图谋不轨

比你的梦更属于你自己的东西是没有的。尼采

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2014-06-17    16:18
巴克豪斯 - [音影]
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Wilhelm Backhaus 威廉·巴克豪斯,德国钢琴家。1884年3月2日出生于莱比锡一个商人家庭。6岁入莱比锡音乐学院,师从院长雷肯多夫。15岁毕业后至法兰克福,随李斯特的学生、钢琴家达尔贝特,深入学习贝多芬的作品。不久在伦敦登台演出,获得成功。次年回莱比锡,在指挥家尼基什指挥下与布业大厦乐团合作演出,再次轰动。从此开始了70年的演奏生涯。他最后的独奏音乐会是1969年6月28日,7天之后因为心脏病在奥地利的Villach去世。之后,他被埋葬在科隆。

Wilhelm Backhaus 威廉·巴克豪斯,1884年3月26日-1969年7月5日
简介: 1903年与指挥汉斯·里希特合作演出勃拉姆斯第二钢琴协奏曲。1905年受聘为英国曼彻斯特皇家音乐学院钢琴教授,同年在巴黎击败巴托克,荣获鲁宾斯坦钢琴演奏奖。不久为专心从事演奏辞去教职,成为职业钢琴演奏家,足迹遍及欧美与澳洲,前后举行了4000多场演奏会。1912年赴美国演奏。1933年移居瑞士,1946年加入瑞士籍。1969年6月在奥地利参加“卡伦登之夏”音乐节,在最后一场音乐会中途心脏病发作,7月5在奥地利的菲拉赫逝世。 巴克豪斯是20世纪初伟大的演奏家之一,他继承了德奥的正统演奏血统,对巴赫莫扎特贝多芬勃拉姆斯等人的作品有精到的演绎。他的演奏风格气魄宏大,遒劲有力,曾有“键盘狮王”之誉。 威廉.巴克豪斯的肖邦第一叙事曲和第一奏鸣曲同样十分出名,尤为气势磅礴!同时他年轻时录制的肖邦练习曲展现了他极佳的技术。
巴克豪斯(Wilhelm Backhaus 1884.03.16-1969.07.05)出生在德国的莱比锡。他的妈妈是业余钢琴家。巴克豪斯小时候就是跟他的妈妈学琴。1891年他开始跟随莱比锡音乐学院的钢琴教授Aloys Leckendorf,一学就是九年。1898年开始,巴克豪斯开始到法兰克福和美茵学习,在那遇到了对他事业影响最大的老师——欧根·德尔贝。欧根·德尔贝是李斯特的学生,他演绎的贝多芬至今影响很大。
1900年,巴克豪斯开始登台演出。最早的时候是跟随由阿瑟·尼基什带领的莱比锡格万豪斯音乐厅乐团演出。他在全世界开始出名是1905年8月,巴克豪斯赢得了鲁宾斯坦钢琴比赛的冠军。当时作曲家巴托克也是参赛选手之一,他在听完巴克豪斯的演奏后感慨地说:“巴克豪斯的演奏确实漂亮。”
巴克豪斯纽约的首演是在1912年1月5日,当时他弹的是贝多芬的《皇帝协奏曲》,赢得了钢琴技巧名家的声誉。之后,他到南美、亚洲、欧洲巡回演出。
在二战之后,巴克豪斯定居瑞士的卢嘉诺(Lugano),外界都知道他是演奏贝多芬勃拉姆斯的超级大师。从那个时候起,“键盘上的雄狮”的昵称就跟随着他。他最后的独奏音乐会是1969年6月28日,7天之后因为心脏病在奥地利的Villach去世。之后,他被埋葬在科隆。

2成就荣誉编辑

他在1939年演奏的勃拉姆斯华尔兹,Op.39(EMI 66425)只用了13分钟;很难想象谁能跳出这种速度的华尔兹,当然它仍然十分招人喜欢。他在70年代的贝多芬钢琴奏鸣曲全集录音(Decca 433882)显示了一位七十岁老人惊人的技巧,同时期的两首勃拉姆斯钢琴协奏曲也是如此(Decca 433895)。而他在贝多芬现场录音(Orfeo 300921)中的表现更为出色,更自由也更富有生气。
他的室内乐录音包括与皮埃尔·富尼埃(Pierre Fournier)合作的勃拉姆斯大提琴奏鸣曲,与国际弦乐四重奏乐团(International Quartet),查尔斯·霍布德(Charles Hobday)合作的舒伯特“鳟鱼”五重奏。

3社会影响编辑

外界对巴克豪斯的私生活知之甚少,仅仅知道他烟抽得很凶。他得兴趣只在演奏上,特别是独奏。我没有听说过他喜欢演奏室内乐,留下的唱片也只有两首作品。他的教学生涯也很短,记忆中只有1905年在曼彻斯特皇家音乐学院当教授、1925-26年在美国的柯帝斯音乐学院之类的短期教学,他的课堂是极为严厉的,往往是无休止的巴赫的赋格。还有一战时期为军队的服务,他几乎是集中在舞台演奏和录音上。即使是在纳粹执政时期也没有停止演出,后来他还以纳粹临时战犯的身份为盟军演出。据说,他音乐会总的数量超过4,000场!就在巴克豪斯逝世前,Andor Foldes向巴克豪斯辞别:“多乾你最喜欢乾的事吧。”他说“最好的问候”是指巴克豪斯为他举行的欢迎“音乐会”。当时巴克豪斯已经85岁了!在与伯姆录制布拉姆斯的第二钢琴协奏曲时,伯姆对其他人说:“这家伙无论什么年纪弹布拉姆斯都那么好。”,结果大家都笑了。实际上,伯姆比巴克豪斯还年轻10岁,当时巴克豪斯是83岁,伯姆是73……

4人物评价编辑

评论家认为,巴克豪斯是第一批的现代派键盘演奏家(阿尔弗雷德·科尔托是他对立面的代表人物),他的演奏风格清楚、朴实、客观,在理性分析的同时也充满了感情。作为第一批留下录音的钢琴家,他在多年的舞台生涯和录音室中留下了伟大的遗产。他录下了贝多芬几乎全部的作品以及众多的莫扎特勃拉姆斯,他的在1928年录下了史上第一套肖邦练习曲全集;这个录音(Pearl 9902 和其他厂牌)至今仍被推崇为最佳版本之一。巴克豪斯的这些演奏平稳而轻松,气定神闲地克服了重重技巧上的难关。1953年的录音中包括了练习曲,Op.25,,从中可以听到他这些年风格在改变。他的技术能力仍在,而且更加自信和放松,让音乐自然地流淌出来。

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2014-06-17    16:17
肯普夫 - [音影]
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威廉·肯普夫(Wilhelm Kempff,1895—1991),德国著名钢琴家、管风琴家、作曲家;1895年11月25日出生于东普鲁士的于特博(Juterbog)一个音乐家庭,父亲是皇家音乐主管和波茨坦圣尼古拉教堂的管风琴师。

肯普夫从小由父亲启蒙学习钢琴,9岁进入柏林高等音乐学校,分别师从巴尔托与卡恩学习钢琴和作曲。后来还在柏林大学学哲学和音乐史。1916年在个人第一场演出中同时演奏钢琴管风琴。1917年以钢琴演奏与作曲得到柏林市颁发的门德尔松钢琴与作曲奖。
1918年首度与柏林爱乐乐团合作演出,二次大战前在世界各地演出,足迹遍及欧洲、南美与日本
战后1951年到伦敦演出,1964年至纽约演出;在演奏生涯最后几年里,他的曲目多以德国古典浪漫派作品为重心,被认为是当代德国钢琴家的代表人物,阐释贝多芬舒伯特舒曼勃拉姆斯钢琴作品的权威;独奏之外,肯普夫也参与室内乐演出,经常与梅纽因谢霖罗斯特罗波维奇等人合作。
此外还从事教学与创作,1931—1941年间,曾与费舍尔(Edwin Fischer)等人在波茨坦的暑期高级班里担任教授,战后还主持过贝多芬钢琴作品讲座,许多后辈杰出钢琴家都接受过他的指导,包括出色的钢琴家是内田光子;1991年5月23日,肯普夫以96岁高龄逝世于意大利波西塔诺(Positano)。

2演奏风格编辑

年轻时的肯普夫在技巧方面不是一流的钢琴家,触键时的运指不够灵活流畅,如果只以技巧来评价的话,当时德国第一流钢琴家应该是巴克豪斯,肯普夫也只能说是第二流而已。
年轻时的肯普夫,有倾向于某种意图及感情的表现。像他这样一位钢琴家,照一般常识来判断,应该是在年轻时即对技巧有高超的磨练,就这一层的意义来要求,肯普夫所演奏的贝多芬作品给人留下稍有瑕疵的不良感觉。
第二次世界大战中,他停止了一切公开演奏活动,很努力地从根本上来改正自己的弱点,50岁过后,才使钢琴技巧改善到理想状态,使之具有强劲的表现力。钢琴家演奏技巧因年龄的增加而衰退的例子俯拾皆是,但是像肯曾夫过了50岁后技巧仍日有精进的情形可以说是罕有的事例。
进入老境的肯普夫,更是把钢琴演奏当作日常起居生活的重要工作。他的音乐也更为致密,把心中的理念变换为音乐的形象,因而使他的精神主义艺术更加高贵。原先容易流为主观艺术的他,经过磨炼,终于获得了更正规的格调。
第二次大战结束后,肯普夫作为当代德国钢琴家的代表人物,受到人们的尊崇,成为贝多芬舒伯特以及舒曼勃拉姆斯钢琴作品的权威演奏家
肯普夫的演奏含蓄细腻,织体清晰,亲切高贵;音色如歌,分句
和速度自然而合理,丝毫没有矫柔造作、追求外在效果的倾向。
他录制了贝多芬舒伯特全部钢琴奏鸣曲和其他作曲家钢琴作品的唱片,并编辑出版了舒曼钢琴作品选集。
肯普夫也为贝多芬四首钢琴协奏曲莫扎特数首钢琴协奏曲重新编写装饰奏;和同辈钢琴家,如施纳贝尔、费舍兼具澎湃气势、诗意与趣味性的装饰奏相比,肯普夫的版本毫不逊色;布兰德尔就表示,从这些装饰奏时时可见肯普夫最高艺术的表现。
作为作曲家,他创作了歌剧、芭蕾舞剧、交响乐、室内乐钢琴管风琴的作品。

3唱片选粹编辑

DG 巴赫:众赞歌前奏曲等
DG 贝多芬:五首钢琴协奏曲(柏林爱乐乐团
DG 贝多芬奏鸣曲全集
DG 贝多芬:小提琴奏鸣曲全集
DG 贝多芬:鬼魂三重奏、大公三重奏
DG 舒伯特:最后五首奏鸣曲
DG 舒曼钢琴协奏曲、童年情景、狂欢节(巴伐利亚广播交响乐团

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2014-06-17    16:15
弗拉基米尔·霍洛维茨 - [音影]
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弗拉基米尔·霍洛维茨(Vladimir Horowitz,1903-1989),世界最负盛名的钢琴家之一,美籍俄罗斯人。很早就显露音乐天才,先后师从俄罗斯和德国的演奏大师,集俄罗斯学派与德国学派之大成。1924年到柏林、巴黎举行旅行演出,获很大成功。1928年赴美,一举成名。之后定居美国。曾停止演奏达十二年之久,1960年,在卡内基大厅举行重返舞台的独奏音乐会,轰动世界乐坛。

霍洛维茨的演奏技巧辉煌而潇洒,音乐更趋向深刻完美,表现手段丰富。有的乐评家认为,他的钢琴音色
弗拉基米尔·霍洛维茨

弗拉基米尔·霍洛维茨

如同七种基本颜色,可以调出各种不同的色调,从而表达各式各样的思想感情。另外,他的演奏能充分地表现出乐曲的内容,但又不是盲目地尊重原作。最难能可贵的是,他很像一位熟练的编辑,能把乐曲作者的“错别字、漏字”等失误加以订正,使作品达到完美无缺。他的演奏曲目相当广泛,尤以弹奏肖邦斯卡拉蒂以及舒曼李斯特斯克里亚宾等名家的作品见长。
霍洛维茨的音乐演奏极其富有鲜明的个性,他的音乐是如此的独特,以至于只要聆听过其演奏的人,以后就可以轻易地将他的音乐与其他众多的钢琴演奏家区分开来;而从未领略他琴音魅力的人,是很难凭借经验来臆测的。我只能从一些细节来讲述我所听到了他与众不同的特性。
霍洛维茨是古典浪漫派钢琴的最后一个巨人。很多人都会将“浪漫”同“柔美”等同。然而在霍洛维茨面前,他们才会发觉这个理解上的错误是多么的想当然。他的演奏会让你豁然明了:原来浪漫的本质是“激情”。霍洛维茨的激情与他的音乐浑然天成。这和很多钢琴演奏者用形体的夸张动作表现出的激动有着云泥之别。尤其是在大师的晚年,演奏时的动作幅度已经很小。你千万不要以为这是老人的迟缓,这时的霍洛维茨已经步入举重若轻,举轻如重的化境中去了。不要忘了,他在年轻的时候,经常在演出中弹断琴弦,调音师时常面对被他弹的几乎散了架的斯坦威钢琴无可奈何。
霍洛维茨的琴音是灵动剔透的,但是同时,他有着使他获得“雷神”称号的左手。霍洛维茨一生自始至终都在强调左手的重要性。他不仅不认为左手是演奏中的附属,甚至称呼左手是钢琴演奏中的指挥。音色上,他左手在低音部的独特击键让他演奏的音乐丰满而又极富冲击力,具有很强的音响性。
霍洛维茨有着一双柔软的手,他甚至可以在其他四个手指击键的同时,将小指完全弯曲收起来。如果你用慢镜头来观看他的演奏,十个手指的收展、轮动显现出的优美姿态,会让你联想到飞鸟展动的羽翼。这双天赋的手加上钢铁般有力的肘腕,将音乐中的柔与刚,宁静与激烈完美地结合在一起。
霍洛维茨采用了一种完全个人化的平行触键手型去演奏钢琴,同钢琴教科书上要求手心虚空,指尖触键不一样的是,他将手掌平铺在键盘上,用每个手指的指肚去触键,每一个音不是击打出来的,几乎是就是用手指去按出来的。独特的手法可以产生出异乎寻常的柔美音色。(相似的,阿劳古尔德的演奏手型都是比较平的。)为了追求音色的变化,霍洛维茨对手指接触琴键的部位也非常的考究。越是靠近琴键的根部触键,琴音越轻,音色越柔;越是接近琴键的末端触键,琴音越响,音色的弹跳性就越强。甚至有时在演奏延长音的过程中,他的手指会从琴键的一端滑向另外一端,以追求延长音音色的细微变化。在不同的琴键位置演奏,结合演奏时手指的力度和速度变化,使得霍洛维茨的钢琴音色像彩虹一样瑰丽多变,并且富有层次。霍洛维茨使用音色表现音乐的手段更加丰富。有的乐评家认为,他就如同一个画家,用七彩调制出不同的色调,从而表达各种各种的音乐情思。然而让霍洛维茨的琴声臻于完美之境地的,是他对钢琴踏板的绝妙使用。论对钢琴踏板的重视和理解之深,在20世纪的钢琴演奏家之中,霍洛维茨绝对是无人可比的大师。他一生中仅有的一部学术著作,就是关于钢琴踏板的使用。大师本人也讲过:作为一个钢琴演奏家,他的成就不在手上,而是在经常为人忽视的足底。
霍洛维茨的演奏技巧辉煌洒脱,很多演奏上难度艰深的作品,在他演奏起来都是那么的潇洒自在,像李斯特的《超技练习曲》、《拉赫马尼洛夫第三钢琴协奏曲》这样难度很大的作品,他的演奏都有一种攀险峰如履平川的轻松自如。让听者但觉音乐之动人而不虞其他。
霍洛维茨有着令人瞠目结舌的演奏技巧,他可以说是有录音以来最具备完美技巧的钢琴大师。对他来说,钢琴演奏似乎就不存在“技术上的难度”。如果你看过大师在1968年卡内基音乐厅演奏《卡门主题变奏曲》的情景,你会被他在键盘上电光火石般的神奇演奏惊得目瞪口呆。这部作品(《VARIATIONS ON A THEME FROM BIIET’S CARMEN》)是大师为自己创作的一部极具演奏难度的炫技作品。霍洛维茨在弹奏这部作品时,已然将钢琴演奏变化成为一种高度激烈的竞技运动:此起彼伏的大跨度跳跃击键,密如骤雨的琶音,左手与右手你追我赶的对抗。这时的大师已经完全成为一个键盘上的魔术师,给予欣赏者带来的是一个惊叹又一个惊叹。这部变奏曲的难度之大,以至于很少有钢琴家愿意去触碰。只有多年以后,才由天才钢琴少年ARCADI VOLODOS才在他的同名钢琴专辑唱片中尝试演奏。
但是霍洛维茨不只是一个技术唯上的钢琴演奏家。如果那样,霍洛维茨也不能成其为霍洛维茨了。他认为演奏者都应当用发自内心的感情去诠释作品。大师说:“一个演奏者应当是作品的再创者,(一个完美的演奏家)应当具备三个条件:训练有素、充满想象力的大脑,一颗自由慷慨的心和对乐器自如的控制能力。没有几个音乐家能够和谐地具备以上三个素质。这是一种很高的艺术境地,也是我毕生为之努力的目标。”
1936年,霍洛维茨以健康不佳为理由,首次离开舞台,宣布退隐,大师时年只有32岁。在退隐的宁静生活里,他专注于对音乐的思索和探寻。三年后复出。霍洛维茨已经由一个火爆的技术演奏家变成一个自省的成熟艺术家了。在以后的岁月里,大师又出于同一目的,分别于1953年、1970年二次退隐,最长一次隐退的时间达12年之久。每一次的退隐生活都使霍洛维茨在音乐上获得质的突破。正是凭借这样一种淡泊名利的勇气、对音乐从不懈怡的执着追求,使得大师最终步入完美。
身为一个钢琴家,霍洛维茨首先是个渊博的音乐家。他曾公开宣称最大的理想是成为一个作曲家。尽管除了上文提及的《卡门主题变奏曲》以外,大师鲜有自己的作品问世。但是作为安东·鲁宾斯坦的传承者和伟大指挥家托斯卡尼尼的快婿,霍洛维茨有着同侪难以比拟的综合音乐素养。霍洛维茨对很多音乐作品都有着自己独到的理解,他的演奏能够充分地展现出作品的神韵,而又不是盲目的恪守原作。难能可贵的是,他如同一位高明的编辑,能敏锐地发现作品中的瑕疵并加以修正,使作品变得完美无缺。霍洛维茨演奏的斯卡拉蒂的奏鸣曲,有着脱离尘俗的超然气质。没有霍洛维茨的演奏,这些动人作品不知道还要在乐谱架上沉睡多久。他演奏的克莱门蒂的作品一气呵成,极富戏剧性的音乐表情。奏演肖邦作品钢琴音色纤细优美,充份体现了肖邦文静沉思的诗人气质。
霍洛维茨晚年弹奏的舒曼《童年即景》(KINDERSZEN OP.15)是极受欢迎的演奏版本。他将这些分解和弦上的简单旋律弹的极富浓郁的怀旧气息,这种怀旧的色彩,正是一个老者对童年美好时光的追忆。在聆听的过程中,我们总会不由得忘形于音乐,让思绪翱翔于时空之外。1987年5月大师在维也纳演奏这部作品时,钢琴弱音的处理真是美妙地不可思议。
在同其他钢琴演奏家的比对中,越发能够体会到霍洛维茨在演奏时,对作品精神本质主动性的创造再现。霍洛维茨在弹奏莫扎特土耳其进行曲》(SONATA NO.11,K331. 3RD MOVEMENT)时充分表现了对音乐内在节奏的控制力。他在1966年卡内基音乐厅的演奏版本,曲长四分零七秒,比布伦德尔此曲的演奏版本足足长了三分之一以上,但是与布伦德尔急冲冲的、行军式的弹奏相比起来,霍洛维茨弹地从容、流畅、紧凑,跳动的活泼节奏带有法国宫廷舞曲的优雅。
霍洛维茨的音乐是一种个性化的音乐。他天性具有浪漫的激情。他总是能在一部作品中攫取到最符合他性情的东西,并将之发扬光大。而往往正是这一部分闪烁的灵光,使他的听众如痴如醉。同霍洛维茨张扬性情的演奏相比,李赫特所谓精准和坚硬的弹奏变得是多么的僵硬和刻板。霍洛维茨在演奏时,经常会有一些意想不到的神来之笔。听众们喜爱这些美妙的创造,但是他经常不被乐评界理解。在20世纪的古典音乐大师中间,他可能是受到诘难最多的钢琴家了。他大量精彩的演奏没有被保守的古典音乐专家们认可。然而,霍洛维茨有两部音乐作品的诠释,是无可争议的经典之作:拉赫马尼洛夫第三钢琴协奏曲和柴可夫斯基第一钢琴协奏曲。
拉赫马尼洛夫第三钢琴协奏曲(Concerto No.3 in D Minor,Op.30),是音乐史上最伟大的钢琴作品之一。在霍洛维茨指下的拉赫马尼洛夫第三钢琴协奏曲,流淌出的既有千里冰川,漫漫林莽的壮丽;又有溪流蜿蜒,百花初绽的秀美。琴声中饱含着他对故乡的挚爱,也弥漫着去国难返的悲伤。第一乐章开始不久,钢琴沉稳引入的那几个小节,分明是大师低低的呢喃:“啊,这是我的祖国。”
与作曲家相同的文化背景和流亡经历,使得霍洛维茨对这部作品有着旁人难以企及的领悟;他凭借高超的演奏能力,游刃有余地演奏这部令多数演奏者望而却步的作品,特别是大师对节奏的把握,让整部作品从容展开,分外动人。同样身为伟大钢琴演奏家的作者拉赫马尼洛夫,在听过他的演奏后,也由衷地称赞霍洛维茨的拉赫马尼洛夫第三钢琴协奏曲是最完美的。
每次聆听霍洛维茨演奏的这部作品,都会不由得感叹:只有在这样一个幅员广阔、风光多姿的国度,才有可能诞生这种时而厚重、时而轻灵;时而雄壮、时而隽永;时而激越、时而舒缓的动人乐章来。尤其是乐曲中波澜壮阔的宏伟气魄,是其他出生于欧洲的音乐家无法具备的。即便是最具力量的贝多芬,他的气势也只是个人同命运的抗争。霍洛维茨演奏拉赫马尼洛夫第三钢琴协奏曲时所展现出来雄浑的气魄,正是俄国这样一个庞大国家底蕴的真实体现。
霍洛维茨一生中多次公开演奏这部作品,并先后同艾贝尔·科茨(ALBERT COATES)、莱纳奥曼迪等指挥大师合作灌录唱片。其中最著名的,要算大师同奥曼迪指挥的纽约交响乐团在卡内基音乐厅演出的现场录音了,即便是这个录音,唱片公司也出过多个版本。音响效果最佳的,要数这张HP版的CD唱片。
柴可夫斯基降B小调第一钢琴协奏曲》(Piano Concerto No.1 in B-Flat Minor,Op.23)是霍洛维茨成名之作。他对此曲令人震惊的演奏让他在20几岁就在世界乐坛获得了极大的声誉。霍洛维茨的演奏气势磅礴、辉煌壮丽,有着极强的感染力和震撼性。这支曲目让大师可以充分地展示其坚强有力的击键。他在公演柴可夫斯基第一钢琴协奏曲过程中,曾有过数次击断琴弦的记录。1928年霍洛维茨首次在美国公演此曲,由于他在键盘上弹出的惊人音响,让当时乐队的指挥感到难以置信,一再要求看查他的手掌,好知道这手掌上是否具有神奇的魔力。
我听过多个钢琴家演奏柴可夫斯基第一钢琴协奏曲的录音,每一个演奏都有各自的特点:阿格里奇的抒情,里赫特的精准,鲁宾斯坦的灵动,克莱本音色精美。但是没有人能够在演奏这部协奏曲时,达到像霍洛维茨那样气度恢宏,使人激动不己。霍洛维茨意气风发,风驰电掣的演奏有着横扫一切的凌厉气势,听起来十分地酣畅过瘾。
遗憾的是大师在中年以后就很少再弹奏这部作品,以至他演奏柴可夫斯基第一钢琴协奏曲的录音都比较早。较为著名的有41年在录音室的录音和43年在卡内基音乐厅的现场录音。两次霍洛维茨都是和岳父托斯卡尼尼指挥下的国家广播公司交响乐团(NBC乐团)合作。尽管是单声道的录音,我们还是可以从中听出大师在第一乐章序曲中惊心动魄的演奏力度,在复三部曲式的第二乐章中清新、恬静的音色表达,以及在奏鸣回旋曲式的第三乐章里充溢的节日般快乐。托斯卡尼尼指挥的乐队也表现出了巨大的热情,与霍洛维茨弹奏的钢琴部分起伏对抗、相得益彰。
特别要提及的是大师弹奏的肖邦《即兴幻想曲》(Fantaisie-Impromptu,Op.66)。这首我最喜爱的肖邦钢琴作品,霍洛维茨的演奏是最令人感怀不已的。乐曲开始的一段细碎叮咚的快速音符,仿佛少年无忧无虑的嬉戏笑声;中间优美的主题部分以变奏的形式反复出现,大师在这里将音色控制的美妙绝伦,似乎在回忆着甜蜜青涩的爱情;紧接着开始部分的旋律又再响起,然而已没有了最初的无忧无虑,一股不安的情绪在酝酿堆积,这一份躁动的力量最终以一串珠落玉盘般的响亮音符达到顶点,这时大师著名的左手低音沉稳响起,在一段晨钟暮鼓般的低沉琴声中结束全曲。
每次倾听霍洛维茨演奏的这首乐曲,就如同听大师追述整个人生。巧合的是:大师在最后一次录音中演奏了这首《即兴幻想曲》。似乎他冥冥中感受到了什么。
1989年,霍洛维茨带着他可谓空前绝后的音乐演奏天赋,在纽约的家中安然逝去。古典浪漫主义音乐的最后一丝气息在现实中永久的消散了。从那时起,钢琴的黄金时代结束了。

2唱片选粹编辑

RCA 7992-2-RG
贝多芬:第五钢琴协奏曲/柴柯夫斯基:第一钢琴协奏曲(NBC交响乐团)
RCA GK 85272
拉赫玛尼诺夫:第三钢琴协奏曲(RCA交响乐团/莱纳
CBS MK 42410
斯卡拉第:奏鸣曲集
CBS MYK 42534
舒曼:童年情景、托卡塔、
CBS M3K 44681
舒曼:C大调幻想曲等
DG 419 217-2
舒曼:克莱斯勒偶记
DG 419 045-2
“霍洛维茨--最后的浪漫”

3大事记编辑

1903 年10月1日出生于基辅的别尔季切夫( Berdichev, Kyiv )一个富有的电气技师家庭。 5 岁从母亲学习钢琴,
弗拉基米尔·霍洛维茨

弗拉基米尔·霍洛维茨

1912 年进入基辅音乐学院,师从塔尔诺夫斯基( Sergei Tarnovsky )和布卢门菲尔德( Felix Blumenfeld )学习钢琴。 1919 年毕业。此后在波兰哈尔科夫首次登台演奏,开始演出生涯。
1924 年到柏林、巴黎举行旅行演出,获得成功。
1928 年赴美,由比彻姆指挥纽约爱乐乐团,演奏柴可夫斯基第一钢琴协奏曲,受到热烈欢迎。
1933 年开始与托斯卡尼尼合作贝多芬的钢琴协奏曲,获得了世界性的声誉。不久与托斯卡尼尼的女儿结婚, 1940 年定居美国, 1944 年加入美国籍。
他曾多次从舞台退隐, 1953-1965 年,他以神经系统受损害为由,隐居 12 年,潜心研究克莱门蒂的作品。
1965 年重返舞台,在卡内基大厅举行独奏音乐会,轰动乐坛。 4 年后再度退隐, 1974 年再度出山。
1980 年代曾重返苏联,在莫斯科举行独奏音乐会。
1989 年11月5日因心脏病发作逝世于纽约家中,葬于米兰的托斯卡尼尼家族墓地。

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2014-06-17    16:14
波利尼 - [音影]
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意大利钢琴家。1942年1月5日生于米兰。9岁首次登台演出。1959年毕业于米兰音乐学院。1957年获日内瓦国际钢琴比赛二等奖,1960年获肖邦国际钢琴比赛第一名。后从A.B.米凯兰杰利深造。1974年在纪念A.勋伯格诞生100周年音乐会上演奏了勋伯格的全部钢琴作品,获好评。他还以演奏C.C.普罗科菲耶夫、B.巴托克、P.布莱兹和L.诺诺的作品著名。他的演奏爽朗、有气魄,逻辑性和整体性强,音色明亮,富有戏剧性。录有大量唱片。

 

毛里奇奥·波利尼Maurizio Pollini(1942年~ )
如果要评选当今国际乐坛10位最伟大的钢琴家,毛里奇奥·波利尼(Maurizio Pollini)一定榜上有名。波利尼1942年出生在米兰。父亲是意大利著名建筑师,也是一位音乐素养颇高的出色小提琴手;母亲是一位业余歌唱家。
波利尼5岁起跟随卡罗·罗纳蒂学习钢琴,9岁在米兰举行了第一场个人独奏音乐会,被誉为音乐神童。进入米兰音乐学院之后,拜著名教授卡罗·维德索为师。波利尼1957年
在米兰举办的一场音乐会上演奏肖邦的练习曲,引起关注。翌年,15岁的波利尼参加日内瓦国际钢琴比赛,获得了第二名,当年第一名空缺。1959年波利尼以优异的成绩毕业,1960年参加了第六届肖邦国际钢琴大赛,在参赛的89名选手中,波利尼年龄最小。面对高手云集的肖邦大赛,波利尼以其出类拔萃的演奏荣获第一名。对此,比赛评委主席——钢琴大师阿图尔·鲁宾斯坦无比感慨地说道:“如果论技术,真不知我们在座的评委中有谁能弹得比他还好。”
波利尼

波利尼

波利尼籍此声名鹊起,世界各地的邀约纷至沓来,获奖同一年,他开始在欧美各国巡演。巡演中结识了一些世界著名的音乐大师,如卡尔·伯姆卡拉扬科林·戴维斯等,在与意大利指挥家克劳迪奥·阿巴多的合作中,阿巴多对他的演奏进行了深入的分析,使其受益匪浅。随即波利尼决定要淡出舞台、潜心苦练——退隐8年,多方求教,并拜在著名钢琴大师米凯朗基利门下重新学习手指触键等技法。
重返舞台的波利尼,演奏技艺达到了一个更高的层次,演奏曲目大大拓宽。1968年在伦敦伊丽莎白音乐演奏肖邦《24首前奏曲》轰动英国,大有中国武侠重出江湖、扫平天下之势。《经济时报》评论家说:“这是我平生听到的最伟大的演出。波利尼在隐退8年的刻苦训练中,技巧已炉火纯青。他的音乐不再是一面体现个性的镜子,而是一把能击中人心的利剑。”波利尼从此跻身于国际顶尖钢琴演奏家的行列之中。2006年参加第九届北京国际音乐节是他首度来华。
波利尼演奏曲目广泛而多样,演奏风格清晰明快,具有丰富的色彩变化和深厚的音乐涵养。从巴洛克、古典乐派、浪漫乐派,直到近现代作品均有涉猎,演奏贝多芬肖邦、李斯特、普罗科菲耶夫斯特拉文斯基巴托克贝尔格、曼佐尼等作曲家的作品都深受好评。波利尼天生一双大手,微微张开就可以轻松地覆盖键盘上的八度音程,有人戏称“波利尼有11根手指”。
与很多当代钢琴大师一样,波利尼也是一位既弹琴又指挥的“双料音乐家”,自1978年首次指挥斯图加特广播交响乐团演出后,成功指挥过多场音乐会和歌剧的演出。波利尼还录制了大量的唱片,最经典的是肖邦《夜曲》全集,据说在波利尼之前,还没有一位意大利钢琴家演奏过肖邦《夜曲》全集。波利尼被誉为是演绎肖邦音乐的权威。不仅如此,波利尼也擅长演奏幅度、力度较强的作品,波利尼在演奏中总是在竭力追求音乐的最完美呈现。

2唱片选粹编辑

DG 415 371-2巴托克:第一、二钢琴协奏曲(芝加哥交响乐团/阿巴多
DG 439 770-2贝多芬:五首钢琴协奏曲(柏林爱乐乐团/阿巴多
DG 431 596-2 布拉姆斯:第二钢琴协奏曲(维也纳爱乐乐团/阿巴多
EMI CDM 7 64354 2肖邦:第一钢琴协奏曲(爱乐乐团/克雷茨基)DG 413 794-2 肖邦:练习曲
DG 427 322-2 李斯特:b小调奏鸣曲
DG 413 793-2莫扎特:第十九、二十三钢琴协奏曲(维也纳爱乐乐团
DG 423 249-2 勋伯格:钢琴作品集
DG 447 451-2舒伯特:流浪者幻想曲/舒曼:C大调幻想曲

3来华演出编辑

主题:波利尼钢琴独奏音乐会
地点:保利剧院
时间:2006年10月4日
曲目:
勋伯格:
3首钢琴练习曲,作品11号
6首钢琴小品,作品19号
贝多芬: F小调第23(热情)奏鸣曲,作品57号
李斯特: 小品集,B小调奏鸣曲
主题:波利尼钢琴独奏音乐会
地点:国家大剧院
时间:2009年4月24日
曲目:
1. 升C小调前奏曲,作品45号
2. F大调叙事曲,作品38号
3. 降b小调第二钢琴奏鸣曲,作品38号
4. b小调第一谐谑曲,作品20号
5. 四首玛祖卡,作品33号
波利尼在演奏中

波利尼在演奏中

6. 摇篮曲,作品57号
7. 降A大调“英雄”波兰舞曲,作品53号
肖邦诞辰200周年波利尼钢琴独奏音乐会
地点:国家大剧院
时间:2010年10月3日
曲目:肖邦:24首前奏曲,作品28号
德彪西:练习曲第二卷
布列兹:奏鸣曲第二号
音乐会
地点:国家大剧院
时间:2012年10月17日
曲目:贝多芬:第21钢琴奏鸣曲(华尔斯坦),作品53号
第22钢琴奏鸣曲,作品54号
第23钢琴奏鸣曲(热情),作品57号

4获得荣誉编辑

1996年获得西门子音乐奖,2001年波利尼录制的贝多芬《狄亚贝里变奏曲》获得了金音叉奖(Diapason d'or),2007年录制的萧邦夜曲集获得格莱美最佳器乐独奏奖(不带管弦乐队),2010年获得日本艺术协会颁发的世界文化奖(Praemium Imperiale),2011年波利尼荣登著名英国古典音乐杂志《留声机》名人堂。

5音乐生涯编辑

1960年,年仅18岁的波利尼在肖邦国际钢琴大赛上一举夺魁,当时的评委会主席阿图尔·鲁宾斯坦说,“这个孩子弹琴比我们评委中的任何人都好。”此后的50年里,波利尼的钢琴之路走得顺风顺水。他除了以肖邦冠军的身份理所当然地成为了肖邦专家之外,其曲目范围还广涉到了从巴洛克到现代派的方方面面,特别是前两次来华演出时都将现代音乐列入了曲目单。10月17日,波利尼再次来到国家大剧院,这次他选择演奏四首贝多芬的钢琴奏鸣曲。
然而音乐会从一开始就让人捏了一把汗。波利尼演奏的第22号奏鸣曲,音色飘忽不定,与他以往清晰呈颗粒性的音色大相径庭。过去他在人们的印象中对技术层面的极度自信此刻已经荡然无存了,即使与前两年的表现相比都判若两人。这不禁让人联想起他今年年初的那次生病,当时他宣布取消未来几个月之内的所有演出,甚至网上“波利尼逝世”的假消息都一度甚嚣尘上,尽管最终被证实是谣言,但毋庸置疑的是那次生病对大师的钢琴演奏造成了巨大的影响,而这影响在当晚的演奏中被很明显地体现出来。
波利尼

波利尼[1]

尽管相对于小提琴家来说,钢琴家的技术巅峰可以保持得更久,但古稀之年且遭受疾病打击之下,即使像波利尼这样技术功底极其深厚的演奏大师也难以重现昔日的辉煌。好在此后波利尼的手指状态逐渐恢复,演奏“华尔斯坦”时就已经有了明显好转,而到当晚放在节目单最后的重头戏“热情”奏鸣曲则彻底让人听到了波利尼的回归。尽管瑕疵依旧存在,但已经控制在了可以接受的范围之内。技术上自信心的提升更使得演奏家能够更加从容地对乐句和乐曲结构进行处理,将这部悲剧性的伟大作品演绎得入木三分。似乎前面三首奏鸣曲都是用来为“热情”中的一搏做着铺垫,而余音尚未飘散时全场观众就爆发出的巨大欢呼声也证实了波利尼在这个晚上的成功

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2014-06-17    16:13
米凯兰杰利 - [音影]
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1920年1月5日

米凯兰杰里生于意大利巴雷西亚,父亲是个有很高音乐素养的律师,也是个业余钢琴家。小阿图罗3岁开始便在父亲指导下学琴,由于具有非凡的音乐领悟力,加上对技巧的刻苦锻炼,琴艺进步神速,4岁就被温都里音乐学校破格录取。那段时期小阿图罗不仅学习钢琴,还学习管风琴和小提琴,这对他后来的演奏风格有重大的影响。

10岁那年

小阿图罗进入米兰威尔第音乐学院,师从李斯特门生陶西格的弟子安佛西,这位杰出的女教师不仅在技巧上对阿图罗严格训练,更重要的是把意大利钢琴传统中最精华和独特的精雕细琢的细节处理,清澈明净而又变换多端的音色等都传授给阿图罗。

14岁的时候

阿图罗毕业并开始了职业演奏家的生涯,但就是从这时起,命运一再地和他开了许多玩笑。他当外科医生,也曾进过修道院。17岁的时候在意大利的一家广播公司应聘没有成功,参加第二届布鲁塞尔国际钢琴比赛却只得了个第七。当时第一名是苏联演奏家吉列尔斯,评委中的鲁宾斯坦给米凯兰杰里打了很低的分数,但他的演奏却深得比利时皇太后的喜爱,后来两人成了终身挚友。

1939年

参加日内瓦国际钢琴比赛,深得法国钢琴大师Cortot赏识,Cortot称其为“一个新的李斯特”,并获得第一名与科尔托特别奖,被看起来似乎一切走上了正轨,谁知在这个时候二战爆发了。由于战乱, 米凯兰杰里不得不停止了如日中天的演奏生涯,去意大利空军服兵役,但不久他又加入了反纳粹德国的地下抵抗组织。结果战争后期米凯兰杰里不幸被捕入狱,渡过了八个多月的铁窗生活。但上帝却一直眷顾着这位日后神一般的钢琴大师,米凯兰杰里奇迹般地得以从俘虏营逃脱。
战争结束,米凯兰杰里以令人吃惊的速度迅速地恢复了他的演奏水平,很快以国际级钢琴家的姿态出现在世界乐坛,并于1948年在卡内基大厅首次亮相,获得了潮水般的好评。

50年代到70年代

是米凯兰杰里演奏生涯中的黄金时期,他的很多著名的音乐会和录音都出自这个时期。从60年代起他开始办学,他的学生中包括有波利尼阿格里奇等等日后世界级的钢琴大师。米凯兰杰里教学从不收取学费,还经常用自己的音乐会收入资助学生,他认为对于具备音乐天才的人来说,“学习音乐是他们的权利。”
六十年代末米凯兰杰里移居瑞士卢加诺,直到1995年去世。

2演奏特点编辑

米凯兰杰里的演奏技术无懈可击,善于恰到好处地把握音色和多声部层次的控制,有条理地处理整体与细节的关系,追求音色清澄、干净的演奏灵魂。他的演奏既保持了古典乐派的内在与平衡,又注入了浪漫乐派的热情与感染力,极具强烈的艺术魅力。
米凯兰杰里一生虽然留下了近40年的录音,但因为选择曲目挑剔,对演奏的要求又近乎苛刻地高,所以演奏曲目并不广泛,录音数量相对其他同时代的演奏家来也少的可怜。正因为这样,虽然他的唱片很少,但只要有的都是极品。米凯兰杰利也正是因为对自己的演奏质量要求甚高,决不轻易举办独奏会。他演绎的贝多芬作品,摆脱了任何一种巴洛克风味的弹奏方式,将自己的音乐个性隐藏在乐曲自身的内涵下,完美地表达出作品的深情和精髓。他演绎的德彪西作品,以全然柔软圆滑的线条歌唱,丝毫不带钢铁的森冷,已达”无槌之音”的佳境,因而获得“音乐哲学家”的美誉。此外,他还是一位卓有贡献的钢琴教育家,指导和培养出了一批钢琴家,其中不少已名扬世界,如意大利钢琴家波利尼,阿根廷钢琴家阿格里奇以及捷克钢琴家伊万·莫拉维茨[1] 
同时,和神奇的演奏一样著名的,就是米凯兰杰里那古怪的脾气和性格。他对钢琴的音色出奇地挑剔,挑剔到了让人无法理解的程度。他经常不顾观众的感受临时取消音乐会,任意改变甚至中断演出的日程安排,中途停止录音等。因此在音乐评论界和广大乐迷中留下了“古怪孤僻,反常乖戾”的名声,甚至他的高徒波利尼阿格里奇都与他格格不入。“对我们这些被消费时尚崇坏了的听众来说,米的存在显得像是一个冒犯。”实际上,米凯兰杰里一切的反常举止都来源于他近乎苛刻的严格要求和对艺术极端负责的态度:每一次演出结束,即使观众为之迷醉倾倒,好评如潮,他仍要自己和自己较劲一般地挑出自己演奏中一大堆的毛病。尽管这些毛病在别人看来完全可以忽略不计,他却固执己见,闭门思过,苦思冥想。正是因为这种原因,他才出现了前面所说的种种“反常”的举动。

3艺术最高成就的结晶编辑

《贝多芬第五钢琴协奏曲》,朱里尼指挥维也纳交响乐团,DG 419 249-2...
有人说这张唱片是老米一生的最高成就(当然可以有不同看法),也是他所有音乐理念的完美总结。这是个登峰造极的优秀版本,有很多专家和资料将它推荐为“贝五”的最优秀版本。其实在这个交响曲一般的协奏曲中,朱里尼的协奏是担当了一个相对次要的角色,他优秀的协奏搭建了一个辉煌而坚实的平台,剩下的就是这位“皇帝”的隆重登场了。没有人能比老米弹出更加晶莹华美的音阶,更加雄浑有力的和弦,更加精致轻巧的颤音。在这部很多演奏家望而却步的高难度巨著中,不仅有大片快速的经过句,层出不穷的宏伟和弦,还要赋予作品帝王般的气势和让人仰视的高贵气质,这一切对于毫无灵性的钢琴匠来说是个无法逾越的高峰,但在老米手下,却成为了历史上的永恒。整个作品听下来,心中充盈的感觉就和唱片的封面一样,如凡高的油画一般到处喷溅着琥珀般金黄的色调,句子从容不迫却没有任何拖沓,充满皇帝般的气派和威严,而第二乐章那真挚、亲切的旋律更是如春天的阳光般普照人心,既有消融人心中一切坚冰的圣洁和温暖,又有催人泪下的感动。完美无瑕的音色即使在fff的强奏下仍然圆润动听,没有一个破音和炸音,一切都臣服在老米王者般威严的控制之下,而辉煌多变的色彩,高贵的气质和丰富的层次也只能令人叹服,加上对作品深刻的理解后赋予作品的那破云般的璀璨,淡然恢弘的孤傲和雄浑不羁的霸气,使这个录音达到了一个后人难以企及的高峰,和伟大的作品一同化为永恒。

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2014-06-17    16:12
阿格里奇 - [音影]
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阿格里奇(Martha Argerich,1941— ),阿根廷钢琴家,生于布宜诺斯艾利斯,5岁首次登台演出,8岁多次参加公开演出莫扎特贝多芬的钢琴协奏曲。1955-1957年,在维也纳师从古尔达,后又在日内瓦拜帕蒂夫人和马加洛夫为师。

阿格里奇(Martha Argerich,1941— ),阿根廷钢琴家,生于布宜诺斯艾利斯,5岁首次登台演出,8岁多次参加公开演出莫扎特、贝多芬的钢琴协奏曲。
1955-1957年,在维也纳师从古尔达,后又在日内瓦拜帕蒂夫人和马加洛夫为师。
1957年,16岁时在意大利波尔萨诺举行的布索尼国际钢琴比赛中获第一名,同年又在日内瓦国际钢琴比赛中获一等奖。1960年师从米凯朗杰里继续深造,1964年又跟阿什肯纳瑟(Stefan Askenase, 1896 – 1985,李斯特嫡传)短期学习。
1965年在华沙第七届国际肖邦钢琴比赛中获第一名,波兰唱片公司在现场录制了她演奏的肖邦第一钢琴协奏曲的唱片,令其名扬全球。
1967年首次到美国演出,录制了肖邦b小调钢琴奏鸣曲。1968—1969年在阿巴多指挥下与柏林爱乐乐团伦敦交响乐团协作,录制了普罗科菲耶夫第3钢琴协奏曲、拉威尔G大调钢琴协奏曲和李斯特bE大调钢琴协奏曲。1977—1978年德国唱片公司邀请她录制了多部作品。
她的演奏风格浪漫豪放,被人们称为“音乐的女大祭司”;虽然她的演奏充满吉普赛人奔放热情,但有时也具有阴沉忧郁的格调,表现出一种内在、沉思的诗意。她的技巧过人,音色铿锵有力,光彩夺人,不愧为当代杰出的女钢琴家;她喜爱舒曼肖邦的作品,同时也演奏现代作曲家巴托克斯特拉文斯基等人的乐曲。

2著名录音编辑

肖邦:第2钢琴协奏曲,阿格里奇钢琴,美国国家交响乐团,罗斯恃罗波维奇指挥,DG 2531042,《唱片艺术》:最佳名曲;
肖邦:第2、3号钢琴奏鸣曲,阿格里奇钢琴,DG 2530530、DG 139 317-2,《唱片艺术》:最佳名曲;
肖邦:沉着的行板与辉煌的大波兰舞曲,阿格里奇钢琴, DG 2530 530,《唱片艺术》:最佳名曲;
肖邦:前奏曲全集,阿格里奇钢琴,DG 415836-2,《唱片艺术》:最佳名曲;
普罗科菲耶夫:第3钢琴协奏曲 阿格里奇钢琴,柏林爱乐乐团阿巴多指挥 DG 415062-2《唱片艺术》:最佳名曲;
李斯特第一钢琴协奏曲(含肖邦第1钢琴协奏曲),阿格里奇钢琴,伦敦交响乐团阿巴多指挥,DG 415062-2,《唱片艺术》:最佳名曲。
拉赫玛尼诺夫:第三钢琴协奏曲;柴可夫斯基第一钢琴协奏曲,阿格里奇钢琴,柏林广播交响乐团、巴伐利亚广播交响乐团协奏,夏伊、孔德拉辛指挥。

3阿格里奇的钢琴艺术编辑

1957年,年轻漂亮的女钢琴家玛尔塔·阿格里奇在几周之内,连续夺得了意大利和瑞士两个国际钢琴大赛的冠军,引起轰动,当时阿格里奇只有16岁。
从此之后,阿格里奇凭借她精湛卓绝的演奏逐渐成为名满世界的著名钢琴家,而阿格里奇独特的学琴经历,以及略显古怪的个性,更使得她具有了某种传奇色彩。
关于阿格里奇最初是为什么开始练钢琴的,一直有很多的说法,其中最为流行的一个是在上幼儿园的时候,一个会弹钢琴的小女孩总是很骄傲的对阿格里奇说你这也不会那也不会,导致小阿格里奇很生气,于是立志学习弹钢琴。但是按照阿格里奇自己的说法是,当她只有两岁八个月左右时,有一天她无意识的在钢琴上按了几个音符,结果使得旁边幼儿园的老师大吃一惊,因为阿格里奇随手按的已经很成调了,由此阿格里奇的音乐天分被发现了。
阿格里奇从三岁开始学琴,进步神速,不过当时毕竟是小孩子,练琴的枯燥有时也会让她非常憎恨钢琴。在阿格里奇八岁的时候,她的演奏技巧已经达到了独奏的水平。1949年六月,阿格里奇和布宜诺斯艾利斯管弦乐团合作莫扎特的《第二十钢琴协奏曲》,结果一鸣惊人,甚至惊动了当时阿根廷的总统。据说总统为了让这位神童接受更好的音乐教育,特别将阿格里奇的父亲派驻维也纳,在那里阿格里奇得以跟随钢琴家古尔达继续深造。
阿格里奇从小就显露出非凡的音乐天赋,当时著名的阿劳鲁宾斯坦等钢琴大师在访问阿根廷的时候都听过小阿格里奇的演奏,并给予高度的评价。钢琴家吉泽金在听完阿格里奇的演奏后,还特别叮嘱她的父母亲说,不要对阿格里奇管束的太严,要多给她一些自由,否则很可能会毁掉一位天才的音乐家。在很多人的关怀呵护之下,阿格里奇的演奏技巧日臻成熟,同时她对与音乐也有了更多的理解。
1957年,阿格里奇参加了意大利布索尼国际钢琴比赛,在第一轮淘汰赛之后,阿格里奇问几位评委:是再见呢,还是永别?评委回答说,是再见。因为阿格里奇认为自己通不过第一轮比赛,所以根本没有准备第二轮的曲目,在听到评委的回答后,她才开始练习新的作品。最终,阿格里奇获得了这次比赛的冠军。初次参赛的获胜使得阿格里奇信心大增,几周之后,她报名参加瑞士日内瓦钢琴比赛,结果她不负众望,再拔头筹。
小时候,阿格里奇想当一个医生,长大后她又想当一个秘书,在业余的时间可以弹琴消遣消遣,她不想当一个职业演奏家,16岁成名之后的经历让她更加坚定了自己的想法,她不喜欢四处奔波,到处表演的生活。1960年,阿格里奇退出舞台,结婚生子,在1965年肖邦国际钢琴比赛之前,她甚至已经有三年没有练过琴了。后来在著名钢琴家阿什肯纳奇的妻子斯蒂芬的劝说和帮助之下,阿格里奇才又重新找到对于钢琴的热情,并再次拿下国际大赛的冠军。
多年来,阿格里奇凭借她超凡的音乐天赋和精湛的演奏技巧成为了世界瞩目的钢琴家,同时她的我行我素的个性,也受到了人们的关注。据说阿格里奇有一个习惯,就是每次上台演出前一定要用随身携带的镊子,拔掉前额上几根多余的头发才能找到感觉。有一次,演出马上就要开始了,可是阿格里奇找来找去也找不到镊子,结果她一气之下就取消了迫在眉睫的音乐会
阿格里奇临时取消演出的做法是出了名的,而她取消演出的原因也花样繁多,要不就是找不到镊子,要不就是想看一下取消演出的后果,要不就是怯场。还有一种情况她也会取消演出,就是找不到灵感。在阿格里奇心里,她希望每一次的演出都是完美的,甚至一首演奏过多次的曲子,她也不希望重复,而是要演绎出新的内涵。
阿格里奇生于阿根廷,14岁到欧洲接受正统的音乐教育,她的演奏独具个人魅力,又具有传统的风范。据说,阿格里奇是欧洲移民的后裔,她自己也说她的老家很可能就在克罗地亚,她的祖上很可能是条顿民族。或许正是由于这样的原因,当阿格里奇在演奏德奥作家激情热烈的作品时,也能淋漓尽致地表现出其中的情感,而不会显得有丝毫的隔膜。
阿格里奇的演奏技巧非常高超,而她最厉害的一招就是“快”。阿格里奇不仅读谱快,视奏快,而且她手指的弹奏速度也非常快。比如阿格里奇在演奏李斯特奏鸣曲时,左手的八个八度,她用不到一秒钟就弹奏完毕。据说阿格里奇的速度要比老牌的钢琴快手霍洛维兹还要快上一筹。虽然阿格里奇的钢琴独奏深受人们的欢迎,但是到了20世纪80年代之后,阿格里奇很少举办独奏会,而是把重心转向了重奏曲上。
在阿格里奇的演奏生涯中,曾经有很多的前辈钢琴大师对她进行过指点和帮助,而近几年,阿格里奇也试图通过创立“阿格里奇钢琴奖”等方式,来帮助年轻的演奏家。曾有人问阿格里奇,要想成为一位成功的钢琴家,什么是最重要的?阿格里奇回答说,首先要热爱音乐,要感觉到和音乐在一起时的幸福,其次要有相当的技巧,因为声音是音乐里最本质的东西,而有些声音想要发出来就需要技巧。同时,要想成功,你还要做到与众不同。
许多钢琴家在年轻时总是激情四射,而随着年龄的增长,阅历的丰富,他们会变得越来越内省,但是阿格里奇不是这样,从她近几年录制的肖邦柴科夫斯基的作品中,人们听到的是比以前更为狂放和具有气势的音响。虽然已经年过六旬,阿格里奇热烈的的个性似乎一直都没有改变,而她的琴声也一如她的人一样继续保持着通透率真的魅力。
阿格里奇现为日本大分县荣誉公民,并每年在日本大分县别府市举办阿格里奇音乐节。并在每一届音乐节出场演出。同时也邀请其他音乐家前来助阵,包括尤里·巴什麦,米沙·麦斯基,克莱默和郑明勋

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2014-06-17    16:11
吉列尔斯 - [音影]
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埃米尔·吉列尔斯,原苏联钢琴家;1916年10月19日出生于乌克兰的奥德萨;6岁开始学习钢琴,13岁首次举行钢琴独奏会;1933年获全苏音乐比赛一等奖;1935年考取莫斯科音乐学院研究生,在涅高兹指导下继续深造;1938年获布鲁塞尔国际钢琴比赛一等奖,任莫斯科音乐学院教授;1947年起在欧洲各地巡回演出,1955年成为战后第一位访问美国演出的苏联钢琴家,获得很高的赞誉;1985年10月14日逝世于莫斯科;吉列尔斯是俄罗斯钢琴乐派的卓越代表,曾获苏联人民艺术家,还曾获英国皇家音乐学院、布达佩斯音乐学院名誉音乐博士学位。
随着貌似强大的超级大国苏联如瓦尔哈拉宫般一夜坍塌,许多深锁铁幕的俄罗斯钢琴家以及他们的录音也逐渐撩去了神秘的面纱。不过近二三十年来虽然苏俄年轻一辈钢琴家在各种比赛上屡次获奖,但他们所带来的惊喜却远不如上世纪五十年代吉列尔斯李赫特登上国际乐坛时那种震撼力。
十月革命到二次世界大战后,苏联因地缘和意识形态的原因与西欧文明形成断裂。二十世纪初欧美地区的古典乐坛开始在演奏观念上转向“忠实原着”的作风,在多位亲历19世纪浪漫主义文化熏陶的前辈大师相继去世后,乐坛上已确立了新的演奏风范。
到五十年代,浪漫色彩的演奏风格已成为传奇故事,而苏俄音乐家则因环境影响继续沿袭了安东·鲁宾斯坦的传统,形成了和欧美乐坛大相径庭的演奏风格。在教学上,更涌现出涅高兹、戈登维瑟、伊戈诺夫等教育巨匠,形成了大名鼎鼎的俄罗斯钢琴学派。
1916年出生于原苏联乌克兰敖德萨的艾米尔·吉列尔斯(Emil·Gilels)是早慧型的钢琴家,他9岁开始登台,13岁首次举行个人独奏会时已能娴熟地弹出包括贝多芬的第8奏鸣曲、肖邦李斯特的练习曲和斯卡拉蒂门德尔松等曲目。1935年在敖德萨音乐学院毕业后转到莫斯科音乐学院随涅高兹继续深造,在此期间,他先后夺得了1936年维也纳国际钢琴大赛第二名和1938年在布鲁塞尔举行的首届伊莉莎白女王大赛的冠军。这算是吉列尔斯在西方世界崭露头角,也得到鲁宾斯坦等高度评价。
载誉归来后,吉列尔斯开始在莫斯科音乐学院任教并录制了他的第一批唱片,其时他年仅20出头。最近DG唱片公司出版了一套小双张的《吉列尔斯早期录音》专辑(唱片编号:477 6370)就收录有多首30年代中期到50年代中期的录音,曲目包括舒曼门德尔松拉莫、普罗科非耶夫的小品、李斯特的练习曲、匈牙利狂想曲及斯卡拉蒂贝多芬和梅特涅的奏鸣曲等,风华正茂的演奏家在音乐里充分地展现了他青春的热力和超凡的技艺。
吉列尔斯录制的勃拉姆斯钢琴协奏曲CD封面

吉列尔斯录制的勃拉姆斯钢琴协奏曲CD封面

这些录音虽然音效难尽人意,但却弥足珍贵。苏联唱片工业建立于“二战”之后,战前虽也曾为少数音乐家录音,但数量少之又少,吉列尔斯却在其中之一,其在苏联乐坛上少年老成的分量由此可见一斑了。
毕竟,冷战的对峙和自由的交流完全是风马牛不相及的事,吉列尔斯真正能在国际乐坛上引起瞩目已是40出头人到中年的时候了。
1955年他首次登上美洲大陆,和莱纳(Fritz Reiner)指挥的芝加哥交响乐团合作演出柴科夫斯基第一钢琴协奏曲引起巨大轰动,不久他们就在RCA出了这部脍炙人口的作品。演奏中吉列尔斯钢铁般的触键和莱纳辉煌的协奏交相辉映,汇集出一股堂皇富丽的澎湃音流,超凡的技巧和成熟的音乐修养都在这里得到全面的展现。后来吉列尔斯虽然在EMICBS都再次录过同样的曲目,但在乐曲意境、技巧体现、乐队默契以及录音效果方面都以此次为佳。
这一时期的精彩录音还有他和路德维希(Leopold Ludwig)指挥爱乐乐团演奏的贝多芬钢琴协奏曲。路德维希是位奥地利指挥,对音乐的处理工整严谨,吉列尔斯在这里一反他在演奏俄罗斯作品时那种激昂奔放的手法,稳健的速度、遒劲的触键、绵密的结构将古典主义的典雅和贝多芬音乐中的雄浑崇高铺排得丝丝入扣。
吉列尔斯的演奏曲目虽不如他的同胞李赫特那么广泛,也决不拘泥于单一民族或作曲家作品,除了俄罗斯作品,德奥音乐也是他的拿手好戏,贝多芬、勃拉姆斯莫扎特舒曼等都得到极高的评价。70年代初与约胡姆指挥柏林爱乐勃拉姆斯两首钢琴协奏曲就被许多乐迷奉为必听录音,吉列尔斯刚柔并举,激越处嘈嘈如急雨,银瓶乍破水浆迸,铁骑突出刀枪鸣;低吟处切切如私语,间关莺语花底滑,幽咽流泉水下滩。似泣如诉、欲抑还扬的琴声将听众带进了作曲家复杂的内心世界。
莫扎特的钢琴奏鸣曲技巧较为简单,不少只学过几年琴的人都能轻松弹出来。但有的钢琴大师却说要弹好莫扎特比弹李斯特那些高难度的炫技乐曲还难,因为要弹出莫扎特音乐里的独特韵味更考验演奏家的音乐修养和人生阅历。和勃兰特尔、内田光子等最受乐评人推崇的莫扎特权威相比吉列尔斯的莫扎特显得颇为另类,因此评价也最为分歧。
吉列尔斯的钢琴艺术 CD封面

吉列尔斯的钢琴艺术 CD封面

吉列尔斯的一生录制莫扎特作品的唱片不多,最近DG出版的一套小双张《吉列尔斯的莫扎特录音》,仅收录到K.281、K.310两首奏鸣曲及K.397幻想曲、K398《两首歌剧主题变奏曲》(唱片编号:DG 477 6373),第27钢琴协奏曲和K.365双钢琴协奏曲。
台湾文化大学中国音乐学系系主任及艺术研究所副教授樊慰慈在《飞越高加索的琴韵》一书里就认为吉列尔斯的莫扎特是“为赋新诗强说愁”的莫扎特,一颗颗清晰的琴音随风扫过,却起不了多少涟漪。并引用霍罗维兹的话来说“太慢,简直糟透了”。而另一位台湾音乐学者、文化大学音乐系主任彭圣锦则在他的《钢琴演奏与风格》里赞誉为“扣人心弦的莫扎特”,说“虽然录音稍显尖锐,但音色很美。他(吉列尔斯)做了充实而完美的诠释,好像把作此曲时18岁的莫扎特弹到钢琴里面一般,我听过不少的莫扎特,从没有这种感觉。”音乐欣赏是一种声音的审美,同一部作品在不同的演奏家手下呈现出不同的侧面,让人横看成岭侧望成峰,古典音乐也因此让人百听不厌、常听常新。
吉列尔斯钢琴演奏的最高成就体现在贝多芬的作品上,特别是他晚年在DG录制的那套未完成的奏鸣曲全集(唱片编号:477 6360),堪称他的代表作。这套唱片从1972年开始录音到1985年去世前,尚余5首未及完成,但另有一部《英雄变奏曲》和两首未入编号的早期奏鸣曲,共9张CD。贝多芬的奏鸣曲是钢琴音乐史上的重要文献,吉得尔斯充分把握到贝多芬精神,是高超技巧的发挥和令人热血沸腾的演奏。在最后十年为DG所灌录的这套贝多芬钢琴奏鸣曲无疑是他个人一生艺术的精华所在,完美的演奏和录音让我们更容易地深入贝多芬的世界。
贝多芬的音乐是力量美的体现,吉列尔斯的这套贝多芬钢琴奏鸣曲给人最深刻的印象是他钢铁般的触键和奔放的情感。其力度对比之大不要说诗情俊逸的肯普夫和温文尔雅的勃兰特尔,就是有“键盘狮王”之称的巴克豪斯也有所不及。尤其在第21、23、29等几首以力量见称的作品里,他铁锤般的触键有如金戈铁马气吞万里,其酣畅淋漓的畅快和阳刚感让人透彻地感受到俄罗斯钢琴学派的魅力,更为他未能完成最后的第32号而感到扼腕。在柔板乐章及第14、15等抒情性强的乐段或作品里,那晶莹剔透的音色、行云流水的句法充满了歌唱性,一下子就把听众吸引到音乐里。在第19、20两首简易奏鸣曲里,如珠落玉盘的音粒弹得干净、果断、匀称,极具古典主义的工整美。
1985年吉列尔斯在录制完第30和31号两部晚期作品后,突然因心脏病发作在莫斯科去世,终年69岁,留下了千古遗憾;贝多芬的钢琴奏鸣曲录音版本无数,吉列尔斯这套虽未全部完成,但仍然是属于首首精彩的一套,他的离世使人类丧失了一位杰出的有思想且做出很大贡献的音乐家——很少有钢琴家像他那样坚定地忠诚于自己的艺术并取得了如此迷人的成果。
此外,吉列尔斯演奏格里格的抒情小品、李斯特的钢琴奏鸣曲乃至舒伯特舒曼等作曲家作品的录音都有相当高的成就。

2人物年表编辑

1916年10月19日 出生在乌克兰敖德萨
吉列尔斯的钢琴艺术 DVD封面

吉列尔斯的钢琴艺术 DVD封面

1929年 首次举办音乐会
1930-34年 首次与Yakov Tkatch同学,与Berthe Reingbald 一同工作
1931年 在Ukraine国家比赛中获一等奖
1933年 在莫斯科全苏比赛中获一等奖,他演奏的李斯特/布索尼“费加罗幻想曲”引起了轰动
1936年 在维也纳国际钢琴比赛中获二等奖
1938年 在布鲁塞尔伊丽莎白女王国际比赛中获一等奖
1944年 在莫斯科首演普罗科菲耶夫的第8钢琴奏鸣曲
1945年 开始演奏生涯,最初局限在俄罗斯和苏联国内,后来是国际性的演出;与科冈和罗斯特罗波维奇组成了三重奏团
1952年 被莫斯科音乐学院聘为教授
1955年 在卡内基音乐厅成功地举办了美国首演音乐会,演奏柴可夫斯基第一钢琴协奏曲
1961年 获得列宁勋章
1966年 第二次获得列宁勋章
1967年 获得巴黎文化艺术功勋勋章
1968年 获得利奥波德勋章,开始在每年的9-10月间从事国际性演出。
1969年 RCA录制了他在卡内基音乐厅举办独奏音乐会的唱片
1972年 6月12-17日 为DG公司录制勃拉姆斯第一、二钢琴协奏曲(与指挥大师Eugen Jochum指挥的柏林爱乐乐团合作)
1985年 8-9月间最后录制了贝多芬的《钢琴奏鸣曲》Op 110 ,10月14日在莫斯科去世

3演奏风格编辑

吉列尔斯录制的柴可夫斯基钢琴协奏曲CD封面

吉列尔斯录制的柴可夫斯基钢琴协奏曲CD封面

俄罗斯钢琴学派以炫目的技巧和浓烈的情感色彩而闻名,吉列尔斯曾在涅高兹首下学艺三年,深得真传。因此,无论是磅礴大器、辉煌华丽的柴科夫斯基还是气势恢弘、汪洋恣肆的贝多芬都无不打上了鲜明“俄式”烙印,但他那激情中不失理性、忠实原著而不失灵性的演奏则不仅彰显出其独特的个人风格,也令人对他的演奏心悦诚服,相信这就是吉列尔斯最迷人的魅力。
对另一位钢琴大师鲁宾斯坦来说,吉列尔斯的天资不同于那些“普通的”国际独奏家,他是非常幸运的艺术家之一;应该说,吉列尔斯的天资是不可逾越的。许多年前,在BBC的一场广播音乐会上,鲁宾斯坦曾谈到一些钢琴家,无论他们的国籍、受训情况和气质有多么的不同,他们都是一流的。这个名单不长,也是可以预料的。其中有他自己、霍洛维茨米凯兰杰利、李帕蒂、吉泽金、李希特和吉列尔斯。当然还会有其他的著名钢琴家,尽管这些名字能够写到一起,但他们的个性大不相同。
鲁宾斯坦认为,在这些艺术家与其他人之间有一条不可逾越的鸿沟。他曾回忆起1931年在俄罗斯音乐会巡演中间,他被邀请聆听一个15岁名叫吉列尔斯少年的演奏。“我还记得他的演奏,好像就发生在昨天……我无法描述他的表现,我只能说,如果他去了美国,我只好卷铺盖走人。”吉列尔斯在那次幸运的场合演奏的是贝多芬的“热情”奏鸣曲和拉威尔的“水之游戏”。
鲁宾斯坦不愧是个很好的预言家,他的预言在25年之后有了结果。在50年代,这个神童就已经成为羽翼丰满的艺术家。苏联钢琴家埃米尔.吉列尔斯在美国引起了轰动,他与奥曼蒂、随后与伯恩斯坦合作,演奏的柴科夫斯基第一钢琴协奏曲被《芝加哥论坛》评论员Claudia Cassidy生动地描述成“令人陶醉的俄罗斯原汁原味风格……像飞弹发射般令人惊异,如燃烧的火炬般炽热。”
勋伯格发现吉列尔斯是一位“强壮而有条理、相当真实的演奏家”。事实上,吉列尔斯也像所有的大艺术家一样,拥有许多的东西。他可能有些固执,常常是很忙乱的,易走极端。但他那卓越的演奏技巧令观众心动不已,给人留下了镇定和内向的印象,他的音乐处理相当富有魅力。
在正式大赛上屡屡获奖的那些年中,苏联钢琴家埃米尔.吉列尔斯演奏的作品大多集中在浪漫派作曲家肖邦舒曼李斯特,以及柴克夫斯基、斯克里亚宾和拉赫马尼诺夫身上。除了他后来从维也纳古典大师的作品中吸取精华以外,他从没有丧失对那些技巧艰深而令人心悸的艺术佳作的热爱,他定期演奏诸如斯美塔纳的“波尔卡”、肖邦的“变奏曲”、李斯特的“费加罗幻想曲”以及普朗克的“田园音乐会”等作品,所有的演奏都是充满热情,令不少钢琴家落下激动的眼泪。

4人物轶事编辑

青年时期的吉列尔斯

青年时期的吉列尔斯

苏联钢琴家吉列尔斯与他的同胞斯里赫特相提并论只是为了增加趣味性,而没有写传记的责任。
吉列尔斯在音乐方面很诚实,他很谦虚,认为应该“把掌声留给里希特”,他把里希特称作“钢琴家警察”,觉得自己的国际声誉永远赶不上里希特。他也知道,他的老师Heinrich Neuhaus极偏爱里希特;如同霍洛维茨鲁宾斯坦也是竞争对手一样,吉列尔斯与里希特是完全不同的艺术家,但他们两位都值得人们深深的敬重;里希特在音乐表现方面常常由突然的狂热而进入朦胧世界,他在速度上的疯狂或是在慢乐章中的冗长沉闷,对吉列尔斯来说都是相当奇异的。从这个方面来说,吉列尔斯是比较正统的演奏家,但他绝不是中间人。音乐上的真诚就是他的特色。他没有为了迎合观众的心理而视演奏如儿戏。
里赫特与吉列尔斯同出自伟大钢琴教育家涅高茨门下,里赫特比吉列尔斯大一岁,但寿命比吉列尔斯长多了,里赫特是1915年生,去世于1997年;吉列尔斯生于1916年,卒于上1985年。
吉列尔斯成名很早,而且先于里赫特名扬西方世界。里赫特成名很晚,而且苏联政府批准里赫特出国演出是上世纪50年代末期的时候。早年当里赫特还是第一届全苏钢琴大赛的参赛选手时,吉列尔斯已经是作为这届大赛的评委了,而且吉列尔斯还比里赫特小一岁。由此可以看出吉列尔斯比里赫特成名早很多。值得一提的是,这届全苏钢琴演奏大赛里赫特拿了冠军。伟大作曲家肖斯塔科维奇也是这届钢琴比赛的评委之一,肖斯塔科维奇对里赫特的演奏给予了很高的评价!
早年,吉列尔斯对于里赫特给予了他所能给予的最高评价,当吉列尔斯第一次去美国演出时,全美国听众都为吉列尔斯的演奏艺术疯狂。当时著名钢琴家阿图尔·鲁宾斯坦听了吉列尔斯的演奏后甚至说:“吉列尔斯来演奏,我恐怕是混不到饭吃了,还是老老实实打典行李回家算了!”(阿图尔·鲁宾斯坦听到利帕第的演奏后也有类似评价,鲁宾斯坦怎么这么喜欢打典行李回家呢?)可是吉列尔斯在演奏会后接受采访时却语出惊人:“我的演奏不算什么,我们国家还有位伟大钢琴家叫斯维亚托斯拉夫·里赫特,他比我强10倍,你们等着听里赫特的演出吧!”。
终于,上世纪60年代初,里赫特来到美国进行了一系列巡回演出,大获成功。全美听众都疯狂了!大家都沉浸在里赫特的钢琴演奏艺术之中。就连大名鼎鼎的霍洛维兹也坐不住了,扬言要复出,生怕里赫特抢了自己的风头(当时的霍洛维兹已经闭关达12年之久,在这12年里霍洛维兹没有举办过任何演奏会)。
70年代开始,里赫特与吉列尔斯的关系不断恶化,以致两人对对方都不闻不问。而且,这时吉列尔斯的演奏风格与曲目范围发生了一些变化。他开始避免演奏俄罗斯作曲家的作品,专攻德奥作曲家的作品,我们从吉列尔斯留下的录音也可以看出这点。吉列尔斯留下最著名的录音是在DG录制的贝多芬钢琴奏鸣曲集,勃拉姆斯的两首钢琴协奏曲和幻想曲,莫扎特钢琴第27协奏曲以及格里格的抒情小品。我们很难想象一位正宗的俄系钢琴家,一个涅高茨的高徒竟然避免演奏俄系作曲家的作品,这在俄系钢琴家中是十分罕见的,或许是绝无仅有的(其他的俄系钢琴家基本上都十分擅长演奏本国作曲家作品而且都留下了大量本国作曲家作品的优秀录音)。而此时的里赫特,依然以他那宽广的曲目范围以及无敌、全能的演奏名扬世界乐坛。
涅高茨写过大量评论里赫特与吉列尔斯的文章。在涅高茨看来,里赫特是他所见过的最伟大的钢琴家,是最完美的钢琴家。涅高茨一谈到里赫特就充满了赞美之辞,而且涅高茨从来都没有指出过里赫特演奏的缺点,在涅高茨看来,里赫特的演奏是没有任何缺点的(虽然涅高茨曾一两次说里赫特也有些小缺点,但显然是被迫无奈才说的,而且指出里赫特的小缺点之后会立即补充说里赫特已经完全克服了这些缺点)。涅高茨是位经历丰富的钢琴家,他听过了当时世界上最著名的各大钢琴家的现场演出与唱片,并对他们的演奏风格了如指掌(比如布索尼帕德雷夫斯基、索弗朗斯基、里赫特霍洛维兹巴克豪斯吉泽金、费舍尔、顾伦·古尔德、米凯朗杰利、吉列尔斯等),在这么多著名钢琴家中,涅高茨最推崇的是里赫特。而涅高茨对吉列尔斯的评价,却是褒贬参半。这引起了吉列尔斯的极大不满。
吉列尔斯的这种不满情绪,是里赫特与吉列尔斯关系恶化的导火索。
关于里赫特与吉列尔斯的关系恶化,两位当事者一直闭口不谈,外界也一直不知原因。直到上世纪90年代,在一次采访中,里赫特才打开话匣子讲述了他与吉列尔斯的关系(当时吉列尔斯已去世):“喔,吉列尔斯,他死的真是突然。那时我们两个都将展开巡回演出,在演出之前,先进医院做健康检查。所以那时我们就住在同一所医院里面,是莫斯科专为一些要人设立的医院。吉列尔斯突然发病,医生虽然给他打了一些针,可是吉列尔斯没有几分钟就死了。他原本并没有什么健康上的大问题,之所以死的这么早,这么快,都是嫉妒和多疑害了他。音乐带给他的不是欢乐,不是宽容,竟是仇恨。这真是太悲惨了。
有一回吉列尔斯在莫斯科音乐学院的大厅里遇到一位女士,那女士看见他之后,回头跟一个小女孩说:‘看,前面来了我国最伟大的钢琴家’,小女孩兴奋地大喊 ‘里赫特!’。吉列尔斯砰的一声把门重重甩上…唉,只是一个小女孩罢了。他完全不能接受别人的批评,包括善意的忠言。涅高茨讲了些吉列尔斯的意见,吉列尔斯竟然在报纸上写文章否认自己是涅高茨的学生。他还不只在报纸写,还专门写了一封信给涅高茨,不承认做过涅高茨的学生。在俄国谁不知道我和吉列尔斯还有许多人都是涅高茨的学生呢?涅高茨当时年纪已经很大了,身体又不好,几个月之后就死了。我从此和吉列尔斯遂不通信。”

5唱片集锦编辑

埃米尔.吉列尔斯录制的唱片非常广泛,现存的,脱销的,再版的,简直不计其数。特别要感谢Philips公司,在“20世纪大钢琴家”系列中选择了吉列尔斯的最佳作品。
在这里你能够发现巴赫的《G大调法国组曲》,拉威尔精致的《托卡塔》,李斯特的《西班牙狂想曲》,被吉列尔斯扩展成5个乐章的斯特拉文斯基的《彼得鲁斯卡》是Kniga的唱片(MK417072,4/93)。
Music& Art 也是值得称道的公司,其录制技巧和事业心都很好。他们的两张唱片的内容是吉列尔斯在50年代事业顶峰时期在莫斯科举办音乐会的现场录音,展示出演奏家独特的艺术魅力。
除了吉列尔斯,还没有哪位演奏家能够把舒曼的极少被演奏的Op32的终曲段落作为音乐会中间的插曲,他演奏的拉赫马尼诺夫《降B大调前奏曲》中,每个音符都非常清晰。
圣桑的《第二协奏曲》和拉赫马尼诺夫的《第三协奏曲》(由Testament再版)是那些把西方世界的注意力引向吉列尔斯的唱片之一,还有DG公司录制的布拉姆斯Op116的现场演奏录音,堪与录音棚的沉着冷静相媲美。
吉列尔斯音乐迷们能够欣赏到他为RCA录制的柴可夫斯基《第一协奏曲》和布拉姆斯的《第二协奏曲》,这两部作品尽管不是最重要的录音,但很有趣味。舒伯特的《D大调奏鸣曲》D850(RCA)也是被称作“权威演奏”的第一批在美国录制的作品之一,展现出吉列尔斯高超的技艺。
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2014-06-17    16:10
阿什肯纳齐 - [音影]
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弗拉基米尔·阿什肯纳齐(Vladimir Ashkenazy,1937-),冰岛籍前苏联钢琴演奏家,现任拉赫玛尼诺夫协会会长。

弗拉基米尔·阿什肯纳齐(Vladimir Ashkenazy,1937-),冰岛籍前苏联钢琴演奏家
1937年7月6日生于莫斯科附近的高尔基(Gorki)。4岁开始学习钢琴。6岁时,他进入正规学习,7岁就能由学生管弦乐团协奏演出海顿的协奏曲,可以说得上是具有惊人才能的儿童。8岁在莫斯科公开演出,9岁进入莫斯科中央音乐学校,师从塞巴蒂安(Anaida Sumbatian)。
1955年,获第五届肖邦钢琴比赛第二名。(第一名是哈拉谢维兹,第三名是傅聪)当时就有评委提出异议,认为对阿什凯纳齐不公平,米凯兰杰利(Arturo Benedetti Michelangeli)等人甚至因此而辞去评委以示抗议。同年升入莫斯科音乐学院本科,师从钢琴家奥博林(Lev Oborin)。
阿什肯纳齐

阿什肯纳齐

1956年,又获得比利时伊丽莎白女王钢琴比赛一等奖。随后赴比利时、东西德、美国、加拿大各地旅行演奏。英国EMI公司及苏联的旋律唱片公司都发行了他的唱片,这时的阿什凯纳齐已在国内外颇有名气,但他还是继续在莫斯科音乐院攻读。后来由于他表示了对在当时苏联被认为是离经叛道的现代派音乐、绘画的好感,被当局禁止出国3年。

2人物经历编辑

1960年他从莫斯科音乐学院毕业,已经跻身国际著名钢琴家之列。不久,他与同班的冰岛留学生、曾参加过1958年第一届柴可夫斯基国际钢琴比赛的女钢琴家托伦(Thorunn Johannsdottir)结为伉俪。
1962年参加第二届柴可夫斯基钢琴比赛,与奥格登并列冠军。次年定居伦敦,不久移居冰岛。
1970年代后,开始活跃指挥台上,曾担任爱乐乐团首席客座指挥、皇家爱乐爱团音乐总监、克利夫兰乐团首席客座指挥和柏林德国交响乐团首席指挥和音乐总监等。此外以客席的身份指挥过许多知名乐团,包括柏林爱乐乐团波士顿交响乐团洛杉矶爱乐乐团、旧金山交响乐团、费城和阿姆斯特丹音乐厅管弦乐团等。
1978年移居瑞士的卢塞恩(Lucerne)。最后后定居英国,并加入英国国籍。
1998年出任捷克爱乐乐团首席指挥,后还兼任欧盟青年交响乐团的音乐总监、日本 NHK 交响乐团音乐总监。
1999-2000演出季正值“天鹅绒革命”十周年,在此期间,他和乐团出现在欧洲、日本、美国和南美,演出代表乐团历史和文化特征的保留曲目——从莫扎特、马勒到克拉萨、雅纳切克以及马丁努。

3评价编辑

2000-2001演出季,他们继续了在全欧的广泛巡回演出,其中包括伦敦的巴比肯中心和逍遥音乐会,维也纳、鲁塞恩、德国和希腊。他曾5次以钢琴家指挥家的身份访问中国。
阿什凯纳齐是俄罗斯钢琴学派的杰出代表,他的演奏音乐性细腻,音色华丽透明,乐句优雅流畅,处理细腻。人们从他所弹奏的技巧绝伦的钢琴练习曲中可以发现他那惊人的技艺和高深的造诣。他可称为能完满再现李斯特绝顶技巧的权威。他演奏的曲目范围很广,包括:柴可夫斯基拉赫曼尼诺夫斯克里亚宾普罗科菲耶夫以及肖邦的钢琴曲。

4大事记编辑

1937年7月6日出生于前苏联的高尔基城,
1954年获肖邦国际钢琴比赛二等奖,
1956年在布鲁塞尔伊丽莎白女皇国际钢琴比赛中获金质奖章。
1962年曾并列莫斯科柴科夫斯基国际钢琴比赛第一名。次年定居冰岛,现住英国。
1989年他被聘为柏林广播交响乐团(后改名为柏林德意志交响乐团)的首席指挥,他也是伦敦皇家爱乐乐团的音乐总监,和他们演奏以萧斯塔科维奇和柴科夫斯基为主的俄国音乐;他也是克里夫兰管弦乐团的客席指挥;也指挥阿姆斯特丹皇家大会堂管弦乐团。

5获奖荣誉编辑

阿什肯纳齐为现任拉赫玛尼诺夫协会会长

演奏奖:

弗拉基米尔·阿什肯纳齐,林恩·哈雷尔&伊扎克·帕尔曼《贝多芬:钢琴三重奏全集》(1988年格莱美奖)
弗拉基米尔·阿什肯纳齐,林恩·哈雷尔&伊扎克·帕尔曼《柴科夫斯基:a小调钢琴三重奏》(1982年格莱美奖)
弗拉基米尔·阿什肯纳齐&伊扎克·帕尔曼《贝多芬:小提琴奏鸣曲》(1979年格莱美奖)

独奏奖:

弗拉基米尔·阿什肯纳齐《肖斯塔科维奇:24首前奏曲与赋格,Op. 87》(2000年格莱美奖)
弗拉基米尔·阿什肯纳齐《拉威尔、夜之加斯帕、为死公主而作的帕凡舞曲、高贵而感伤的圆舞曲》(1986年格莱美奖)

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2014-06-17    16:08
库贝利克 - [音影]
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拉斐尔·库贝利克(Rafael Kubelik)生于捷克比霍里,其父扬·库贝利克是著名小提琴家、作曲家。1928-1933年就学于布拉格音乐学院,次年即指挥捷克爱乐乐团首次登台。此后至1936年他经常指挥乐团为父亲演出其六首小提琴协奏曲的其他小提琴和乐队曲伴奏1936-1939年任捷克爱乐乐团执行指挥,1942年升任艺术总监。1948年捷共接管政权时,库贝利克正在英国参加爱丁堡音乐节,由此脱离捷克,次年赴美国指挥芝加哥交响乐团。1955年就任柯文特花园歌剧院音乐监督,1957-1958年指挥纽约爱乐乐团。1961-1979年间出任巴伐利亚广播交响乐团首席指挥。

⊙ DG 447 412-2
德沃夏克:第八、九交响曲(柏林爱乐乐团
⊙ DG 457 712-2
⊙ CBS M2YK 45680
舒曼:第一、三交响曲(巴伐利亚广播交响乐团
⊙ DG429 183-2

2指挥风格编辑

有人在形容库贝利克走上舞台将要指挥时的情形时说到:“他从侧幕旁走出来,给人的感觉是身材高大、头发蓬松、衣着松散,他总是带着一副和善的面孔,使人看上去更像是一位心不在焉的教授,而不像是一位威严的指挥家,人们看到他高矗在指挥台上,用拳头紧攥住指挥棒,在乐队已准备好的时候,忽然地一挥手,在一个重拍下来之后,音乐便不停顿地喷发了出来..。”这就是库贝利克,一位气宇非凡的艺术家,更是一位修养深厚的指挥大师,虽然人们从外貌上并没有感觉到这一点,然而从他的每一个举动中,都是会给人们带来这种印象的,特别是当他正在指挥乐队演奏时,那奔腾不泄的音乐,便会将这一切都尽情地展现在人们的面前。

3人物生平编辑

拉斐尔·库贝利克于1914 年出生在捷克的皮霍里。他的家庭是一个典型的音乐世家,父亲扬·库贝利克曾是19 世纪末到20 世纪初的世界著名小提琴家,在当时是著名的塞夫契克小提琴学派的代表人物。拉·库贝利克出生在这样优越的家庭音乐环境中,确实获得了许多使他终身受益的因素。他从14 岁开始进入布拉格音乐学院中学习钢琴、小提琴、指挥和作曲。19 岁从音乐学院毕业以后,便于第二年与捷克爱乐乐团合作进行了首次登台指挥。在其后的两年多的时间里,他多次随父亲外出旅行演出,并指挥乐队为他的父亲伴奏。 1936 年,22 岁的库贝利克担任了著名的捷克爱乐乐团的指挥,正式开始了他一生繁忙的指挥艺术生涯。在这个举世闻名的大乐团中工作了三年以后,库贝利克接到了布尔诺民族歌剧院的聘书,并于1939 年至1941 年担任了这家歌剧院的常任指挥。 1941 年以后,库贝利克重返捷克爱乐乐团,与上次不同的是,这回他已是这个乐团的首席指挥了。库贝利克在这个乐团中整整工作了七年,为这个历史悠久,又具有着光荣传统的乐团的继续发展,起到了十分重要的作用。 1948 年,库贝利克辞别了祖国,来到了大洋彼岸的美国。在美国,库贝利克进行了广泛的活动,力图在这里显露出他的指挥才华,1950 年,他终于如愿以偿,上任担任了三年美国芝加哥交响乐团的常任指挥。然而就在他在美国展开他的活动范围之后,英国著名的皇家科文特花园歌剧院又向他频频地招手了,这使得他于1955 年重又回到了欧洲,担任了这家在世界上与斯卡拉歌剧院齐名的大歌剧院的常任指挥,在这段时期里,库贝利克指挥该院演出了大量的歌剧作品,其中还包括许多具有纪念性意义的演出,比如他曾指挥该院在英国首演了雅那切克的歌剧《耶努法》和柏辽兹的歌剧《特洛伊人》,而这些重要的活动经历,都使得他逐步获得了越来越广泛的世界声誉。 1961 年,库贝利克又来到了德国,在这里,他担任了另一个著名乐团——慕尼黑巴伐利亚广播交响乐团的常任指挥,他在担任这个乐团的常任指挥期间,曾多次率领该团出国访问演出,为这个乐团赢得广泛的世界影响,起到了不可低估的作用。到了20 世纪的70 年代,库贝利克又开始重返美国,他在1971 年到1974 年间担任了纽约大都会歌剧院的常任指挥,他在就职以后,力尽艰辛,克服了重重的困难,终于使这个剧院恢复到了正常的轨道上来。 1974 年,库贝利克辞去了大都会歌剧院音乐指导和常任指挥的职务,来到了位于中欧的瑞士,并最终加入了瑞士国籍。此后,库贝利克又以捷克—瑞士双重指挥家的身分,继续活跃在国际音乐舞台上。

4成就及荣誉编辑

热衷指挥事业

库贝利克的名字对于专业音乐工作者和音乐爱好者来说应该是并不陌生的,他是20 世纪中非常活跃和有影响力的著名指挥家。除了以上提到的那么多一流乐团的音乐指导与常任指挥以外,他还是一位异常繁忙的世界性客席指挥,在他的指挥生涯中,曾经担任过包括欧美各国和世界上其它国家和地区的交响乐团的客席指挥,足迹遍布之广是使很多人都望尘莫及的,因此有的资料上曾说他在客串指挥方面是仅次于卡拉扬的第二号人物,这种说法准确与否我们先另当别论,但他是20 世纪中最繁忙的客席指挥之一,则是肯定无疑的了。
库贝利克是老一辈指挥家中精力充沛式的人物。他那高雅的艺术趣味和极有吸引力的气质,一直是被后代的青年指挥家们奉为榜样的,而在专业素质上,他也是有着十分突出的特点的人物。他有着高度的艺术鉴赏力、敏锐的音乐感受力以及清晰明快、自然稳健的风格和特点,人们在聆听他指挥演奏的作品时,以上的特征便会随着音乐的进行而极其自然流畅地表现出来。

家庭背景

人们都说库贝利克是一位艺术修养既高雅又全面的艺术家,而这些不平凡的气质首先要归功于他那音乐世家家庭中的优雅的音乐环境的直接熏陶和影响,库贝利克的家庭是捷克有名的音乐世家,这个家庭曾经诞生过捷克历史上重要的音乐家,如果翻开捷克音乐史仔细观察的话,在那记载着斯美塔那德沃夏克雅那切克和苏克、塞夫契克等音乐大师的史册上,同样也端庄地记载着扬·库贝利克和拉·库贝利克的名字。他们父子二人,早已成为捷克音乐界中的重要人物而受到人们的尊敬和爱戴了。
大凡现代的指挥家们,一般都受到过托斯卡尼尼和富尔特文格勒的影响,有的偏重于前者,有的则倾向于后者,库贝利克在这方面也不例外,但从他的风格上来看,似乎更接近于富尔特文格勒。他是一位“音乐性”很强的指挥家,有时常在指挥时表现出令人惊讶的主观即兴风格,甚至于在屡次指挥同一作品时很少有相同的时候。然而他指挥演奏出的音乐的那种流畅与雅致的特性,往往能够给人带来十分醒目的印象。当然也有的评论家认为他的指挥缺乏深度和强度,其实这也只是观察的角度不同罢了。

双料指挥大师

库贝利克和许多人一样,也是一位集指挥家和作曲家为一身的双料指挥大师。作为指挥家,他曾取得了享誉世界的名声,而作为作曲家,他的才华也是广为人知的,据说这方面的才能他还是在布拉格音乐学院作学生时就已显露出来了。他从音乐学院毕业以后,就曾先后创作了许多各种体裁形式的音乐作品,其中包括两部交响曲、一首钢琴协奏曲、一首大提琴协奏曲、一首小提琴协奏曲,此外还有许多室内乐作品,一部歌剧《维罗尼卡》以及为悼念他的父亲而作的安魂曲等等。

指挥作品范围

库贝利克是一位指挥作品范围很广的指挥家,他既能指挥歌剧,也能指挥交响乐和其它体裁的音乐作品,从曲目的时代和风格上来看,他还是更善于指挥古典主义和浪漫主义的作品,其中特别擅长指挥戏剧性较强的作品,当然,在对待他的祖国的作曲家的作品方面,他的演释就更具有权威性了。从总体上来看,他对贝多芬柴科夫斯基斯美塔那德沃夏克雅那切克马勒等人的作品,有着更加精湛的理解和演释。

5社会评价编辑

库贝利克是生于20 世纪,长于20 世纪,活跃于20 世纪的指挥大师,他对世界指挥艺术所做出的巨大贡献也是在20 世纪中,因此他可以说是最为典型的20 世纪的优秀音乐家。他那精美的指挥艺术,也已被20 世纪的先进录音技术录成了高质量的唱片而成为人们悉心保存的珍品了,然而这种保存绝
不仅仅局限在20 世纪,相信到了下一个世纪,它仍旧会被人们认为是最为有价值的指挥艺术文献而受到人们广泛重视。

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2014-06-17    16:05
穆拉文斯基 - [音影]
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穆拉文斯基(Eugene Mravinsdy,1903—1988),前苏联指挥家,是20世纪世界最重要的指挥大师之一,21岁入列宁格勒音乐学院,学习指挥和作曲;1931年即任列宁格勒基洛夫歌舞剧院副指挥;1938年在全苏指挥比赛中获头奖,被聘为列宁格勒爱乐乐团的常任指挥达40多年,使该团成为世界屈指可数的著名乐团之一;曾获社会主义劳动英雄、苏联人民艺术家等称号;穆拉文斯基指挥的曲目极为广泛,尤擅指挥肖斯塔科维奇柴科夫斯基的作品;他的指挥风格稳重果断,精密严谨,处理乐曲富有清晰的层次与健康明快的色调

穆拉文斯基(Eugene Mravinsky;俄语 Евгений Александрович Мравинский,1903年6月4日-1988年1月19日),是原苏联(俄罗斯)最重要的指挥家之一,1903年
出生在俄罗斯圣彼得堡市,1922开始在马林斯基剧院参加民族舞演出,同时担任芭蕾舞学校的钢琴伴奏。
1924年入圣彼得堡音乐学院(十月革命后更名为列宁格勒音乐学院),师从著名指挥大师高克学习指挥,1933年毕业后,在马琳斯基剧院担任助理指挥。直到1937年,受肖斯塔柯维奇的邀请(穆氏与肖氏在音乐学院学习时,就已是好友),临危受命指挥列宁格勒爱乐乐团首演了肖氏最著名的交响曲——第五交响曲之后,一炮而红。并在1938年夺得全苏指挥大赛最高奖,同年被列宁格勒爱乐乐团(现更名圣彼得堡爱乐乐团)聘为首席指挥,这一职位,穆拉文斯基一直担任到自己过世为止。
在这50年里,这位传奇的指挥家将乐团带至世界领先水平,创造了传奇一般的辉煌成就。 但是因为冷战,他和乐队到西方巡回演出很长时间内都没有实现,在他担任首席指挥的40多年里,仅在国外举行了30多场音乐会,在西方录制的唱片就更是少之又少,但几乎每张都是传世经典,随着苏联解体,俄罗斯对外开放,穆氏在苏联国家唱片公司的黑胶唱片被转制成CD后,世界才慢慢了解到其艺术成就 

(9张)
 
1954年,他获得“苏联人民演员”的称号,1963年成为列宁格勒音乐学院教授(后任院长),1973年又获得“社会主义劳动英雄”的称号。穆拉文斯基在列宁格勒爱乐乐团的任期一直延续到1982 年,前后历时40 余年。直到逝世之前,他都保持着与这个乐团亲密无间的特殊关系。在他任职期间,除了极少数例外情况,他几乎将自己的指挥活动完全限制于这个乐团,这在世界上也是绝无仅有的现象。
在他的培养和训练下,这个乐团建立起一种特别富于俄罗斯传统的合奏方式,毫无矫饰造作之感。这是典型的俄罗斯音乐,同时又融入了穆拉文斯基特所特有的洗练和清澈。乐团演奏中的织体极为明净,结构严整。在音乐的演绎方式上,穆拉文斯基特别强调尊重作品的原意,一切都按照乐谱所标示的那样去做,避免过多的个人理解而使音乐的表现出现偏颇。在他的指挥下,列宁格勒爱乐乐团俄罗斯传统曲目方面成为众口一致的最佳表演者。
穆拉文斯基指挥了几乎所有肖斯塔柯维奇的作品首演。他与肖斯塔柯维奇的友谊一直保持着,直到20世纪60年代因为政治原因而破裂。肖氏的第八交响曲就是献给穆拉文斯基的。
穆拉文斯基的最高成就在于对柴科夫斯基肖斯塔科维奇这两位作曲家的探刻理解与精美途释,而他对柴科夫斯基最后3 首交响曲的解读,旁人几乎无法超越。

2人物成就编辑

穆拉 

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文斯基的最高成就在于对柴科夫斯基肖斯塔科维奇这两位作曲家的探刻理解与精美途释,而他在60年代,穆拉文斯基指挥列宁格勒交响乐团在伦敦和维也纳录制的 柴可夫斯基第4、5、6交响曲(DG双张,cd编号419 745-2 )旁人几乎无法超越(个人认为穆氏这个版本对柴可夫斯基最后三首交响乐的诠释可以说是完美的,在这张录音里体现了彼得堡爱乐热情奔放的演奏风格,乐队的音色理念和德奥系乐团完全不同,给人一种完全不同于一般的音响效果,令人拍案叫绝;在这张唱片里,我们可以听到最柔美的弱和最富有力量的强),这套唱片是古典音乐录音历史上的经典之作,至今仍是后世之楷模。
综观其一生,穆拉文斯基最大的功绩就是造就了一支世界一流的乐团:前列宁格勒爱乐乐团(现圣彼得堡爱乐乐团)。
这支乐团气质之好、音质之纯、演绎之优、音色之清、音响之佳、气魄之大、感染力之强,完全可与世界上任何超级乐团相媲美,而这了不起的成就正是穆拉文斯基一手训练出来的。
穆拉文斯基还是前苏联当代音乐作品的积极推广者,特别是肖斯塔科维奇的交响曲多半是由他指挥前列宁格勒爱乐乐团首演,如第五交响曲》(1937年) 、《第六交曲》(1939年) 、《第八交响曲》(1943年) 、《第九交响曲》(1945年) 、《第十交响曲》(1953年) 、《第十二交响曲》(1961年)等。

3人物生平编辑

家庭背景

穆 

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拉文斯基生于一个贵族家庭,家族的先人们曾在拿破仑战争中为沙皇效过力。穆拉文斯基家族有音乐传统,他的姑妈,耶夫金尼娅 姆拉文娜曾是马琳斯基歌剧院的首席女高音,在里姆斯基哥萨克夫的一部歌剧首演时担当女主角,曾经令得柴可夫斯基嫉妒十分。因为姑妈的身份,六岁的穆拉文斯基常有机会去马琳斯基歌剧院观看演出。据说他是在埃米尔 库帕的指挥棒的激励下走上指挥之路的。
布尔什维克革命时期,贵族的家庭成员被禁止进入音乐学院学习。穆拉文斯基的另一个姑妈,亚利山德拉 寇隆苔(ALEXSANDRA KOLLONTAI)是革命政府的福利部长,她向亚历山大 哥拉祖诺夫(ALEXSANDER GLAZUNOV)推荐了她的侄儿,穆拉文斯基才能够被“保送”进入音乐学院学习。师从尼古拉 玛尔寇(NIKOLAI MALKO)和亚历山大 高克(ALEXSANDER GAUK)。高克培育出了整整一代的指挥家, 他的老师是亚瑟 尼基什(ARTHUR NIKISCH)。

指挥生涯

穆拉文
穆拉文斯基(1903—1988)

穆拉文斯基(1903—1988)

斯基的音乐指挥生涯始于马林斯基歌剧院,马琳斯基歌剧院后来被重新命名为国家歌剧舞剧学院大剧院。一九三一年夏天音乐学院毕业后,他首次亮相就与列宁格勒爱乐交响乐团合作。一九三四年之后,他常到乐团担任客座指挥。一九三七和一九三八年音乐季的开幕式上他被委以指挥的重任;该音乐季的晚些时候,时值斯大林肃反运动的高峰,他首演了肖斯塔科维奇的第五交响曲。此次音乐会意义非同凡响,对观众来说,肖斯塔科维奇的第五交响曲是在描述他们的生活,他们的经历和他们内心的恐惧。由于当时肖斯塔科维奇受到报纸头版的指责,演出他的曲目似乎是在要求穆拉文斯基为其平反并使其得以新生,成功与否,就看穆拉文斯基如何指挥了。演出取得了巨大的成功,观众群情激昂。曲目进行到广板的时候,男人和女人们都放声哭了。曲近结束,观众们再也坐不住,他们站起来,跟随着穆拉文斯基的指挥棒在头顶挥动的节拍,用暴风骤雨般的掌声和乐队一起完成了曲目最后的音符。
我们应该感谢他二十世纪五十年代中期的巡回演出和录音,直到那时,穆拉文斯基才被西方所了解(虽然他只有一次造访过英国和美国)。他对乐团巡回演出时的要求十分简单:“在外演出应该比在家好。”他的许多录音大都是巡回演出的实况录音;在布达佩斯演出了巴托克,在柏林演出了勃拉姆斯和贝多芬,在维也纳演出了莫扎特和布鲁克纳。然而,一九五六年出访时演奏的柴可夫斯基交响曲是他被公认最好的诠释。 彼得 赫沃兹(PETER HEYWORTH)在观察家报上如是说:“他的解读带有超常的力量和激情… 一种在西方的诠释里找不到的令人叹服的宏大。”维也纳日报报道说:“列宁格勒爱乐乐团是最高级别的乐团… 耶夫捷尼 穆拉文斯基是这个乐团的伟大的指挥和导师。”正是在这种气氛下,德意志留声机(DEUTSCHE GRAMOPHON)唱片公司为穆拉文斯基录制了柴可夫斯基的交响曲。穆拉文斯基是无法比拟的,其他的录音相比之下显得缺少悲凉感,力量感,情绪的把握尺度和令人折服的才能。

指挥曲目

穆拉文斯基的演出曲目十分广泛,核心曲目主要有贝多芬、勃拉姆斯、布鲁克纳、柴可夫斯基和肖斯塔科维奇的交响曲。他也演出过亨德尔巴赫和瓦格纳的序曲,交响曲以及格拉祖诺夫的芭蕾音乐,和一些不出名的苏联作曲家的曲目。穆拉文斯基有效地为许多作曲家讲出了俄罗斯表演传统的精确含义,例如布鲁克纳、巴托克、欣德米特、斯特劳斯、普洛克非耶夫以及斯特拉文斯基。

现场录音

穆拉文斯基现存的录音大都为现场录音。他演奏的莫扎特,贝多芬,勃拉姆斯或西贝柳斯让我们能更加清楚地了解他对音乐制作的用心良苦。听者仿佛觉得自己置身于整个的创造过程之中,如同在欣赏一个前无古人,后无来者的音乐一般。当然,一九三八年到一九六一年期间,穆拉文斯基也在录音棚里录音,但他却始终认为给现场的听众演出是神圣的,录音棚出来的音乐在听众与乐队之间横着一个不受欢迎的障碍。
那么,他的音乐会又是如何呢?罗杰斯特文斯基(GENNADY ROZHDESTVENSKY)回忆起在斯克里亚宾的狂喜之诗的争战之后观看穆拉文斯基的演出时的情景时说:“情绪酝酿渐入结局的时候,我情不自禁地站了起来,在这个辉煌而且震撼的高潮中,一种莫可名状的喜悦油然而生。”
一位听过穆拉文斯基现场的音乐学院的教师-爱拉 芭露察埃娃回忆当年在列宁格勒现场聆听穆拉文斯基指挥的柴可夫斯基的《胡桃夹子》套曲时说:“这简直整个是个全新的曲目呀!效果太震撼了!”
关于布鲁克纳的第九交响曲,她说:“这个伟大的柔板令我周围的听众泪流满面。”每一次演出都有不同的解析,穆拉文斯基的一位学生,马理斯 杨森斯 (MARRIS JANSONS)曾这样描述说:“我听过三种完全不同诠释的第五交响曲。”(注:肖斯塔科维奇的作品)
穆拉文斯基的协奏曲录音并不多,最常见的两首协奏曲目是柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》和肖斯塔科维奇《第一小提琴协奏曲》。穆拉文斯基一共留下了三个柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》录音,分别是同谢列布里亚科夫(53.1.6)、里赫特(59.7.24)和吉列尔斯(71.3.30)。则其中最为人所熟知的是同里赫特合作的录音。这款录音多次出版(目前已经有超过80款出版),是穆拉文斯基发行最多的唱片。穆拉文斯基是肖斯塔科维奇《第一小提琴协奏曲》的首演指挥(同奥伊斯特拉赫合作),对这部作品的演绎具有天生的权威性。目前已知穆拉文斯基有两款肖斯塔科维奇《第一小提琴协奏曲》录音,都是同奥伊斯特拉赫合作。一款录制于56.11.30,乐队是列宁格勒爱乐。这款录音效果比较差,更好的选择是57.5月在布拉格的录音,乐队是捷克爱乐。Praga PR 256012收录了这一录音。

音乐之友

穆拉文斯基与肖斯塔科维奇交往甚密。第五交响曲取得成功之后,第六和其他一些交响曲的首演都交给了穆拉文斯基。虽然穆拉文斯基没有在首演指挥肖斯塔科维奇的第七,第十一和第十五交响曲,但肖斯塔科维奇说穆拉文斯基指挥的那些曲目才是“真正的”首演。他们之间的友谊使得穆拉文斯基能够深入地探察到作曲家的创作心理过程,与其说穆拉文斯基能够诠释作曲家的作品,不如说他是该世纪最富有悲剧性交响曲的共同创作人之一。
穆拉文斯基崇拜肖斯塔科维奇,他把肖斯塔科维奇的作品当作他事业的最重要的一个部分。后来根据资料发现,穆拉文斯基的妻子患有不治之症,将不久于人世,穆拉文斯基在三年的时间里没有做巡回演出,并谢绝了肖斯塔科维奇第十三交响曲的首演。

政治立场

令人不可思议的是,他居然从来就没有加入任何政党,从不向权贵折腰。他拒绝在谴责流亡作家索尔仁尼琴(SOLZHENITSYN)的信上签字,为此穆拉文斯基付出了代价,有好几年的时间他被禁止出访。他反对反犹主义,并坚持录取犹太人在乐团里担当高位。当他被质问为什么许多乐手们离开他的乐团去以色列时,他的回答是,“他们的离开不是因为我,而是因为你们和你们的政策!”

指挥风格

穆拉文斯基的指挥风格与弗里兹·莱纳(FRITZ REINER)或乔治·塞尔(GEORGE SZELL)有些近似,不矫柔造作,注重细节并且指挥的动作很小。因为力度表现的灵活性和声音的平衡,他的指挥而与众不同。有时候很直接并且严厉,由于乐曲中哲学的线索使得说服力极强。
穆拉文斯基被认为是个疯狂的排练者,即便是很熟悉的曲目,他也要排练八到十次。有时,他花了整整一年的时间研究一个曲目,最终他还是放弃演出。

个人生活

穆拉文斯基热爱大自然和上帝,生活俭朴,喜欢把自己的私人时间用在山乡田野之间。他的这种特性在他的高贵的音乐中处处可见;此外,众多的指挥名家,如阿巴多(ABBDO),塞尔吉乌·切利比达奇(CELIBIDACHE),马克维奇(IGOR MARKEVITCH),马泽尔 (MAAZEL),穆蒂(MUTI),朱里尼(GIULINI)都承认他们向穆拉文斯基学习了很多。他是他那个时代的传奇也是整个时代的传奇。 [1] 

4经典录音编辑

柴可夫斯基第4—6交响曲(DG唱片公司)

1960
穆拉文斯基(柴可夫斯基4—6交响曲)

穆拉文斯基(柴可夫斯基4—6交响曲)

年9-11月间,出访西欧的穆拉文斯基在伦敦的温布里镇为DG公司录制了老柴的后三部交响曲,唱片史的老柴一章却因此翻开了辉煌一页。
这套双CD唱片收录俄罗斯指挥大师穆拉文斯基指挥列宁格勒爱乐乐团演奏的柴可夫斯基第4、5、6交响曲——这个版本本公认是正宗原汁原味的俄罗斯演绎,令无数人趋之若骛。
CD时代,三首作品做成两张套正价片成为DG的镇山之宝,它的封面绿色一片,淡淡的穆氏侧面肖像浮雕般泛出庄严和沉静。有一点是可以肯定的,这套唱片创下了穆氏录音的音效之最,甚至连他80年代在ERATO的那些唱片都无法匹敌,而且,60年代的列宁格勒爱乐无疑正处于颠峰期。冷战武器恰恰依赖于对手的技术获得完美再现,其中寓意颇为深远。
如果把这套唱片一口气听下来,你也许会同意,它毋宁说是一部宏大的连成一体的巨型交响曲,激烈、严酷的凌驾于乐队之上的铜管呈现,乐队的外形不是上扬而是水平的铺展,音调的宽阔柔厚几近人声,速度、强弱、节奏的变化惊人的自如而迅猛。
那种风格高度统一的演奏,很自然地使人想到,老柴以呈现内心世界矛盾为要旨的后三部交响曲,乃是一个同质不同形的
穆拉文斯基(柴可夫斯基4—6交响曲)

穆拉文斯基(柴可夫斯基4—6交响曲)

心灵投影的三重叠加,第四里狂暴的命运击打顺利地被转移,第五里的命运消解相对阴郁无望,自我排解的味道浓了,第六则是夸张到极点的第三次书写,惊天动地的挣扎成了这次书写的主导印记,整个三部曲构成一个神经质的理想主义者的幻灭之路,但其惊人的雄强和紧迫,让幻灭如此靠近崇高,让沉痛如此靠近绚烂,又让告别如此靠近再生,这不能不说是一种奇迹。
有趣的是,当我不再沉迷于第四的末乐章癫狂的推进,不再为第六首乐章后半段的呼天抢地而震颤的现在,我无法忘怀的反而是这套录音的柔软部分,比如第四次乐章的双簧管吟唱,第五次乐章的圆号书怀,而第五的圆舞曲乐章弦乐起奏和第六首乐章第二主题亮相的片刻弱奏,那种声音宛若消散渗透于空气中缓缓飘进心田,决非常见的静静传递,这时的穆拉文斯基,才是真正难以企及的。DG的录音师卡尔-亨茨·施耐德捕捉了穆氏军团最细微的温情表达,此后,这样高质量的技术支持再没有在穆氏身边重现。
1955年穆拉文斯基出访维也纳,在DG也录有一套老柴后三,其中的柴四出自助理桑德林之手,比之于绿色柴四,桑德林的演绎温和而留有余地,而穆氏60版的柴四强调的则是音乐的锋芒和张力,音乐形象更接近一个笑傲万里冰封的冬之神;穆氏55年的柴五、六,与60版比较结构上没有特别显著的区别,音效不及之故,音乐呈现的完满程度略打折扣。
穆拉文斯基(柴可夫斯基4—6交响曲)

穆拉文斯基(柴可夫斯基4—6交响曲)

个1995年发行的大禾花套装至少表明,穆氏对一部作品一旦形成自己看法,那么他的诠释就基本上被固定了下来,他追求的乃是同一方向的一种精益求精。  
总而言之,这个录音是柴可夫斯基交响曲的一种典范,相信再过百年也不会改变。
E时至今日,历史上只有五张唱片曾经同时登上日本究极100、日本名曲300、企鹅三星带花与留声机百大这四份权威榜单,这张就是其中之一;同时这套唱片还曾获得1988年爱迪生唱片大奖、1990年Penguin Rosette Award。

20世纪指挥家系列(EMI唱片公司)

莫扎特
20世纪指挥家系列(穆拉文斯基)

20世纪指挥家系列(穆拉文斯基)

唐璜》序曲、布鲁克纳:第7交响曲(1833版本,穆拉文斯基改编)、海顿:第88交响曲、柴可夫斯基:弗兰切斯卡·达·里米尼、格拉祖诺夫:第5交响曲
演奏:列宁

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