趣。在他生前已经有大约100首作品被出版 – 这个数字与他的总共600首歌曲比起来只是很小一部分,但和当时的许多其他作曲家相比,已经很多了。
在舒伯特去世后数年里Diabelli有出版了许多歌曲,当然到他的交响乐,弥撒曲和歌剧都陆续出版,又经过了若干年。舒曼有一次在维也纳拜访了他的哥哥费迪南·舒伯特,费迪南给他看了几首舒伯特的遗作。舒曼当即看中了《第九交响乐》(Große Sinfonie in C-Dur)并决定让它重见天日。1839年3月21号这部作品在门德尔松(Felix Mendelssohn Bartholdy)的指挥下在莱比锡首演。作品《第八交响曲“未完成”》也终于在1865年在Johann von Herbeck指挥下首演。
尽管英年早逝,舒伯特对当时音乐的许多领域作出了杰出贡献。他与贝多芬一起被音乐界称为德语国家浪漫主义音乐的奠基人。他不但继承了古典主义音乐的传统,并在其基础上开创了歌曲音乐的先河,从而奠定了他浪漫主义音乐鼻祖的地位,并为后来的作曲家门德尔松舒曼,以及再后来的雨果·沃尔夫和斯克里亚宾所发扬光大。在十九世纪他以艺术歌曲的创始人闻名于世,而在二十世纪他在器乐的贡献也逐渐被人们认可。可惜在歌剧上的影响有限,主要是因为歌词的晦涩难懂和乏味,从而使作品的水准大打折扣。
当代经常有以舒伯特圈子为名的纪念音乐会举行。最著名的当属于1976年在Hohenems创立的舒伯特圈子,自2001年起每年夏天在 Schwarzenberg和Hohenems举行为数众多的歌曲和室内乐音乐会。
1928年舒伯特逝世100周年为舒伯特年,在奥地利各地举行了很多纪念活动。无数的纪念碑,纪念树在城市和乡村被树立起来。上面大多数刻着“纪念德语歌曲之王弗朗茨·舒伯特”。

6创作生涯编辑

舒伯特的创作生涯虽然很短暂,却给后人留下了大量的音乐财富,600多首的艺术歌曲,为世界音乐宝库增添了耀眼的光辉,在音乐史上被誉为“歌曲之王”。他为不少诗人如约翰·沃尔夫冈·歌德弗里德里希·席勒海因里希·海涅、威尔赫姆·穆勒等的作品写了大量歌曲,把音乐与诗歌紧密结合在一起。他的歌曲中既有抒情曲、叙事曲、充满战斗性的爱国歌曲,也有源于民间音乐的歌曲,其中重要的有《魔王》、《鳟鱼五重奏》、《菩提树》、《美丽的磨坊少女》、《野玫瑰》、《流浪者》(2首)、《普罗米修斯》、《致音乐》、《迷娘之歌》、《纺车旁的格丽卿》、《牧童的哀歌》、《战斗中的祈祷》、《剑之歌》、《战士之歌》等 , 主要歌曲汇有3部歌曲集 :《美丽的磨坊少女》、《冬之旅》和《天鹅之歌》。他的交响曲中较重要有第四、第五、第八、第九交响曲,其中第八交响曲是一部浪漫主义抒情交响曲,因只写了两个乐章而被称为《未完成交响曲》,许多人试图续写,但都不尽如人意,不得不承认,它的“未完成”也许比完成更接近完美的形态。第九交响曲气势磅礴,充满英勇豪迈的气概,被称为《伟大交响曲》。他的作品还有d小调弦乐四重奏《死与少女》、钢琴五重奏《鳟鱼》、C大调弦乐五重奏、钢琴曲《流浪者幻想曲》、《音乐的瞬间》、降E大调即兴曲、A大调奏鸣曲和配剧音乐《罗莎蒙德》等。舒伯特以抒情的旋律闻名,而且总是能够自然流露、浑然天成。另有18部歌剧、歌唱剧和配剧音乐,10部交响曲,19首弦乐四重奏,22首钢琴奏鸣曲,4首小提琴奏鸣曲以及许多其它作品。舒伯特在生的时候,大众对他的认识和欣赏只是一般,但在逝世前已经有一百首著作被出版。他早年担任父亲学校里的教师,辞去职位后一直没有固定的工作,经常靠朋友接济。

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2014-06-17    14:46
尼科罗·帕格尼尼 - [音影]
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帕格尼尼(Niccolo Paganini ,1782.10.27--1840.5.27),意大利小提琴演奏家作曲家。他的技巧影响了后来的小提琴作品,也影响了钢琴的技巧和作品。他的作品有《bE大调协奏曲》、《二十四首随想曲》、《女巫之舞》、《无穷动》、《威尼斯狂欢节》、《军队奏鸣曲》、《拿破仑奏鸣曲》、《爱的场面》、《魔女》、《D大调小提琴协奏曲》。另外,还作有吉他曲二百首,以及各种室内乐曲。

尼科罗·帕格尼尼意大利小提琴及吉他演奏家作曲家,属于欧洲晚期古典乐派,早期浪漫乐派音乐家。他是历史上最著名的小提琴大师之一,对小提琴演奏技术进行了很多创新。[1] 
他于1782年10月27日出生在意大利北部,靠近地中海的良港热那亚。父亲是小商人,没受过多少教育,但非常喜爱音乐,是一个吉他曼陀铃业余爱好者。父亲教他弹曼陀铃并请了一位剧院小提琴手在他7岁时教他小提琴,后又与热那亚最有名的小提琴家学习。他幼年充分显露出音乐才能,不论什么曲子,他都立刻能轻松地演奏出来。同时他还学习作曲,8岁就会写小  提琴奏鸣曲。12岁,他在热那亚举行公开演奏会,获得极大成功。他13岁开始旅行演出。从十余岁起,帕格尼尼跟着许多不同的老师学习,包括了Giovanni Servetto和Alessandro Rolla,但是对于这早来的成功,他没有办法妥善的处理。在他十六岁时,他就开始赌博和酗酒,就在这个时候,荻达拯救了他,把他带到她的家去,在那里他又开始学习小提琴,共学了三年。在这三年之中,他也弹奏吉他。1805年他担任卢加宫廷乐队小提琴独奏家。1825年后,他足迹遍及维也纳、德国巴黎和英国,他还会演奏吉他和中提琴。在他的《二十四首随想曲》中,表现了高超的技巧。1840年5月27日夜,这位被誉为“小提琴之神”和“音乐之王”的人离开了人世,年仅五十八岁。[2] 

帕格尼尼的父母

帕格尼尼的父亲安东尼欧·帕格尼尼,母亲狄蕾莎.波姬亚蒂,皆未受过正式音乐教育,夫妇俩在酒店唱歌赚取赏金,帕格尼尼大概是继承了父母天份。他的身体似乎天生就是拉琴的,他的肩膀,他的手肘,他的手腕关节异常柔软。宽大的胸幅使他不必使用肩垫及腮托,小脑特别发达,听觉格外灵敏,即使是用调音不准的琴依然可以拉出准确的音.他还可以将曲子任意升高或降低半音来拉,当然不是基于调音,而是从指法的改变。

帕格尼尼的天赋

帕格尼尼的演奏将小提琴的技巧发展到了无与伦比的地步,为小提琴演奏艺术的发展作出了不可磨灭的贡献。他不仅影响了后来的小提琴作品,也影响了后来的钢琴作品。他还将吉它的技巧运用于小提琴的演奏中,大大丰富了小提琴的表现力。由于技巧保密,他生前出版作品极少,绝大部分系去世后出版。著名的音乐评论家柏辽兹称帕格尼尼是“操琴弓的魔术师”,歌德评价他“在琴弦上展现了火一样的灵魂”。
帕格尼尼的手是不可思议的,一般小提琴家必须在高把位才能用1、3指在两条弦上拉出八度音,但据说帕格尼尼可以用四根手指在四条弦拉出四个八度,这相当于在手掌弯曲状态下,食指和小指指尖要相距至少20公分以上。帕格尼尼的身材瘦长,拉琴时情绪激越,如痴如醉,如魔鬼附身,技巧十分精湛。在帕格尼尼五十八年的音乐生涯中,共创作了二十四首小提琴随想曲,包括《》、《狩猎》等名曲。

帕格尼尼的堕落

他才华横溢,风流倜傥,他一度挥金如土,赌博成性,与妓女鬼混。那双拉琴的手,那双抓住音乐翅膀的手,一只伸进了肮脏的赌场,一只伸进了狐臭飘香的妓女幔帐。他把金质的音符当作了筹码,输掉了不仅是自己的尊严,还有人格。他把生命最精彩的部分,输给了龌龊的温床和淫荡的女人,他的肉体和灵魂被女人掌握和玩弄,他把才气和傲骨输了个净光。
脱掉音乐的盛装,帕格尼尼背上了桎梏一样的债务,他被饥饿、疾病困扰着,最后不得不将心爱的小提琴变卖度日。他的小提琴要比托查的杰西命运还惨。有人说,帕格尼尼的双手和灵魂,被撒旦掌握了。在帕格尼尼辉煌的时期,人们聆听他的演奏时这样说:“才华横溢的大师你拉错几个音符吧,那样我们觉得你还像人类。”

荻达的灵魂拯救

帕格尼尼还算是幸运的,当他堕落到穷困潦倒的时候,一个善良的贵妇人,像天使一样降临到他的身边。这个贵妇人叫荻达。荻达清楚地知道,拯救帕格尼尼的生命和灵魂,必须从他的双手开始。因为帕格尼尼的堕落是双手开始的。首先,荻达将帕格尼尼接到乡村自己的一个别墅,对他开始了三年的精心调养:生活上的多滋味调养,心灵上的仁爱抚慰,还有音乐上的指导辅助。荻达手把手地教会了帕格尼尼吉它演奏指法,使他学会了用手指拔出与长笛相似的泛音和双音。帕格尼尼重新找到了手感和乐感,并创造出了  小提琴演奏新技法。《狩猎》是帕格尼尼二十四首小提琴随想曲第九曲的别名,其中一段双音,像是狩猎号角声,就是从荻达那里学来的。
手指的灵性恢复,取决于一位善良的女人之手的把握;而心灵的复苏,缘于荻达心中爱的呵护。帕格尼尼的音乐再生,是荻达用爱心拯救复活的。在乡村别墅静养的三年中,帕格尼尼学会了珍爱自己和他酷爱的音乐。在荻达的调养下,他重新回到了自己的家乡热那亚,并在卢卡重新举办了小提琴音乐会。

2生平事迹编辑

童年往事

帕格尼尼父亲是一个爱好音乐的商人,在帕格尼尼3岁时就开始教他小提琴演奏技巧,后来又让他师从小提琴家塞尔维托·科斯塔学习。帕格尼尼8岁时便创作了他的第一首小提琴奏鸣曲,并能演奏小提琴家、作曲家布雷尔的协奏曲。他9岁加入市立歌剧院的管弦乐团,11岁就登台演奏自己创作的《变奏曲》。12岁时他把《卡马尼奥拉》改编成变奏曲并登台演奏,一举成功,轰动了舆论界。他随后又赴帕尔玛,师从当时最著名的小提琴家罗拉和指挥家帕埃尔学习。返乡后,他每天大约用12个小时练习自己的作品。13岁时帕格尼尼开始在意大利北部旅行演出。1797年之后,他的琴声遍及意、法、奥、德、英、捷克等国。他高超的演奏技巧,曾使在病中的老师罗拉跳下病榻,自愧无颜为师。法国著名小提琴演奏家、教育家鲁道尔夫·克鲁采尔听了帕格尼尼的演奏,也为他惊人的技巧而目瞪口呆,甚至在日记中写道:“犹如见到恶魔的幻影”。为此,人们也就把帕格尼尼的演奏称作“恶魔的演奏”。

艺术生涯

帕格尼尼开拓了近代小提琴的演奏技巧,成为名震欧洲的最著名小提琴家。他的演奏技巧高超,表情丰富,情绪激奋,如痴如醉,引人入迷。他常在音乐会上才华横溢地即兴演奏。为了炫耀技巧,他甚至故意弄断小提琴上的一两根弦,然后在剩下的琴弦上继续演奏。他的作品和演奏技巧几乎慑服了欧洲所有的艺术家,如文学大师司汤达、巴尔扎克、梅涅、大仲马,音乐大师肖邦舒曼、李斯特等,听过他的演奏无不为之激动不已。他对肖邦柏辽兹尤其是李斯特等人的音乐创作,产生了强烈的影响。柏辽兹还应帕格尼尼之邀写了一首突出中提琴的交响曲《哈罗尔德在意大利》献给他。而帕格尼尼虽从未演奏此曲(可能是嫌技巧不够辉煌),但仍然慷慨地赠送给在生活困境中苦苦挣扎的柏辽兹2万法郎。
1800年那年,帕格尼尼无论到哪里演出都大获成功,收入颇丰,可是源源而来的金钱,又因他嗜赌的恶习而输的精光。据说他父亲也是个赌徒,有一次竟然把帕格尼尼小提琴作为赌注输掉了。在帕格尼尼为演出无琴发愁之际,一位名叫皮厄·里沃隆的法国商人借给他一把瓜尔内里制造的名琴“卡隆珀”,这使演出大为增色,获得巨大成功。里沃隆非常感动,对帕格尼尼说:“这把名琴就送给您了,但请切记千万不可给别人。”帕格尼尼感激之余,一生遵守了这一约定。在他去世后,后人遵照他的遗嘱将这把小提琴交于日内瓦博物馆收藏。
帕格尼尼在艺术上取得巨大成就的同时,却备受疾病的折磨。他从小就病魔缠身,一生中几度死里逃生。46岁时,突然牙床长满脓疮,只好拔掉几乎所有的牙齿。牙病初愈,又染上严重的眼疾,幼小病弱的儿子于是成了他的“拐杖”。1828年以后,他的演出越来越少。过50岁后,关节炎、肠道炎、喉癌等疾病不断向他袭来,后来他的声带也坏了,成了哑巴,只能靠儿子按他的口形作翻译来与人沟通,可见他一生的成就来得多么不易。
101年起的五年间,他忽然隐居起来,据说在练习吉他和务农,也有人说是为了与一位年长而富裕的寡妇之间的恋爱而躲避起来。此间,他完成了六首小提琴与吉他合奏的奏鸣曲。1805年,23岁的帕格尼尼复出赴意大利各地演出。他的演奏技巧又有了进一步发展,被拿破仑的妹妹莉萨·波拿巴·巴乔基聘为皮昂比诺的音乐指挥。三年合同期满后,帕格尼尼的踪影再次消失了。1814年再度复出,在意大利许多城市举行演奏自己作品的音乐会。1828年维也纳、1831年在巴黎伦敦的演出均引起轰动。1833年定居巴黎。1839年去马赛,然后去尼斯,并于此地去世。
 

 

 

 

帕格尼尼是一位杰出的小提琴演奏家作曲家,但为了隐藏自己独创的演奏技巧,他不肯将自己的作品出版。他去世10年后,人们才将他的作品编辑出版,总共包括:50首小提琴曲杰出,其中《二十四首随想曲》的某些部分曾被李斯特、舒曼、勃拉姆斯、拉赫玛尼诺夫等人改编成钢琴曲;12首小提琴与吉他奏鸣曲,其中6首为小提琴、中提琴、大提琴和吉他的四重奏;6首小提琴协奏曲,其中《b小调第二小提琴协奏曲》(《钟声》)是他的代表作,主要特点是演奏技巧精湛,尤其是首尾两个乐章遥相呼应,精彩迷人,无愧于它的标题《钟声》。作品1851年刚出版,李斯特就立即将它改编为同名钢琴练习曲。原作与改编曲双双传于后世,至今仍是音乐会上常见的曲目。他还创作有吉他曲200首,以及其他各种室内乐作品等。

评价

法国小提琴家吉特利斯曾说:“帕格尼尼不只是一个发展……先是有了前面的这些(小提琴家),然后帕格尼尼横空出世了。”尽管帕格尼尼所采用的一些小提琴技巧在当时已经出现,技巧发展却已经停滞不前。科莱里1653年-1713年)被认为是小提琴技巧之父,他将小提琴的地位从伴奏乐器提升到了独奏乐器。巴赫1685年-1750年)的无伴奏小提琴奏鸣曲和组曲(BWV 1001-1006)奠定了小提琴的复调演奏能力。第一部对小提琴技巧进行系统研究的作品是卢卡特里(1693年-1764年)的24首随想曲,尽管在今天演奏起来没有问题,在创作的时代却因难度过高而无法被演奏。当时的杰出小提琴家们更为关注的是音调和弓法(弦乐演奏家们称为“右手技巧”)这两个最基本但是很关键的问题。

演奏家

帕格尼尼则为演奏家作曲家们引入了更先进的技巧。通过他的贡献,小提琴作品的创作极大地丰富了。他的音乐具有非常丰富和高难度的指法和弓法以取悦听众,并对他当时的同行们构成挑战。他的音乐会作品中有连顿弓、和声拨弦(双手),和丰富的音程(最多达到大十度)。帕格尼尼的作品不被认为是完美的对位法创作:(伊萨依曾抱怨说在帕格尼尼的音乐中钢琴管弦乐伴奏太像吉他了,缺乏个性和对位)。但是,他将小提琴音色和色彩扩展到了前所未有的程度。帕格尼尼同时也是一位杰出的吉他演奏家,并为这件乐器创作了超过200部作品。

难以超越

帕格尼尼可以在一个把位上用四根弦演奏出三个八度,这在今天看来简直是难以想象的。他的灵活性也许是由于马凡氏综合症或Ehlers-Danlos 综合症。他的指法,比如双音技巧,换指八度(和十度)和左手拨弦在当时都被认为是几乎不可能的事情,但却是当代年轻小提琴家们的常规训练科目。几乎半个世纪后才由约阿希姆和伊萨依带来了可以和帕格尼尼相提并论的小提琴技巧跳跃式发展。
很多作曲家都对帕格尼尼的a小调第24随想曲很感兴趣。李斯特勃拉姆斯拉赫马尼诺夫卢托斯拉夫斯基和很多其它作曲家都为这个作品的旋律创作了变奏曲

帕格尼尼的名词

近代和现代人一般用帕格尼尼来形容某种艺术达到高端意境的人,比如
吉他上的帕格尼尼:指巴拉圭吉他演奏家作曲家巴里奥斯(A. Barrios-Mangore)
小号上的帕格尼尼:指俄罗斯小号演奏家纳卡里亚多夫
长号上的帕格尼尼:指瑞典长号演奏家林德伯格

5历史评价编辑

声望无比

小提琴家中间任何人也没能拥有像帕格尼尼那样巨大的声望。在同时代人的眼里,他似乎是个谜,是个奇人。有些人认为他是天才,另外一些人又把他看成是挂羊头卖狗肉的冒牌大师;他的名字即使在生前就已经和一些莫名其妙的奇谈怪论结下了不解之缘。

作曲家

十九世纪前半叶整个浪漫主义演奏艺术思潮的兴起是由他首先掀起的:他在器乐效果方面的创新曾经是柏辽兹和李斯特改革管弦乐和钢琴音乐的典范;舒曼十分赞赏他的随想曲,并且由此特意把它们改编成钢琴曲;罗西尼、梅耶贝尔、肖邦、李斯特从事创作无不接受过他或多或少但不容忽视的影响;勃拉姆斯根据他第二十四首随想曲的主题进一步尽意发挥地写出一首钢琴变奏曲,到了我们这个时代,拉赫玛尼诺夫又用同一个主题创作出一首乐队演奏的《狂想曲》。一百多年以来帕格尼尼的作品始终没有离开过音乐会舞台,它们以明朗的配器、鲜明的造型和满含深情而又永葆青春的旋律使人百听不厌。然而在今天也可能听得到这样的见解:只就表演而论,帕格尼尼是个很了不起的伟人,至于说到他的创作,无非依*炫示绝技动人心目而已。在这方面,看来他的命运倒和李斯特颇有类似的怀才不遇之处,李斯特的创作才能长期以来也是未曾得到大多数人的许可。但是帕格尼尼一生之所以如此光辉而至今仍然不朽,恰恰证明他同时还是一位杰出的作曲家。
1782年10月27日帕格尼尼热那亚诞生。他的童年时代过得极不愉快。父亲——安东尼奥·帕格尼尼——开了一家小杂货店,店里的收入就连供应全家粗衣淡饭的需要也嫌不够,何况他还是个赌起钱来不要命的赌徒,这种恶习使他变得越来越贪婪,越来越想发财。这个人一碰就爱发脾气,肝火旺得很,难得有心平气和的时候,简直是这个家庭里的暴君。
安东尼奥对音乐十分喜欢,可是他那点能力充其量只够在家里或者朋友小圈子里拿起曼多林弹一段民间小调开开心而已。当他在儿子身上发现了一种绝非寻常的才能时,他激动得差一点变成了个白痴。从此儿子就成了老子手里一副可以用性命去赌输赢的活的扑克牌。他开始亲自教尼科洛,起先教孩子弹曼多林和吉他然后又教他拉小提琴,逼着他从清晨一直练到深夜,要是他觉得孩子似乎还不够刻苦,那就干脆不给他留什么吃的东西。极其繁重的课业损害了尼科洛的健康;结核菌和神经衰弱症在他身上一步一步地蔓延开来。本来已经削弱的体质很容易听从病魔的摆布。麻疹和猩红热又差一点儿要了他的命;之后,尼科洛一辈子也未曾摆脱掉这种强直性的昏厥和肌肉不时痉挛的毛病。

母亲

母亲——捷列扎·鲍拉尔多——真心地疼爱着孩子,但这个对丈夫百依百顺的女人是个头脑简单的农民,一向笃信上帝而又讲究迷信,几乎从尼科洛刚刚哇哇落地起,她就十二分肯定地预言这个婴儿前程远大,将来会成为一位大音乐家。
好几种帕格尼尼的传记都提到过,在父亲管教之后,尼科洛曾经到一个名叫乔万尼·塞韦托的普通乐师那里上课。大家确实都知道,小提琴家又是作曲家的弗朗切斯科·涅科(Francesco Gnecco)对他相当关心。不能说没有受过他影响的  发表于  14:46 | 阅读全文 | 评论(0) | 引用Trackback(0) | 编辑 

2014-06-17    14:44
拉赫玛尼诺夫 - [音影]
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谢尔盖·瓦西里耶维奇·拉赫玛尼诺夫(俄文:Сергей Васильевич Рахманинов;英文:Sergei·Vassilievitch·Rachmaninoff,1873年4月1日-1943年3月28日),生于俄罗斯二十世纪世界重要的古典音乐作曲家钢琴家、指挥家;毕业于莫斯科音乐学院;他的创作中深受柴科夫斯基影响,有深厚的民族音乐基础,旋律丰富,擅长史诗式壮阔的音乐风格;主要作品有第二、三钢琴协奏曲帕格尼尼主题狂想曲、二十四首前奏曲音画练习曲,歌剧《阿莱科》、《利米尼的法兰契斯卡》和第二交响曲、管弦乐“死岛”、等。其中《d小调第三钢琴协奏曲》以其艰深的难度,成为钢琴演奏曲目中的“最难”。

谢尔盖·瓦西里耶维奇·拉赫玛尼诺夫于1873年4月1日出生
谢尔盖·瓦西里耶维奇·拉赫玛尼诺夫

谢尔盖·瓦西里耶维奇·拉赫玛尼诺夫

俄罗斯奥尼加城的一个富庶的地主家里。他的家庭有着很好的音乐环境,这使他从小受到了良好的音乐熏陶。他4岁开始习钢琴,9岁就进入了彼得堡音乐学院。1885年他又经人介绍来到莫斯科,跟随著名的钢琴演奏大师兹维列夫学习钢琴。1889年,他考入了莫斯科音乐学院,从此开始接受更为严格、正规、系统的教育和训练。他跟著名钢琴家齐洛蒂学习钢琴,还跟随著名作曲家塔涅耶夫阿连斯基学习作曲。1891年和1892年,他先后以优异的成绩在钢琴和作曲班毕业,从此开始了他独立的音乐家生涯。
拉赫玛尼诺夫早期是以钢琴演奏家的身份活跃于国际乐坛的。他的钢琴演奏造诣很深,在演奏中,他兼收前辈诸钢琴大家之长,创建了自己所独特的演奏风格,成为当时世界上屈指可数的杰出钢琴演奏家。
拉赫玛尼诺夫很早就开始了在作曲方面的尝试,1892年他在莫斯科音乐学院毕业时就已创作了毕业作品--独幕歌剧《阿列科》。后来,为举办音乐会的需要,他创作了许多钢琴曲,同时还作了交响幻想曲悬崖》、《茨岗主题狂想曲》等大型乐队作品。1895年,拉赫玛尼诺夫创作了他的《第一交响曲》。这部作,1897年在彼得堡由格拉祖诺夫指挥首演,但遭到了失败。为此拉赫玛尼诺夫陷入异常的苦恼之中,他的创作也开始减少了。
1897年,拉赫玛尼诺夫被聘为莫斯科马蒙托夫私立歌剧院的助理指挥,从此开始了他的指挥家生涯。1899年,他第一次赴欧旅行演奏,受到了欧洲各国人民的热烈欢迎。
由于心境的好转,他从1900年起又恢复了音乐创作活动,先后创作了《c小调第二钢琴协奏曲》、《钢琴前曲》和《春天大合唱》等。这其中尤为瞩目的《c小调第二钢琴协奏曲》以它那特有的抒情和诗意,赢得了听众的普遍赞扬。时至今日,这部作品已成为拉赫玛尼诺夫最成功的代表作品之一。他曾经由于挚友的死亡而影响了精神状态,转而到黑海畔修养,然而这一段经历深深的印在了他的脑海中,他一生的作品都逃不开那死亡的钟声和黑色的磅礴的大海。
拉赫玛尼诺夫
谢尔盖·瓦西里耶维奇·拉赫玛尼诺夫

谢尔盖·瓦西里耶维奇·拉赫玛尼诺夫

这个时期的作品,带有浓郁的俄罗斯民族风格,基调都是真挚的抒情主义,受柴科夫斯基的影响很深。
1917年,俄罗斯革命开始后,拉赫玛尼诺夫流亡到瑞士。之后辗转又到了美国,担任了波士顿交响乐团的指挥。他在国外写的最重要的作品是《e小调第二交响曲》。这部作品以其深刻的思想性、感人的抒情性和突出的俄罗斯民族音乐风格,赢得了广泛的世界声誉,成为拉赫玛尼诺夫创作生涯中的里程碑。
拉赫玛尼诺夫的创作富有民族性,作品旋律流畅优美,感情真挚动人。而有些作品却带有些许的忧郁情绪。他的后期作品表现出晚期浪漫主义的特点,手法比较繁复,阴暗的色彩也较多地出现在音乐中,这与他长期旅居国外、远离祖国有着很大的关系。
拉赫玛尼诺夫一生创作的作品很多,其中包括三部交响曲,四部钢琴协奏曲帕格尼尼主题狂想曲,三部歌剧以及交响诗《死岛》、《悬崖》、《波西米亚随想曲》和大量的钢琴前奏曲变奏曲练习曲等。除此之外,他还作有大量的室内乐和艺术歌曲等作品。[1] 

2人物年表编辑

1873年4月1日 拉赫玛尼诺夫
童年时期的拉赫玛尼诺夫

童年时期的拉赫玛尼诺夫

出生于谢苗诺沃。拉氏曾祖父曾经在圣彼得堡师从著名演奏家菲徳尔学习,拉氏的母亲安娜·奥娜斯卡雅是圣彼得堡音乐学院的毕业生。拉氏的最早的钢琴教育就来自母亲。
1882年 拉氏举家迁往圣彼得堡,入学圣彼得堡音乐学院,,师从德米纳斯基学钢琴。
1885年 拉氏在表兄的介绍下,进入莫斯科音乐学院,师从茨维列夫,接受到极严格的训练,从此打下了坚实的基础。作为茨维列夫的弟子,拉氏有机会去圈里的聚会,先后见到了鲁宾斯坦塔涅耶夫柴科夫斯基等,并对他后世的创作,产生了影响。
1887—1888年 拉氏写出了第一批最初的作品。包括《乐队谐谑曲》和一些钢琴小品。
1890年夏 拉氏来到家乡伊凡诺夫卡,在那里他遇到了日后的妻子同时也是自己表妹的娜塔莉娅·萨蒂娜。坠入情网的拉氏为心上人写了一首六手联弹的圆舞曲和浪漫曲。回到莫斯科后,拉氏动笔创作了管弦乐《曼佛雷德》,这部作品的灵感来自柴科夫斯基的同名交响曲。
1891年 拉氏在家乡完成了《第一钢琴协奏曲》。12月回到莫斯科,向自己的老师阿连斯基献上了第一部交响诗《罗斯基斯拉夫王子》。
1892年3月 拉氏在音乐学院举办了自己的音乐会,演奏了自己的三重奏和钢琴协奏曲第一乐章。另一方面,拉氏加紧创作毕业作品——根据普希金长篇叙事诗《吉普赛人》改变的歌剧《阿连科》。这一年,拉氏获得金质奖章,以优异成绩从莫斯科音乐学院毕业;毕业之后的拉氏马上投入到繁忙的音乐会演出之中。期间,拉氏还完成自己最出名的作品之一——《升C小调前奏曲》。暑期,拉氏非常放松,相继完成两套艺术歌曲和一首幻想曲。还有从莱蒙托夫诗歌中获得灵感创作的幻想曲《岩石》。
1895年 拉氏完成了费时多日的《d小调第一交响曲》。
1897年3月
拉赫玛尼诺夫

拉赫玛尼诺夫

第一交响曲由格拉祖诺夫指挥首演。出人意料的是惨遭失败。此后大约三年时间,拉氏一蹶不振,连已经动笔的《佛兰切斯卡·达·里米尼》也被搁置,直到数年后才完成。
1901年11月 拉氏的《第二钢琴协奏曲》完成并首演,拉氏亲自担纲独奏,作品获得了极大的成功,拉氏也成功地战胜了心理疾痼,重新振作起来。恢复了自信的拉氏进入了一个创作的高峰。
1901年 他完成了《大提琴奏鸣曲》和为双钢琴而作的第二号组曲。次年拉氏又完成了自己第一部比较重要的合唱作品——根据诗人涅克拉索夫的诗歌谱写的康塔塔《春》。不久,拉氏宣布了和纳塔丽娅的婚事。
1903年夏 拉氏在家乡度过。创作歌剧《贪婪骑士》。大女儿伊连娜出世。继续创作搁置以久的歌剧《佛兰切斯卡-达-里米尼》。
1906年 拉氏亲自指挥《吝啬骑士》与《弗兰切斯卡·达·里米尼》的首演。2月,俄国局势动荡,拉氏前往意大利。后避居徳累斯顿;在德累斯顿相对安定的环境里,拉氏先后完成了《第二交响曲》(1906~1908年)。《第一钢琴奏鸣曲》(1907年)。交响诗《死岛》(1909年)。
1907年5月 拉氏第二个女儿塔吉亚娜出生。夏季的伊凡诺夫卡成为拉氏的主要创作地。1908年夏,在此地,拉氏完成了难度惊人的《第三钢琴协奏曲》,并于次年在美国首演;此后几年,日子相对平静,在繁重的巡回演出同时,拉氏相继完成了《十三首前奏曲》(作品32,1910年),《音画练习曲》(作品33,1911年),《第二钢琴奏鸣曲》(1913年)。
1913年 拉氏辞去了很多合约,想用于很多创作。另一个大动作是辞去帝国音乐协会主席职务。2月,拉氏来到罗马,历史性的凑巧住进柴科夫斯基的弟弟莫德斯特·柴科夫斯基从前住过的房子。
1914年 战争的爆发使得俄国动荡不安。此间拉氏一直呆在俄国南方。9月拉氏突然接到瑞典方面的邀请,希望他到斯德哥尔摩演出,拉氏利用这次机会,携
拉赫玛尼诺夫(油画作品)

拉赫玛尼诺夫(油画作品)

妻带女一起离开了俄国。也就此告别了俄国;拉氏先到斯德哥尔摩,然后转到哥本哈根。由于没有了固定的收入,拉氏不得不增加场次,但依然入不敷出。
1918年底 拉氏收到了美国方面的邀请。11月,拉氏举家迁到美国纽约。在经纪人查尔斯·艾利斯的安排下,拉氏成为“斯坦威”公司的签约艺术家。斯坦威在四个月内安排拉氏演出40场,借以推广钢琴。
1919—1920年 拉氏又与胜利公司签定了录音合同,灌录自己的钢琴作品。
1921年 拉氏摆脱了经济危机,在美国买了房子,房子按伊凡诺夫卡老宅的样子建造,雇了俄国仆人,一切都按拉氏在俄国的老样子摆设。
1923年 拉氏逐渐增加了在欧洲的演出。生活安定之后,拉氏将精力投入到作曲中。至此,拉氏终于完成了《第四钢琴协奏曲》。这首冗长的协奏曲题献给俄国作曲家梅特涅。拉氏开玩笑说自己这部作品是钢琴协奏曲领域的《尼伯龙根指环》,意思是说,作品的长度惊人。
1927年3月,拉氏亲自登场演奏第四钢琴协奏曲,在费城首演。随后又进行了修改,交给TAIR出版。
1931年1月 拉氏突然在《纽约时报》发表一篇抨击苏联政府的文章。3月9日,苏联政府作出了反映,在全苏范围禁演拉氏的作品。(两年后解禁)拉氏一下子成了“人民的敌人”。
夏天,拉氏重新修订了《第二钢琴奏鸣曲》,还完成了他的最后一部钢琴独奏作品《柯莱里主题变奏曲》,并于当年10月在蒙特利尔首演。
1934年 拉氏在瑞士的谢纳尔别墅完成了他晚年最重要的作品《帕格尼尼主题狂想曲》。这首钢琴与乐队的作品是拉氏晚年最著名的音乐。作者用帕格尼尼著名的随想曲中的“愤怒之日”为主题,展开24段变奏,其中第18变奏更是凭借电影《时光倒流七十年》而闻名遐迩;此时的拉氏健康情况已经恶化,但是为了生活他仍需不停的巡演。
1939年6月 英国邀请拉氏到伦敦,参加柯文特花园皇家歌剧院举行的以拉氏音乐为基础创作的芭蕾舞剧,拉氏已无力成行;同年秋天,拉氏完成了最后一部作品《交响舞曲》,并在此修订了《第四钢琴协奏曲》。
1942—1943年
拉赫玛尼诺夫(晚年留影)

拉赫玛尼诺夫(晚年留影)

拉氏感到了前所未有的疲劳,情况到了1943年初变的越发糟糕,拉氏已变的越发虚弱。医生初步诊断是胸膜炎积液严重。要求立即卧床休息。但拉氏坚持演完了2月17日在诺克斯威尔的音乐会,然后才不得不结束巡演,和家人回到洛杉矶贝弗利山的家中休养。
在洛杉矶,医生诊断为晚期癌症,且完全扩散到肺部和骨头。根据在拉氏最后时刻陪在他身旁的钢琴家霍洛维茨回忆:拉氏的病情恶化的非常快。
1943年3月28日早晨 拉赫玛尼诺夫在家中去世,享年70岁。

3人物逸事编辑

1、  钢琴对小时候的拉赫玛尼诺夫是一件惩罚工具,据说其母惩罚小拉赫玛尼诺夫时,会要求他坐在钢琴底下。
2、拉赫玛尼诺夫的身材高大,拥有一双巨大的手,左手能轻易按到跨十二度的琴键,故此并非所有人能演奏他的作品。他的身材可能与一种名为马凡氏综合症(Marfan Syndrome) 的遗传病有关,患者其中一个征状是修长的四肢及手指。
3、拉赫玛尼诺夫曾居于其师兹韦列夫的寓所内,由于同学们练习的声音过份嘈吵,拉赫玛尼诺夫向其师要求一个较宁静的环境以专心作曲而引发争执,最终令两师徒拆伙。
4、拉赫玛尼诺夫于莫斯科音乐学院毕业时,获评审委员一致推举为第一荣誉毕业生,其师兹韦列夫亦是评审委员之一。兹韦列夫于毕业礼时,更以金表作为贺礼赠予拉赫玛尼诺夫,两师徒亦冰释前嫌,此金表亦成为拉赫玛尼诺夫珍而重之的物品。
5、拉赫玛尼诺夫接受心理治疗时,其治疗师尼古拉·达利(Николай Даль/Nikolai Dahl)要求他每天接受诊治,拉赫玛尼诺夫每次均需坐于漆黑的房间内,听治疗师不停重覆说:“你将开始创作协奏曲…你会工作得称心如意…你的协奏曲会是最好的…”拉赫玛尼诺夫最终于诊疗期末时,完成了著名的《第二钢琴协奏曲》。
6、拉赫玛尼诺夫于1902年与Natalia结婚,其意大利籍的妻子亦是毕业于莫斯科音乐学院的钢琴家。
7、拉赫玛尼诺夫喜欢于安静的环境创作,他曾说:“没有比安静独处对我更有帮助。”
8、“拉赫曼尼”在俄语有“挥霍无度”之意,拉赫玛尼诺夫之父正是一个胡乱挥霍的赌徒,最后更典当家业,弃妻儿不顾。
9、拉赫玛尼诺的外祖父是戎马半生的将军,父亲是一名军官。拉赫玛尼诺夫这个姓氏源于拉赫玛尼(rachmany),俄语意为“亲切”、“慷慨”。

4主要作品编辑

钢琴与乐队作品

拉赫玛尼诺夫编写了五首以钢琴与交响乐团演奏的作品,分别为四首钢琴协奏曲及帕格尼尼主题狂想曲(Rhapsody on a Theme of Paganini),其中以第二钢琴协奏曲及第三钢琴协奏曲最著名,帕格尼尼主题狂想曲中一段行板(Var.18)更是旋律优美,成为脍炙人口之作,被电影《似曾相识》(Somewhere in Time)采纳为背景音乐

钢琴独奏作品

钢琴独奏方面,拉赫玛尼诺夫共谱写了24首前奏曲,最著名的莫过于他的《升c小调前奏曲》。
拉赫玛尼诺夫亦曾把多首古典音乐作品改编成钢琴独奏版本,较著名的有巴赫的《前奏曲》、里姆斯基-科萨科夫的《野蜂飞舞》、弗里茨·克莱斯勒的《爱之悲》及《爱之喜》等。

交响曲作品

拉赫玛尼诺夫曾编写三首交响乐作品,第一交响乐对拉赫玛尼诺夫而言是失败之作,他甚至把手稿撕毁,直至他死后,整份乐谱被才发现收藏于列宁格勒音乐学院中,至1948年才于美国作第二次公演以纪念拉赫玛尼诺夫逝世五周年。然而,第二交响乐及第三交响乐仍是较出名的作品。
拉赫玛尼诺夫亦曾编写多首交响诗,如:Isle of the Dead、The Rock、Symphonic Dances(交响舞曲)等。

声乐及合唱作品

拉赫玛尼诺夫亦有编写声乐及合唱作品,包括有弥撒曲Vesper Mass、The Liturgy of St. John Chrysostom及The Bells。短歌Vocalise更被改编成不同乐器的独奏曲。

5作品赏析编辑

第二交响曲

1897年3月,  拉赫玛尼诺夫的第一交响曲由格拉祖诺夫指挥,在彼得堡初演的时候,人们对年轻的作曲家拉赫玛尼诺夫十分苛刻,他的作品在彼得堡遭到非常严厉的批评。这时候所受到的打击,对于向来一帆风顺的拉赫玛尼诺夫来说,自然成为一时难于抹灭的巨大创伤。这一精神上的打击,不但成为他日后严重神经衰弱的主要原因,同时也使拉赫玛尼诺夫形成了郁郁寡欢的孤僻性格。青年时期的拉赫玛尼诺夫痛苦不堪的神经衰弱症,由于尼古拉·达尔博士所下的暗示治疗法奏效,才逐渐走向愈。
1901年,拉赫玛尼诺夫完成了他的第二钢琴协奏曲, 并一举赢得格林卡奖,于是他顺利地恢复了作曲活动。这首第二交响曲,就是拉赫玛尼诺夫恢复自信之后的作品,也是在他三部交响曲之中,最具拉赫玛尼诺夫特色,而且最受世人欢迎的作品。整个乐曲在结构上,显示出绵延的起伏性,以情绪来推动整个乐曲的发展,显然与著名的第二钢琴协奏曲形态上有共通之处。可以说,本曲很明显地把十九世纪末至二十世纪的俄国音乐特性,用具有拉赫玛尼诺夫特色的表现形式生动地表现了出来。作品完成于1906年秋至1907年春。
全曲共分四个乐章:第一乐章 缓板转

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2014-06-17    14:42
肖斯塔科维奇 - [音影]
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迪米特里·迪米特里耶维奇·肖斯塔科维奇(Дмитрий·Дмитриевич·Шостакович,1906年9月25日-1975年8月9日),原苏联时期最重要的作曲家之一,20世纪世界著名作曲家之一;生于圣彼得堡,1919—1925年在彼得堡音乐学院学习钢琴作曲;1923、1925年先后毕业,以第1交响曲成名;1927年在肖邦钢琴比赛中获奖;卫国战争中所创作的第7交响曲享誉世界;1957、1962年先后因第10、13交响曲引起争论;1960年加入苏联共产党;其主要作品还有小提琴协奏曲钢琴协奏曲、大提琴协奏曲以及大量室内乐等;1975年在莫斯科去世。
德米特里·德米特里耶维奇·肖斯塔科维奇(Dmitri Dmitriyevich Shostakovich,1906.09.25—1975.08.09)
迪米特里·迪米特里耶·肖斯塔科维奇

迪米特里·迪米特里耶·肖斯塔科维奇

,原苏联时期杰出的作曲家钢琴家。
1906年9月25日,肖斯塔科维奇生于俄国圣彼得堡,他的父亲是化学工程师,母亲曾是音乐学院的学生,是一位优秀的钢琴家,也是肖斯塔科维奇学习音乐的启蒙老师。肖斯塔科维奇九岁开始跟母亲学习钢琴,后很快就进了格拉塞尔的音乐小学。
1917年,11岁的肖斯塔科维奇开始创作。作曲家幼年时期就对一些重大事件如第一次世界大战二月革命十月革命等有所反映,此时他写了《自由领》《纪念革命烈士的葬礼进行曲》。在十月革命里,还是少年的肖斯塔科维奇经常喜欢在彼得堡街头徘徊,他亲眼看到沙皇警察打死儿童的悲惨情景,使他深深地刻印在脑海里,后来并把它反映在标题为《十月献礼》的《第二交响曲》中。
1919年,肖斯塔科维奇进入列宁格勒音乐学院,同时学习两门主科──钢琴作曲。他在创作上表现出高度的才能,在他毕 业之前就写了十部作品,其中包括用普希金的《茨冈》写的歌剧钢琴曲《三首幻想舞曲》和毕业作品《第一交响曲》(作品第10号)。《第一交响曲》由布鲁诺·瓦尔特指挥俄罗斯境外首演,引起了国际乐坛的注意。1923年、1925年,肖 斯塔科维奇先后毕业于列宁格勒音乐学院钢琴系和作曲系。1927年,他参加了在华沙举行的第一届肖邦国际钢琴比赛并获得了奖状。
二十年代的苏联正处在艰难的发展时期,西方资产阶级音乐现代派形式主义同正在形成的苏维埃音乐文化展开了激战。肖斯塔科维奇的某些作品也受到了影响,表现了某些现代派的特征,曾引起舆论界的争议。对这位年轻的作曲家来说,他既有令 人喜悦的初步成就,也遭受到最初的挫折。但在这一时期,肖斯塔科维奇极力要求自己广泛地创作不同题材和体裁的作品,从中不断探索并确立自己的创作风格。
1937年10月21日,在列宁格勒第一次演奏他的《d小调第五交响曲》(作品第47号),标志着肖斯塔科维奇的创作进入了 成熟时期。这一时期,他除了创作交响乐和室内乐作品外,还为 一些电影配乐,如:《马克辛的归来》(1936—1937)、《沃洛恰耶夫的日子》(1937—1938)、《革命摇篮维堡区》(1938)、《伟大的公民》(1938—1939)、《带枪的人》(1938)等等。
苏联卫国战争爆发时,肖斯塔科维奇正在自己的家乡列宁格勒,于是他参加了保卫列宁格勒的志愿消防队,成为一名优秀的消防队员;肖斯塔科维奇在1941年完成了作品编号60的《第七交响曲》(这一年,希特勒的德国以32个步兵师、4个摩托化师、4个坦克师和一个骑兵旅,还有6000门大炮、4500门迫击炮和1000多架飞机猛烈进攻列宁格勒)。
战争将要结束时,肖斯塔科维奇的《第八交响曲》于1944年 4月2日在美国初演(指挥大师托斯卡尼尼亲自执棒),当时曾有一百三十四家美国电台和九十九家拉丁美洲电台以及加拿大夏威夷群岛意大利阿尔及利亚等国的电台转播了这场音乐
德米特里·德米特里耶维奇·肖斯塔科维奇

德米特里·德米特里耶维奇·肖斯塔科维奇

美国舆论界对这部新交响曲评价很高,1945年当全美国为富兰克林·罗斯福总统逝世致哀时又演奏了《第八交响曲》的第一乐章。于是在苏联重又引起一番对肖斯塔科维奇 创作的批评和争议。直至1947年,在布拉格之春国际音乐节上,这部作品再次获得了好评才算了结;当时在捷克斯洛伐克,人们把他的《第八交响曲》与伏契克的不朽之作《绞刑架下的报告》称为姊妹篇
战后,肖斯塔科维奇用自己顽强的、创造性的劳动创作了与 自己的人民心心相印的新作──为保卫和乎反对战争而作的《第十交响曲》、清唱剧《森林之歌》和电影音乐易北河会师》等,在苏联和世界许多国家和人民中间流传和演出。
五十年代以后,肖斯塔科维奇俄国革命历史中的英雄形象 非常注意,连续写了一大批大型声乐套曲和标题性的交响乐,如以革命诗人的诗而写作的《十首无伴奏合唱诗》和《第十一(1905年)交响曲》。这些作品的音乐语言充满着民间音乐的因素,富有歌唱性。
六十至七十年代,肖斯塔科维奇又创作了近四十部作品,其中交响曲四部、弦乐四重奏九部、大型声乐套曲八部。电影音乐两部,重新修改的歌剧一部以及其它器乐协奏曲、室内乐作品十五部。
他一生创作的最后一部作品编号为147号,其中获奖作品为三十余部。他的创作,体裁多样,题材广泛,音乐构思和发展规模宏大,大型的、标题性的作品(包括交响曲)占主导地位。他的音乐语言极为复杂和异乎寻常地大胆。电影音乐和歌曲的风格纯朴、明朗、清澈。总之,对各种各样的主题形象──悲剧性的、喜剧性的──他都有极大兴趣,他的音乐既充满感情又富有深刻的哲理性。
《第十四交响曲》将室内声乐、室内器乐和交响乐有机融合,歌词取自不同国家不同诗人的诗,从而创作出了具有深厚的哲学思想和抒情色彩的作品;《第十五交响曲》(1971年)是肖斯塔科维奇创作生涯的结束作品之一,其中融合了其各个创作时期的精华。[1] 
1975年8月9日
晚年的肖斯塔科维奇与指挥大师卡拉扬合影

晚年的肖斯塔科维奇与指挥大师卡拉扬合影

,这位二十世纪以来世界上最有成就的音乐家之一在莫斯科病逝。
肖斯塔科维奇曾经荣获苏联人民演员称号(1954),社会主义劳动英雄称号(1966),还曾经被授予苏联国家奖章(1941、1942、1946、1950、1952、1968),俄罗斯社会主义联邦国家奖(1974),西贝柳斯奖以及国际和平奖(1954)。[2] 
肖斯塔科维奇苏联音乐发展的深远影响不仅通过自己的创作,也通过他从1937年开始从事的教学活动,他培养了大批苏联当代著名作曲家,肖斯塔科维奇是艺术学博士,多次担任苏联作曲家协会的领导工作,世界许多著名音乐学府都曾授予他荣誉称号[1] 

2人物作品编辑

交响曲

第二交响曲 作品14(1927)
第三交响曲 作品20(1929)
第四交响曲 作品43(1935—1936)
第五交响曲 作品47(1937)
第六交响曲 作品54(1939)
第七交响曲 作品60(1941)
第八交响曲 作品65(1943)
第九交响曲作品70(1945)
第十交响曲 作品93(1953)
第十一交响曲 作品103(1957)
第十二交响曲 作品112(1961)
第十三交响曲 作品113(1962)
第十四交响曲 作品135(1969)
第十五交响曲 作品141(1971)

弦乐四重奏

第一弦乐四重奏  作品49(1938)
第二弦乐四重奏 作品68(1944)
第三弦乐四重奏 作品73(1946)
第四弦乐四重奏 作品83(1949)
第五弦乐四重奏 作品92(1952)
第六弦乐四重奏 作品101(1956)
第七弦乐四重奏 作品108(1960)
第八弦乐四重奏 作品110(1960)
第九弦乐四重奏 作品117(1964)
第十弦乐四重奏 作品118(1964)
第十一弦乐四重奏 作品122(1966)
第十二弦乐四重奏 作品133(1968)
第十三弦乐四重奏 作品138(1969—1976)
第十四弦乐四重奏 作品142(1973)
第十五弦乐四重奏 作品144(1974)

协奏曲

第一钢琴协奏曲  作品35(1933)又名《为钢琴,小号及弦乐所作的协奏曲》
第二钢琴协奏曲 作品102(1957)
第一小提琴协奏曲 作品77(1947—1948)
第二小提琴协奏曲 作品129(1967)
第一大提琴协奏曲 作品107(1959)
第二大提琴协奏曲 作品26(1966)

钢琴独奏

24首前奏曲 作品34(1932—1933)
24首前奏曲与赋格 作品87(1950—1951)

室内乐与歌剧

大提琴奏鸣曲 作品40(1934)
钢琴五重奏 作品57(1940)
第二号三重奏 作品67(1944)
小提琴奏鸣曲作品134(1968)
中琴琴奏鸣曲 作品147(1975)
歌剧鼻子》(1927—1928)
歌剧《姆钦斯克的马克白夫人》作品29(1930—1932);1956年修订,改名《卡捷琳娜·伊斯梅洛娃》作品114

电影音乐

新巴比伦 1929/3/18,导演科静采夫和特拉乌别尔格。
孤独 1931/11/6,导演尤特凯维奇。
迎展计划 1932/11/7 ,导演尤特凯维奇和埃尔姆勒尔。
神甫和他的长工巴拉达的故事(未完成)影片毁于二战期间,导演特茨哈诺夫斯基。
马克辛三部曲 1935/1/27,1937/1/21/,1938/5/1,导演科静采夫和特拉乌别尔格。
伟大的公民 1938/2/13,1939/11/27,导演埃尔姆勒尔。
愚蠢的小老鼠的故事 1940/9/13,导演特茨哈诺夫斯基。
科金基娜历险记 1940/11/11,导演敏茨。
丹娘 1944/9/22,导演阿伦施塔姆。
孤身一人 1956/8/25,导演科静采夫和特拉乌别尔格。
外科医生皮罗戈夫 1947/12/16 ,导演科静采夫。
青年近卫军 1948/10/11,1948/10/25,导演格拉西莫夫
米丘林 1949/1/1,导演杜甫琴科。
易北河会师 1949/3/16,导演图尔兄弟和西埃宁。
攻克柏林 1950/1/21,导演切阿列乌里。
难忘的1919年 1952/3/3,导演切阿列乌里。
别林斯基 1953/6/4,导演科静采夫。
大河之歌 1954/9/17,导演伊文思
牛虻 1955/4/12,导演范齐美尔。
第一梯队 1956/4/29,导演卡拉托佐夫
霍万斯基之乱 1959/5/23 ,导演斯特罗耶娃。
五天五夜 1961/11/23,导演阿伦施达姆和爱勃林。
莫斯科,美丽的稠李 1962/12/30,导演拉波波尔特。
哈姆雷特 1964/4/19,导演科静采夫。
一年如一生 1965/3/18,导演罗沙尔。
卡塔林娜·伊兹迈洛娃 1966/9/25,导演夏皮罗。
索菲亚·普罗夫斯卡娅 1968/5/6 ,导演阿伦施达姆。
李尔王 1971/2/4,导演科静采夫。

3创作历程编辑

早期创作

肖斯塔科维奇
德米特里·德米特里耶维奇·肖斯塔科维奇

德米特里·德米特里耶维奇·肖斯塔科维奇

1906年9月25日生于圣彼得堡,1975年8月9日卒于莫斯科。他的母亲曾在音乐学院学过钢琴。他在母亲的指导下,在格利亚塞尔音乐学校开始受音乐教育。
9~11岁写作了第1批乐曲,包括在十月革命的气氛感染下写成的钢琴曲《自由颂》、《纪念革命烈士的葬礼进行曲》。这些童年时期的作品已经显露出他一生创作的重要特征:力求通过音乐反映现实生活的重大主题,并满怀激情表达作者的感受与态度。1919年肖斯塔科维奇考入彼得格勒音乐学院,师事ⅢB.尼古拉耶夫(钢琴)和M.O.施泰因贝格(作曲)。
这期间,他对I.F.斯特拉文斯基、A.勋伯格、P.欣德米特、法国“六人团”的音乐发生了兴趣,自己的创作也倾向现代潮流。
1923和1925年,他先后从钢琴专业和作曲专业毕业。他的毕业作品《第一交响曲》(1924~1925)隐含着A.H.斯克里亚宾、斯特拉文斯基、C

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2014-06-17    14:39
杨松斯 - [音影]
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马里斯·杨松斯(1943-),拉脱维亚籍世界著名指挥家。曾长期担任奥斯陆爱乐乐团的首席指挥(1979-2000),后转任匹兹堡交响乐团音乐总监(1997-2004)。现任阿姆斯特丹音乐厅管弦乐团首席指挥(2004年起),兼任巴伐利亚广播交响乐团首席指挥(2003年起)。此外,他还曾长期担任伦敦交响乐团的首席客座指挥。

杨松斯1943年出生在拉脱维亚里加(Riga),其父为前苏联指挥家阿尔维德·杨松斯(ArvidJansons,1914~1984)。指挥风格热情洋溢,具有斯拉夫民族特色,擅长表演俄罗斯古典乐曲与现代作品。杨松斯师从于当代国际乐坛上两大不同风格的指挥巨匠门下,在继承前辈的指挥技艺时,又开创了自己的独立艺术道路
。由于德、俄两种文化的影响,杨松斯有着广泛的国际化曲目,而且能够根据不同的曲目演奏出不同的风格。他的心得在于,依靠想象力精湛的技巧来获得最好的演出效果。杨松斯的指挥风格既有德奥音乐的深邃典雅,又有俄罗斯的热情豪放。当然,每个人都有自己的特长。作为俄罗斯派指挥的传人,他更擅长对俄罗斯作曲家作品的把握。杨松斯目前是中年指挥家中最被看好的一位大师级人物。

指挥风格

杨松斯作风严谨,对待排练演出极度认真,自称“在向上帝借时间”的杨松斯,对音乐事业有着高度责任心和奉献精神。他的音乐听起来热情洋溢、对比鲜明、自然流畅。他最擅长的是俄罗斯及东欧民族主义和浪漫主义中期到晚期的作品,同时,对于德奥系古典主义以及一些现代派的作品也很有建树。很多指挥家在诠释一部作品时,总会运用一些与众不同的处理方式。而这些方式往往也会给后来的指挥家带来灵感,被后来的指挥家所效仿。与众多指挥家一样,杨松斯在指挥时也会赋予一部作品自己的特色。比如众所周知的“拧毛巾”处理,就是一种在乐句结尾处突然加速,瞬间将气氛推向高潮的处理。此外,在节奏速度的对比变化和对音色的处理上,也是杨松斯近几年极为注重的方面。这些特点都是杨松斯受到穆拉文斯基卡拉扬两位大师的点拨,以及自己多年在乐坛上潜心研究的结果。很多人喜欢将杨松斯和当今柏林爱乐乐团的首席指挥西蒙·拉特进行对比,说杨松斯是当代的富特文格勒,而拉特是当代的托斯卡尼尼。杨松斯对这个看法不敢苟同。富特文格勒一直是杨松斯最崇拜的指挥家,而杨松斯也一直以富特文格勒为自己的标杆。作为当今古典乐坛中流砥柱的指挥家,杨松斯指挥的音乐会场场爆满,而被誉为“古典音乐的票房保证”。
对于音色上的处理,似乎是俄系指挥家比较薄弱的环节。但杨松斯的音色却一直很有自己的特点。从200
杨松斯肖像

杨松斯肖像

6年的维也纳新年音乐会中,人民可以明显的听到,杨松斯善于通过突出弦乐的中低声部增加音色的厚重感和流动感。值得注意的是,往年的维也纳新年音乐会通常只有6把大提琴,而杨松斯指挥的2006年维也纳新年音乐会上却出现了8把大提琴,足见杨松斯对于弦乐的中低声部的重视。可以说,杨松斯对于音色的考究,在当今指挥家中是很独树一帜的。与当今很多指挥家偏于明朗的音色不同,杨松斯的音色偏向于厚重,同时铜管乐声部又不乏嘹亮;并且打击乐声部与管弦乐声部的融合又非常的融洽,丝毫没有突兀或者是凌驾于乐团之上的感觉。因此,在处理浪漫主义后期作品的复杂的情感时,就更显得游刃有余。而杨松斯指挥下的合唱团,更是有了一种神圣的味道。杨松斯的合唱团的音色空明而纯洁,细腻而富于变化,在演唱一些宗教作品比如安魂曲的时候,更突显出了一种圣洁的味道。也许,这与杨松斯从小生活在歌剧院,对人声比较敏感有关。在2008年卢塞恩音乐节上,杨松斯指挥巴伐利亚广播交响乐团和合唱团的勃拉姆斯《德意志安魂曲》中,圣洁的合唱更让这部作品焕发出夺目的色彩。在唱片中,他与巴伐利亚广播交响乐团录制的《贝多芬第九交响曲》,约瑟夫·海顿的《第十四号“管乐队”弥撒》,以及跟阿姆斯特丹皇家音乐厅管弦乐团录制的《德沃夏克安魂曲》,普朗克《荣耀颂》中也能听到他对合唱团音色独特的处理。
杨松斯比较擅长的作曲家有:彼得·伊里奇·柴可夫斯基拉赫玛尼诺夫肖斯塔科维奇柏辽兹,勃拉姆
杨松斯指挥马勒作品

杨松斯指挥马勒作品

斯,西贝柳斯巴托克斯特拉文斯基,穆索尔斯基,理查德·施特劳斯等等。同时,他的古斯塔夫·马勒贝多芬,海顿,舒曼等人的部分作品也颇受好评。在担任巴伐利亚广播交响乐团和阿姆斯特丹皇家音乐厅管弦乐团首席指挥后,他又开始大量演出瓦格纳,布鲁克纳,勋伯格,马蒂努,奥涅格,曼努埃尔·德·法雅雷斯皮基等人的作品。此外,杨松斯也大量首演了很多当代作曲家的作品。比如2005年12月22日,他在阿姆斯特丹皇家音乐厅管弦乐团首演了汉斯·维尔纳·亨策于2003年创作的一部新作:《塞巴斯蒂安之梦》(Sebastian im traum)。杨松斯与奥斯陆爱乐乐团合作录制的柴科夫斯基交响曲全集更被认为是最优秀的版本之一。而在2006年,杨松斯与世界上几大一流乐团合作录制的肖斯塔科维奇交响曲全集的发行,也让肖斯塔科维奇这个作曲家又一次活跃在了古典音乐爱好者们的视线里。而作为杨松斯处理德奥系作品也不逊色于其他指挥家的证明,他的贝多芬勃拉姆斯布鲁克纳等人的部分交响曲录音也颇受好评。而目前,杨松斯正在着手于和阿姆斯特丹皇家音乐厅管弦乐团录制马勒交响曲全集,以及和巴伐利亚广播交响乐团录制贝多芬交响曲全集。同时,他与巴伐利亚广播交响乐团也在录制马勒的部分交响曲。

2大事表编辑

出生

大概很少指挥像他一样,从小是在歌剧院里长大的。他的父亲是歌剧院的常任指挥,而母亲就是这家歌剧院的头牌歌手。从小,歌剧院后台就是他的游戏场所,除了在歌剧院玩耍之外,父母也安排他上特别的音乐班,6岁学习小提琴并展露出过人的音乐天赋。在他9岁时,父亲在列宁格勒爱乐谋得指挥的职位。五年后,就把杨颂斯接到那里,进入列宁格勒音乐院求学。在那里,他除了小提琴外,又多学了钢琴与指挥。一直到他毕业这段期间,他所接受的都是俄式音乐教育。

上学

1969-1972年间,获得一笔奖学金出国到维也纳学指挥,期间到萨尔斯堡随卡拉杨工作。
1971年,回国后就任列宁格勒爱乐乐团的常任指挥,十八岁的杨松斯在柏林的“卡拉扬国际指挥比赛”上初露锋芒此后,他得卡拉扬与穆拉文斯基的妙手点化,同时受到德奥与俄罗斯音乐文化的双重熏染。
1973年,被任命为圣彼得堡爱乐乐团(原列宁格勒爱乐乐团)指挥。
杨松斯指挥奥斯陆爱乐乐团作品

杨松斯指挥奥斯陆爱乐乐团作品

1979年,被任命为奥斯陆爱乐乐团指挥。
1992年,被任命为伦敦爱乐乐团的特邀指挥。
1994年,首度亮相柏林森林音乐会
1997年3月,被任命为匹兹堡交响乐乐团的音乐指挥。在任内,他带领乐团进行了七次瞩目的国际巡回演出,包括两次亚洲、一次南美、四次欧洲的巡演。
2002年,再度指挥柏林森林音乐会
2003年,接替里卡多·夏伊出任荷兰的阿姆斯特丹音乐厅乐团首席指挥。
2004年,接替马泽尔出任巴伐利亚广播交响乐团首席指挥
2006年,执棒维也纳新年音乐会。
2012年,再度执棒维也纳新年音乐会。

指挥之路

虽然与小泽征尔一样赢得了卡拉杨大赛,不过杨松斯的境遇并不如小泽征尔。小泽一帆风顺,执掌了在美国最富盛名的乐团之一的波士顿交响乐团,在西方世界建立起东方指挥的神秘旋风,并且在唱片录音上获得大厂青睐。此外,他还获得卡拉杨强力支持。与此同时,苏联还是被阻隔于西方世界之外,杨松斯的名声只在同行中知名,并未遍及一般乐迷。1979年,他做了一个突破性的决定,担任挪威奥斯陆爱乐乐团的音乐总监。这个决定让他的触角伸到西方乐迷身上,原本在国际上默默无名的奥斯陆爱乐经过杨松斯的几年训练,很快的就在1982年与1983年以格里格肖斯塔科维奇的两张张唱片获得挪威的Grammy奖与乐评人奖。1984年一月,杨松斯与奥斯陆爱乐替Chandos唱片录下了柴可夫斯基第六号交响曲,终于打响了杨松斯以及奥斯陆爱乐的名号。Chandos唱片公司见杨松斯与奥斯陆爱乐深富潜力,于是趁热打铁地在同年11月录下第四号,接着又在1985年、1986年陆续完成全部六首交响曲以及曼弗雷交响曲、意大利随想曲。这六部交响曲的录音在英国以及世界其它地方获得了很高的评价,杨松斯的名声好似一夕之间出现在爱乐者前面。当时,杨松斯已经43岁了。

幸运年

43岁是杨松斯的幸运年,那年,EMI唱片公司与他签下了专属艺人合约。杨松斯没有漏气,他与EMI合作的第一张唱片肖斯塔科维奇的第七交响曲”列宁格勒”在1988年发行,隔年立刻赢得荷兰的爱迪生唱片大奖。从此,透过国际性唱片公司的运作,杨松斯声誉日隆,带领着奥斯陆爱乐与圣彼得堡爱乐做世界性巡回演出。1991年,EMI见杨松斯仍受乐迷欢迎,又与他续专属约迄今。
以前,在Chandos唱片的说明上,经常可以看到杨松斯那略带稚气的笑容。而在EMI唱片上,仍然可以看到他这种让人想亲近的笑容。1994年我访问他时,虽然他比照片上还来得成熟,但是这种友善的笑容仍然留在他脸上。难怪奥斯陆人喜欢他,媒体也称他为“奥斯陆的大师”。这种受欢迎的程度与以前马泽尔与维也纳爱乐水火不容的情况真是不可同日而语。而杨松斯自己喜欢奥斯陆吗?奥斯陆是让他发迹的地方,这里的人对他又这么友善,杨松斯已经把这里当成他的家了。奥斯陆爱乐的经理TrondOkkelmo说:“虽然他在世界各地旅行,但是他还是想回到奥斯陆。他在这里感到安全,他也知道而这里的人们爱他。这里提供他实验与冒险的空间。”
奥斯陆爱乐并不是世界级的乐团,如果有一天杨松斯有机会担任更著名乐团的音乐总监,他会弃奥斯陆爱乐而去吗?这是个很尖锐的问题杨松斯是这样回答的:“如果我要去一个更有名的乐团,我必须确定那里能够给我像在奥斯陆一样的快乐。假若您的主要动机只是让自己更出名,那你只是为了你的事业去做选择而已。你知道要付出什么代价吗?难道你只是为了到一个更大的城市就放弃艺术上的满足感与快乐吗?不用说,这是我必须提出的问题。每一个人都必须做抉择,我有自己的乐团,能够得到快乐;我也能够指挥其它的好乐团。我已经拥有我所要的东西。”看过这段话,您会发现杨松斯的确是一个念旧的人。

两度执棒新年音乐会

2006年,维也纳金色大厅迎来了历史上第一位具备前苏联指挥风格的“少壮派”指挥大师马里斯·杨松斯
2006年维也纳新年音乐会

2006年维也纳新年音乐会

—他首次亮相就选择了多达23首曲目,使该年的曲目单一举打破历史记录。在音乐会上,杨松斯充分发挥了他火热激情的指挥风格以及为众多乐迷津津乐道的“拧毛巾”式结尾,让场下观众如此如醉……除此以外,《无忧无虑快速波尔卡》结尾一声大喊、《电话机》法兰西波尔卡最后的“尴尬”表演以及《强盗》加洛普最后“冲天一枪”,都让该年度的新年音乐会火爆异常。但遗憾的是,一向被视为古典音乐录音“标杆”的DG公司却在这一年的新年音乐会CD当中失手——偏重的音质和过冷的音场被众多爱乐者指摘为“坑爹”。
2012年,时隔六年之后,大师再次站在了维也纳金色大厅的指挥台上。与六年前相比,大师的指挥动作和幅度略有收敛,但激情却并未减退——不出所料,该年度24首全场曲目再次打破由他本人保持的纪录。不过与2006年相比,杨松斯此次的选曲更加多元化,不仅包括了往常较为冷门的齐莱尔、赫尔梅斯博格的作品,连丹麦作曲家伦拜甚至老柴的作品都出现在了曲目单当中。杨松斯还特别邀请了著名的“维也纳少年男声合唱
2012年新年音乐会

2012年新年音乐会

团”参与了《闲聊》快速波尔卡以及《打铁》法兰西波尔卡的演出(在后一首曲目当中杨松斯更是亲自“打铁”让现场观众开怀一笑),而首次演出的老柴《睡美人》的两首选段也让人大呼过瘾。另外值得一提的是,此次的新年音乐会录音换成了新力音乐(SONY Classical)担纲制作,音质较之2006年得到了一定程度的改善。

逸事

歌剧院里正在彩排“卡门”。当荷西一把搂住卡门,正要有所动作时,突然一声童稚尖叫响起:“住手!别碰她,她是我妈妈。”全场一片愕然,随即哈哈大笑起来。原来正在台下玩耍的小杨松斯以为有人要欺负妈妈,情急之下不顾一切喊了出来。
直到现在,杨松斯回想起这段令人脸红的童年往事,都还禁不住笑起来。谁也没想到,小时候每天在歌剧院玩耍的小男孩,长大之后竟然是巡回世界演出,知名的指挥家
这位51岁就当上祖父的指挥丝毫没有盛气凌人的明星架式,回答问题时也不会尽讲些门面话。他给人的感觉是很亲切,很随和,容易亲近。1943年出生于拉脱维亚里加的他,在气质上与西方的指挥有相当的差异。一般西方指挥习惯于接受媒体的包装,习惯于在镜头上露脸,因此总是掩不住会流露出些许做作。

录制唱片

如果要了解一位指挥,除了以上一些有关他本身的背景资料之外,必须还要去他的唱片里去寻找他。除了整套的柴可夫斯基交响曲外,杨松斯的录音似乎没有什么章法。他录肖斯塔科维奇拉赫玛尼诺夫等俄国作曲家的交响曲,也录奥乃格、圣桑柏辽兹等法国作曲家的交响曲。此外,东欧的德沃夏克交响曲以及南欧巴尔托克的作品也录。当然,身处北欧,格里格西贝柳斯的作品是免不了的。而在现场音乐会上,除了拿手的俄国音乐之外,他还安排德国作曲家像理查·施特劳斯的“阿尔卑斯交响曲”。从这些唱片上听起来,杨松斯不仅善于诠释拉赫玛尼诺夫的浪漫,也可以把斯特拉文斯基“春之祭”的野性激发出来。而他的柴可夫斯基交响曲我在现场与唱片上都听过,但是感觉却大为不同。在现场是由圣彼得堡爱乐演奏,而唱片上是由奥斯录爱乐录制。我记得现场雄浑粗犷的气势与深沉情感比唱片上奥斯陆的抒情优美要让我感动多了。而他所录的奥乃格交响曲让我想起上次与康泽尔闲谈时他告诉我的一件事:“勃拉姆斯在听过蒙都等人演奏的法国弦乐四重奏之后,认为法国人才懂得诠释他的音乐。”勃拉姆斯的意思是法国人把他音乐里抒情的部份诠释得很好,德国人大部分则演奏得太沉重。我的意思是:杨松斯把法国音乐营造音色的特长以及活泼、有力的个性掌控得很好。对于长居寒冷、阳光并不耀眼地带的指挥而言,这不是一件容易的事。

3获奖情况编辑

1981年:第10届挪威格莱美奖最佳古典专辑——杨松斯指挥奥斯陆爱乐乐团录制 爱德华·格里格(3CDs)(1982年春颁奖)
1986年:圣哈佛德奖章(St. Hallvardsmedaljen)(挪威奥斯陆市最高荣誉)
1989年:荷兰爱迪生奖——杨松斯指挥列宁格勒爱乐乐团(现为:圣彼得堡爱乐乐团)《肖斯塔科维奇第七交响曲“列宁格勒”》。
1990年:第19届挪威格莱美奖最佳古典专辑——杨松斯指挥奥斯陆爱乐乐团录制《马勒第二交响曲》,Chandos(1991年春颁奖)
1991年:挪威Anders Jahres文化奖
1992年:荷兰路易斯特大奖——杨松斯指挥阿姆斯特丹皇家音乐厅管弦乐团:赫克托·柏辽兹《幻想交响曲》&;《罗马狂欢节序曲》。
1993年:第22届挪威格莱美奖最佳管弦乐作品——杨松斯指挥奥斯陆爱乐乐团录制《德沃夏克<;大提琴协奏曲>&;柴可夫斯基<;洛可可主题变奏曲>;》(Truls M&oslash;rk 大提琴),EMI(1994年春颁奖)
1995年:第24届挪威格莱美奖最佳管弦乐作品——杨松斯指挥伦敦爱乐乐团录制《肖斯塔科维奇<;大提琴协奏曲>;》(Truls M&oslash;rk 大提琴)(1996年春颁奖)
1995年:挪威哈拉尔德五世国王授予杨松斯挪威王国皇家荣誉勋章(Commander with Star)(挪威王国授予外籍人士的最高荣誉)
1996年:获得“EMI年度艺术家”大奖。
1999年:德国古典回声大奖(ECHO Klassik)年度最佳协奏曲(录音)——杨松斯指挥柏林爱乐乐团《库特·威尔:第二交响曲 & 小提琴协奏曲 & 歌剧<;马哈哥尼城的兴衰>;组曲》(弗兰克·彼得·齐默尔曼小提琴)。
1999年:德国古典回声大奖(ECHO Klassik)年度最佳交响乐(录音)——杨松斯指挥伦敦爱乐乐团肖斯塔科维奇第十五交响曲》。
2002年:德国古典回声大奖(ECHO Klassik)年度最佳交响乐(录音)——杨松斯指挥匹斯堡交响乐团《肖斯塔科维奇第八交响曲》。
2003年:柏林爱乐乐团“汉斯·冯·彪罗”奖章。
2003年:德国古典回声大奖(ECHO Klassik)年度最佳协奏曲(录音)——杨松斯指挥巴伐利亚广播交响乐团《普罗科菲耶夫第二小提琴协奏曲》(尼古拉·齐奈德小提琴)
2004年:获得英国皇家爱乐协会的“年度指挥”称号。
杨松斯指挥马勒作品

杨松斯指挥马勒作品

2004年:留声机年度最佳协奏曲——杨松斯指挥柏林爱乐乐团格里格舒曼钢琴协奏曲(Grieg / Schumann - Piano Concertos)》,钢琴:Leif Ove Andsnes,Live Recording EMI。
2004年:古斯塔夫·马勒Toblacher Komponierh&auml;uschen国际唱片奖最佳新录唱片——杨松斯指挥伦敦交响乐团《马勒第六交响曲》录制: 伦敦巴比肯音乐厅2002.11(LSO live 0038 (2CD))。
2005年:第48届格莱美奖最佳古典音乐专辑提名。
2005年:第48届格莱美奖最佳交响乐团演出提名——杨松斯指挥巴伐利亚广播交响乐团及合唱团演出肖斯塔科维奇第13交响曲,EMI Classics。
2005年:第48届格莱美奖最佳交响乐团演出——杨松斯指挥巴伐利亚广播交响乐团及合唱团演出肖斯塔科维奇第13交响曲,EMI Classics。(2006年2月颁奖)
2006年:戛纳MIDEM古典音乐奖年度艺术家。
2006年:拉脱维亚共和国三星二等勋章(拉脱维亚共和国最高荣誉)(2006年5月)
2006年:德国古典回声大奖(ECHO Klassik)年度最佳交响乐(录音)——杨松斯指挥巴伐利亚广播交响乐团及合唱团演出肖斯塔科维奇第13交响曲(2006年10月22日于慕尼黑嘉斯台爱乐大厅颁奖)。
2006年:法国《音乐世界》(Le Monde de la Musique)年度最佳奖——《肖斯塔科维奇交响曲全集》(10CDs)杨松斯指挥,巴伐利亚广播交响乐团柏林爱乐乐团伦敦爱乐乐团、奥斯陆爱乐乐团、圣彼得堡爱乐乐团、费城交响乐团、匹斯堡交响乐团、维也纳爱乐乐团,EMI Classics 3 65 300 2,2006年。(2006年11月18日于柏林博物馆颁奖)
2006年:德国唱片评论年度最佳录音(German Record Critics' Award)——《肖斯塔科维奇交响曲全集》(10CDs)杨松斯指挥,巴伐利亚广播交响乐团柏林爱乐乐团伦敦爱乐乐团、奥斯陆爱乐乐团、圣彼得堡爱乐乐团、费城交响乐团、匹斯堡交响乐团、维也纳爱乐乐团,EMI Classics 3 65 300 2,2006年。(2006年11月18日于柏林博物馆颁奖)
2007年:戛纳MIDEM古典音乐奖最佳交响乐作品和最佳录音——《肖斯塔科维奇交响曲全集》(10CDs)杨松斯指挥,巴伐利亚广播交响乐团柏林爱乐乐团伦敦爱乐乐团、奥斯陆爱乐乐团、圣彼得堡爱乐乐团、费城交响乐团、匹斯堡交响乐团、维也纳爱乐乐团,EMI Classics 0946 365300 24,2006年。
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2014-06-17    14:37
索尔蒂 - [音影]
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乔治·索尔蒂爵士(Georg Solti,1912-1997),英籍匈牙利指挥家,其风格严谨宏伟而具有魅力,为20世纪最伟大的指挥大师之一。他先后在旧金山歌剧院及交响乐团、芝加哥抒情歌剧院、伦敦科文特花园皇家歌剧院任指挥或音乐指导;1971年获得爵士称号后入英国籍;1972年至1975年还曾任巴黎管弦乐团音乐总监。另外,索尔蒂爵士自1969年起担任美国芝加哥交响乐团音乐总监长达23年之久,为该乐团的发展做出了巨大贡献。

乔治·索尔蒂(Georg Solti,1912-1997),生于匈牙利布达佩斯。曾在李斯特音乐院从名师学习指挥、作
索尔蒂指挥世界和平交响乐团作品

索尔蒂指挥世界和平交响乐团作品

曲与钢琴。1937年,他被托斯卡尼尼萨尔茨堡音乐节上选为助手。二战爆发前,他作为难民来到了瑞士,为了生计,又开始练习钢琴,1942年,他在日内瓦的国际大赛上首次获奖。1933-1939年任布达佩斯国立歌剧院专职指挥,1946年被驻德美军聘为慕尼黑国立歌剧院的音乐指导,由于指挥贝多芬歌剧《费黛里奥》成功而任拜仑歌剧院的指挥。
1953年始,先后在旧金山歌剧院及交响乐团、芝加哥抒情歌剧院、伦敦科文特花园皇家歌剧院(在布鲁诺·瓦尔特的鼓励下受聘,并委以延续歌剧演出传统的重任)任指挥或音乐指导。尤其是在1961年到1971年,在担任伦敦科文特花园皇家歌剧院音乐主管期间,他成功地演出了瓦格纳、理查·施特劳斯等作曲家的一系列歌剧作品,闻名全球——其中最值得一提的是他还和 Decca唱片合作,用七年时间录制了瓦格纳的鸿篇巨制《尼伯龙根的指环》,这也是这部歌剧巨制第一个完整的录音室版本。
1971年索尔蒂获得爵士称号后入英国籍。从1969年始,他任美国芝加哥交响乐团的音乐指导兼常任指挥长达23之久,在此期间,索尔蒂为扩大管弦乐团在全球范围内的影响而做出了重大的贡献——乐团1971年的首次国外巡回演出就是在他的指导下进行的。作为音乐主管,他有责任管理乐团从10月份开始的1000场演出,直到他去世的前一年。在他的卓越领导下,芝加哥交响乐团几乎成为与欧洲老牌乐团齐名的世界级知名乐团。1991年,在芝加哥交响乐团建团100周年的音乐会后,大师光荣退休(其音乐总监一职由丹尼尔·巴伦伯依姆继任)
除此以外,索尔蒂爵士还任过巴黎交响乐团与巴黎歌剧院、伦敦爱乐乐团的音乐指导及指挥,1991年卸任芝加哥交响乐团总监一职之后,还与维也纳爱乐乐团伦敦交响乐团等世界知名乐团保持合作。1995年,为庆祝联合国成立50周年,索尔蒂爵士受邀集合世界三十多个知名乐团的最优秀的乐手成立了“世界和平交响乐团”(World Orchestra for Peace),并亲自指挥乐团在联合国总部首演,获得巨大成功。
1997年9月,一代大师索尔蒂爵士在睡梦中安然辞世,享年85岁。

2指挥风格编辑

尽管经常被人评价为傲慢而专横且性情暴躁,但索尔蒂棒下的音乐显得顽强而毫不气馁,他被认为是最后一个超越生命的领导者,他有力、
激动的个性铸就了音乐的神髓,并以自己高超的技艺驾御了所有演员和音乐人投入演出,无论在巴黎还是芝加哥,他都是一个精力充沛、充满想象力的人。在他80年的艺术生涯中,所获殊荣众多。1962年,他50岁时获得了葛莱美最佳歌剧奖,1992年80岁时再度获此奖项,其余的奖项均为歌剧和交响乐奖。

3作品评价编辑

他是本世纪最有才气的指挥家及欧美音乐文化领导人之一。这位伟大的艺术大师1947 年在 Decca 唱片公司
发行了自己的第一张唱片。50多年来,他为我们留下了250多张伟大的唱片--包括了45部完整的歌剧--主要是和维也纳爱乐乐团伦敦爱乐乐团、芝加哥和伦敦交响乐团合作的。他的唱片赢得了众多的国际大奖,包括32个葛莱美奖--超过了任何其他的流行或古典音乐家。

4个人荣誉编辑

资料显示,索尔蒂是有史以来获得最多格林美奖的指挥家,自1962年以来共得32个奖项,加上其他唱片公司的7个奖项总共有39个奖项,这在现代指挥家中是无与伦比的。除了创下格莱美获奖次数最多的记录之外,索尔蒂还获得了很多其他的国际大奖。1989年,他获皇家爱乐乐
索尔蒂雕像

索尔蒂雕像

团金奖——英国的音乐最高奖(以前的获奖人包括了著名作曲家勃拉姆斯理查·施特劳斯、指挥大师托斯卡尼尼和现代派音乐祖师斯特拉文斯基)。他还成为伦敦皇家音乐学院的名誉会员。1985年9月,他在德国被授予 二级爵士十字章(Knight Commander’s Cross)。1987年,他又被授予芝加哥的最高奖(Medal of Merit),林肯公园里也树立起他的铜像。匈牙利共和国授予他 旗帜奖章,美国音乐协会则授予他"年度最佳音乐家(MUsician of the Year)"。
1988年,芝加哥的 Union League Cicic and Arts 基金会授予他 Edward Moss Martin 奖。1992年,他获丹麦的 Leonie Sonning 音乐奖。1993年,获匈牙利共和国 Middle Cross of the Order of Merit 和德国的最高奖--Grosses Verdienstskreuz mit Stern und Schulterband。同一年,维也纳爱乐乐团为了庆祝他80岁生日及合作40年,赠予他 Hans Richter 奖章。1993年12月,他被授予肯尼迪中心荣誉奖及比利时 Commandeur de l’Ordre de Leopold 称号。1994年,他被葡萄牙总统授予 Ordem Militar De Santiago De Espada --该国最高荣誉(上一个获此荣誉的音乐家是1954年的 Stravinsky)。他还获得了法国的 L间ion d’Honneur 及1995年的 Commandeur de l’Ordre des Arts et des Lettres。1996年,他在巴黎被授予 Knight Grand Cross of the Order of Merit of the Republic of Italy 荣誉称号,同时还设立了以他的名字命名的 Solti 奖,每年用来奖励表现突出的年轻歌手。
1998年十月,索尔蒂爵士逝世一年多后,在伦敦皇家艾伯特音乐厅举行了纪念音乐会,罗斯特罗波维奇以及祖宾·梅塔 等音乐大师与伦敦爱乐乐团合作,在音乐会上为新成立的索尔蒂基金会募集资金。该基金会是其本人在逝世前不久开始构思的,目的是为了促进音乐教育,并帮助全世界年轻的音乐天才们。

5个人思想编辑

作为一位学养深厚的指挥,索尔蒂的指挥风格严整而精密,他可以将整个乐队的各个声部尽情发挥,同时又能完美体现作品的内涵和意境,非常富于结构美。他训练乐队十分认真而严厉,但人缘却很好。每到一国一地,他工作的地方都视他为自己人。在德奥两地工作期间,德国政府力邀他加入了德国籍。70年代中,他又被英国政府封为爵士,并邀他做了英国公民。而美国人也多次诚邀他入籍。“我的祖国只有一个,护照却有好几本。其实,我真正的国籍是音乐。”索尔蒂对《时代周刊》曾如是说。

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2014-06-17    14:35
约胡姆 - [音影]
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约胡姆于1902 年出生在德国巴伐利亚的一个音乐家庭中,他是本世纪早期最有影响的德国指挥家之一,他一生中影响最大的一件事,就是亲手组建和培养了巴伐利亚广播交响乐团

约胡姆编辑

(Eugen Jochum, 1902—1987)
在指挥艺术史上,德国是一个指挥人才辈出的国家,抛开与它同风格的奥地利指挥家不谈,仅德国自己便在上个世纪末和本世纪初出现了一大批光照世界指挥史册的指挥大师,其中包括老一辈的伟大人物汉斯·冯·彪罗、理查·施特劳斯、克列姆佩勒、富尔特文格勒、克纳佩茨布什和约胡姆,在一大批中年人物中,也有着像桑德林、腾斯泰特和卡尔·里希特这样一些出色之辈。因此,德国的指挥艺术在世界上的确是值得骄做的。然而在以上所列出的大师中间,真正具有纯正的德奥风味及特点的人却仅局限在各别人身上,因为这些指挥大师们各自的经历、性格和爱好都有着很大的差别,故此都代表着带有明显倾向的个人风格,从这方面来说,约胡姆自然也是不会例外的,但他却是一位真正具有纯正德奥风格和深逢的精神内涵的指挥大师。

2尤金·约胡姆编辑

他的父亲是一个优秀的管风琴家,还是当地的一个合唱团的团长。约胡姆兄弟几个都从小学习音乐,后来,除了他成为世界著名的指挥大师以外,他的哥哥奥托·约胡姆也成了一位具有世界影响的作曲家,而他的弟弟乔治·路德维希·约胡姆则当上了杜伊斯堡音乐学院的院长,并且也是一位很有成就的指挥家。尤金·约胡姆早年曾在奥格斯堡音乐学院中学习钢琴、管风琴和指挥,后又转到著名的慕尼黑音乐学院中学习作曲和指挥。 1926 年,约胡姆作为指挥家首次登台,指挥慕尼黑爱乐乐团举行了一场有意义的音乐会,这一年,他虽然仅有24 岁,但却在音乐会上出色地指挥了难度很大的布鲁克纳《第七交响曲》,使当时的听众和舆论界都感到了极大的惊讶。从这以后,约胡姆便慢慢成为欧洲指挥界中崭露头角的人物,首先,他在全国的各个乐团和歌剧院中频繁地担任指挥,然后又逐渐地将艺术的触角伸到了国外,从1927 年到1929 年,他一直在基尔剧院中担任艺术指导和常任指挥,1930 年,他又被杜伊斯堡歌剧院聘为指挥。1932 年至1934 年间,他担任了柏林广播乐团和国家歌剧院的指挥。1934 年以后又转任汉堡爱乐乐团和汉堡国立歌剧院的指挥。1949 年,约胡姆组织创建了巴伐利亚广播交响乐团,并亲自担任了这个乐团的音乐指导和常任指挥,1959 年,任期满十年的约胡姆离开了这个与他朝夕共处的乐团,开始了他在世界范围内的指挥活动。1961 年,59 岁的约胡姆走马上任,成了荷兰阿姆斯特丹音乐厅管弦乐团的常任指挥,干了四年以后,他又回国转任了班贝克交响乐团的常任指挥,但在这一段相当长的时间里,他始终是英国伦敦爱乐乐团和伦敦交响乐团的客席指挥,经常往来于德国和英国之间,并在那里指挥定期的音乐会,为此,伦敦交响乐团还在1975年将“桂冠指挥家”的称号授予了他。

3评价编辑

1949 年,约胡姆在自己的家乡创立了这个乐团,当时它与英国的许多老牌优秀乐团相比,无论从哪方面看都显得是那样的年轻和缺乏经验,然而约胡姆却以其刻苦而持久的创业精神和伟人般的天才能力,在短短的十年内,就把这个崭新的乐团训练成了具有世界一流水平的著名乐团,这个事例,的确不能不说是约胡姆杰出的指挥生涯中的一项最重大的功绩,他不但以自己的才能为家乡音乐事业的发展做出了贡献,而且也为德国和世界交响乐事业的壮大做出了贡献。

4其他编辑

在本世纪早期的德国指挥家当中,约胡姆是一个很有特色的人物,从指挥风格上来看,他是一个德奥味道十分纯正的大师,纵观他的指挥生涯,也主要是以德国乐团为其指挥对象的,因此,他的指挥特点可以说是德奥体系中最德国化的一种,他与富尔特文格勒相比,缺乏的是那种由于强烈的情感因素而导致的主观即兴发挥,而与长尔·伯姆相比,也没有那种维也纳流派中的典雅、端庄和秀丽的风格,然而他却具有着德国风格中所特有的丰厚,沉重和深邃的特点,虽然有时听起来略显古板,但却恰恰从这种古板中体现了德国风格中的冷静、理智和逻辑清晰的特点。

5约胡姆是一位修养深刻的指挥家编辑

对于德奥历代大作曲家们,如巴赫、贝多芬、瓦格纳、勃拉姆斯和布鲁克纳等人,他在演释其作品时,总能够恰到好处地揭示出作品中深刻的思想和精神内涵,明快而完整地体现出作品的整体构思和突出意义,因此,他的演释,往往给人带来一种注重理性和朴实无华的印象。
约胡姆并不是一位指挥曲目广泛的指挥家,一般来说,无论是指挥歌剧、交响乐还是室内乐,他都以德奥作品为主。在所有这一类作曲家中,他尤以指挥布鲁克纳的作品最为著名,其实,从他在24 岁时首次登台指挥布鲁克纳的《第七交响曲》时开始,就已经意味着他作为“国际布鲁克纳专家”而出名了,以后,他在其成绩斐然的指挥生涯当中,始终将这位作曲大师奉为自己的偶像,他曾在世界范围内广泛地宣传和介绍布鲁克纳的作品,并首次指挥乐队将布鲁克纳的全部交响曲录制成唱片,由于在这方面成绩突出的原故,他曾担任了国际布鲁克纳协会的德语区主席,成为世界上最具权威性的布鲁克纳专家。
约胡姆另外最擅长指挥的作品便是巴赫、贝多芬、勃拉姆斯和瓦格纳的作品,对于贝多芬的交响曲,他的演释非常独特和令人信服,他指挥的效果即不像托斯卡尼尼那样火热和富有激情,也不同于卡拉扬那样宏大和厚重,而是一种较为适中和清晰的、很有分寸感的演释,尤其是对于贝多芬的早期交响曲(如第一和第二交响曲),他的演释很能使人感到一种特殊的价值。
和许多指挥大师一样,约胡姆也是一位既善于指挥交响乐,又善于指挥歌剧的指挥大师,在这方面,他的天才同样是光彩夺目的,他曾在自己的一生中游历了许多世界著名的歌剧院,指挥过很多以德国歌剧为主的重大歌剧演出,也曾录制过像瓦格纳的《纽伦堡的名歌手》这样的歌剧的唱片。

6价值编辑

约胡姆曾在自己指挥艺术最为成熟的时期里,广泛地参加了世界性的众多音乐活动,大约从50 年代以后,他便经常活跃在国际音乐舞台上,他曾在许多著名的音乐节中担任指挥,也曾访问过美国和加拿大等美洲国家以及日本这样的亚洲国家,并和这些国家中的著名乐团一起举行了很多出色的音乐会。此外,他与伦敦爱乐乐团之间保持了多年良好的合作关系,作为客席指挥,他与这个乐团合作录制了很多极有价值的唱片。

7约胡姆的风格编辑

纯正,修养深邃的老指挥大师,这己是如今人们所一致公认的评价,他的朴实、端正和深奥的艺术风格,的确是一种具有持久生命力的艺术风格,当今天人们已经厌恶了那种靠一时激情和哗众取宠来取悦听众的浮浅风格后,反过来再回顾和领略一下约胡姆那货真价实的艺术风格,便更加觉得它是那样的精致、珍贵和具有永久意义了。
1987,约胡姆卒于慕尼黑。

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2014-06-17    14:31
列奥波尔德·斯托科夫斯基 - [音影]
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列奥波尔德·斯托科夫斯基(Leopold Stokowsky,1882-1977),美籍英国指挥家。生于伦敦。父为波兰人,母为爱尔兰人。学于牛津大学女王学院及伦敦皇家音乐学院。后又去巴黎及慕尼黑深造。1905年去美国,曾在教堂任管风琴手兼合唱指挥。1908年在辛辛那提交响乐团任音乐指导。1912年,应聘为费城交响乐团任音乐指挥,将该团训练成为以音响绚烂华丽、效果丰富多彩而著称的乐队。组织过全美青年交响乐团、纽约市交响乐团和美国交响乐团。他从1917年开始录制唱片,1929年开始作广播演出,后来又在电影里演出,并作有巴赫、德彪西等作品的乐队改编曲。1940年担任迪斯尼的《幻想曲》 (Fantasia)音乐指挥及演员,该片将音乐和动画结合在一起。 
  

为了掌握录音技巧,还专门到柏林去学习。1973年回到伦敦,九十岁的他还在继续从事唱片录音。 斯托科夫斯基的指挥风格豪华壮丽,对比强烈,充分发挥了乐队的表现力。他是一位不拘一格、勇于革新的指挥家。他在费城交响乐团任职期间,曾提出过一系列改进措施,对乐队的排列进行了多次试验,最后打破了传统乐队的排列方法,把全部小提琴手都排列在右边。直到今天,有许多乐队还沿用他那独特的排列方法。他指挥时特别强调指挥者与演奏者之间的内心交流。他认为如果没有内心交流,指挥者就只不过是一个击拍者而已。他对新鲜事物很敏感,他向美国人民介绍了许多现代作曲家的作品。他不仅是美国指挥艺术发展史上的伟人,而且在世界指挥艺术史上同样占有重要地位。撰有《我们大家的音乐》一书。[1]

列奥波尔德·斯托科夫斯基 - 艺术风格

美籍英国指挥家。在牛津大学皇后学院毕业后,入伦敦音乐学院。1905年去美国,曾在教堂任管风琴手兼合唱指挥。1908年在辛辛那提交响乐团任音乐指导。1912年,应聘为费城交响乐团任音乐指挥,将该团训练成为以音响

绚烂华丽、效果丰富多采而著称的乐队。组织过全美青年交响乐团、纽约市交响乐团和美国交响乐团。他从1917年开始录制唱片,1929年开始作广播演出,后来又在电影里演出,并作有巴赫德彪西等作品的乐队改编曲。为了掌握录音技巧,还专门到柏林去学习。1973年回到伦敦,九十岁的他还在继续从事唱片录音。

斯托科夫斯基的指挥风格豪华壮丽,对比强烈,充分发挥了乐队的表现力。他是一位不拘一格、勇于革新的指挥家。他在费城交响乐团任职期间,曾提出过一系列改进措施,对乐队的排列进行了多次试验,最后打破了传统乐队的排列方法,把全部小提琴手都排列在右边。直到今天,有许多乐队还沿用他那独特的排列方法。他指挥时特别强调指挥者与演奏者之间的内心交流。他认为如果没有内心交流,指挥者就只不过是一个击拍者而已。他对新鲜事物很敏感,他向美国人民介绍了许多现代作曲家的。

1905年去美国,曾在教堂任管风琴手兼合唱指挥。1908年在辛辛那提交响乐团任音乐指导。1912年,应聘为费城交响乐团任音乐指挥,将该团训练成为以音响绚烂华丽、效果丰富多彩而著称的乐队。组织过全美青年交响乐团、纽约市交响乐团和美国交响乐团。他从1917年开始录制唱片,1929年开始作广播演出,后来又在电影里演出,并作有巴赫、德彪西等作品的乐队改编曲。1940年担任迪斯尼的《幻想曲》(Fantasia)音乐指挥及演员,该片将音乐和动画结合在一起。
  

为了掌握录音技巧,还专门到柏林去学习。1973年回到伦敦,九十岁的他还在继续从事唱片录音。斯托科夫斯基的指挥风格豪华壮丽,对比强烈,充分发挥了乐队的表现力。他是一位不拘一格、勇于革新的指挥家。他在费城交响乐团任职期间,曾提出过一系列改进措施,对乐队的排列进行了多次试验,最后打破了传统乐队的排列方法,把全部小提琴手都排列在右边。直到今天,有许多乐队还沿用他那独特的排列方法。他指挥时特别强调指挥者与演奏者之间的内心交流。他认为如果没有内心交流,指挥者就只不过是一个击拍者而已。他对新鲜事物很敏感,他向美国人民介绍了许多现代作曲家的作品。他不仅是美国指挥艺术发展史上的伟人,而且在世界指挥艺术史上同样占有重要地位。撰有《我们大家的音乐》一书。

列奥波尔德·斯托科夫斯基(Leopold Stokowsky,1882- 
列奥波尔德·斯托科夫斯基

列奥波尔德·斯托科夫斯基

1977),美籍英国指挥家。生于伦敦。父为波兰人,母为爱尔兰人。学于牛津大学女王学院及伦敦皇家音乐学院。后又去巴黎慕尼黑深造。1905年去美国,曾在教堂任管风琴手兼合唱指挥。1908年在辛辛那提交响乐团任音乐指导。1912年,应聘为费城交响乐团任音乐指挥,将该团训练成为以音响绚烂华丽、效果丰富多彩而著称的乐队。组织过全美青年交响乐团、纽约市交响乐团和美国交响乐团。他从1917年开始录制唱片,1929年开始作广播演出,后来又在电影里演出,并作有巴赫德彪西等作品的乐队改编曲。1940年担任迪斯尼的《幻想曲》(Fantasia)音乐指挥及演员,该片将音乐和动画结合在一起。

1艺术风格编辑

美籍英国指挥家。在牛津大学皇后学院毕业后,入伦敦音乐学院。1905年去美国,曾在教堂任管风琴手兼合唱指挥。1908年在辛辛那提交响乐团任音乐指导。1912年,应聘为费城交响乐团任音乐指挥,将该团训练成为以音响绚烂华丽、效果丰富多彩而著称的乐队。组织过全美青年交响乐团、纽约市交响乐团和美国交响乐团。他从1917年开始录制唱片,1929年开始作广播演出,后来又在电影里演出,并作有巴赫德彪西等作品的乐队改编曲。为了掌握录音技巧,还专门到柏林去学习。1973年回到伦敦,九十岁的他还在继续从事唱片录音。 斯托科夫斯基的指挥风格豪华壮丽,对比强烈,充分发挥了乐队的表现力。他是一位不拘一格、勇于革新的指挥家。他在费城交响乐团任职期间,曾提出过一系列改进措施,对乐队的排列进行了多次试验,最后打破了传统乐队的排列方法,把全部小提琴手都排列在右边。直到今天,有许多乐队还
列奥波尔德·斯托科夫斯基

列奥波尔德·斯托科夫斯基

沿用他那独特的排列方法。他指挥时特别强调指挥者与演奏者之间的内心交流。他认为如果没有内心交流,指挥者就只不过是一个击拍者而已。他对新鲜事物很敏感,他向美国人民介绍了许多现代作曲家的。

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