图谋不轨

比你的梦更属于你自己的东西是没有的。尼采

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2016-01-23    19:48
郑孝胥书法作品 - [影响]
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郑孝胥书法作品 - wangchangzhengb - wangchangzhengb的博客

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2013-02-03    11:35
格哈德·里希特的绘画 - [影响]
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1932年出生于德累斯顿一个知识分子家庭。1951年-1956年就读于德累斯顿艺术学院;1961年-1963年在杜塞尔多夫国立艺术学院深造,毕业后在该校任教;1971年起被聘任为教授,在那里执教至1994年退休。1997年获47届威尼斯双年展大奖,2002年—2003年“格哈德·里希特:绘画40年”的大型回顾展在美国的纽约、旧金山、华盛顿、亚特兰大四座城市展出。现居住在德国科隆,潜心进行艺术创作。

  提到德国画家,人们都会把它与表现主义风格相联系,而生于德国、长于德国的格哈德·里希特却是个例外。作为油画家,里希特以其富于生活化的纯粹照片写实和纯抽象的作品,引起艺术界的强烈回响。创新的风格和敏感的题材使他不断在国际上获得大奖。同时,他还成为艺术收藏界炙手可热的人物,他多次名列《艺术指南》(Kunstkompass)在世艺术家世界排行榜的首位,2008年在伦敦苏富比,他的一幅名为《烛》的油画(Candle,1983年创作),以1050万欧元成交,使里希特成为在世德国画家中身价最高的一位。

  这位成功的德国油画家1932年出生于德累斯顿,在上劳西茨地区(Oberlausitz)长大。他16岁时离开学校,当过一段时期的摄影助理,后随着一个业余歌舞团体周游了全国各地,1951年进入德累斯顿艺术学院学习美术。他的毕业作品是一幅社会现实主义风格的大型壁画,现还陈列在德累斯顿德意志卫生保健博物馆里。该作品展示其丰富天才,为他以后成为成功的自由艺术家打下了基础。当时他生活在东德,就意识形态而言,东德和西德还存在较大的差别,多次西德旅行使他对一种另外的、令人激动的抽象表现力所吸引。1959年,里希特从东德去西德观看了第二届卡塞尔文献展。在这次展览中,波洛克和封塔纳的作品深深地震撼了里希特。他开始在自己的画室寂寞地进行其无形式艺术的实验。出于对东德文化方面的状况及不能充分发挥其艺术才能的不满,他于1961年3月与妻子离开了德累斯顿,逃往西德。那年的秋天,他在杜塞尔多夫国立美术学院重新入学,在那儿接受了他的二次教育,他摒弃之前所学,并尝试用新的艺术语言进行创作。

  在杜塞尔多夫上大学时,里希特认识了上世纪60年代艺术道路上的同路人,卢埃格、珀尔克及巴勒莫。1963年以来,里希特和他们几位经常举办展览,共同迈出走向公众的第一步。那时里希特十分重视和其他艺术家的友谊及团结。他曾说:“与思维和我相同的艺术家交流,并组成一个团体对我很重要,否则一个人会一事无成的。我们的一部分理念是在交流中开发的。在此意义上,和其他艺术家的交流,特别和卢埃格与珀尔克的合作,对我来说很重要,它成为我所需要的信息交流的一部分。”

  不久,里希特放弃了最初的非形象画风格,选择了一种独特的创作方法,即照片绘画(Photo-based painting),从上世纪60年代至今,他坚持这种画风。他以照片为基础,但是却不完全重现照片,他通过样板的媒体性质与绘画融合将该距离体现出来。此画法最突出的特征是照相性的灰色及主题的不清晰性,在绘制照片时,经常将两种相互矛盾的手法(粗糙与细致)并置于同一幅作品中。忽略原照片的细节是艺术家经常采用的手段之一,在忽略细节的同时对照片进行模糊化处理。早在1972年,他的作品组“48幅肖像”(48Portraits)就代表前西德德意志联邦共和国参加了威尼斯双年展。这个黑灰色的照相现实主义系列油画作品,展示了他从一本老百科全书中挑选出来的48位作家、自然科学家、作曲家和其他名人进行描绘的画像。

 

在里希特“照片绘画”的画作中,还经常是曝光过度、对焦不准、模模糊糊的,而这种模糊却往往带有不可抗拒的魅力。他并非想在油画中精确展现照片原本的面貌,而是以模糊的图像,在作品中产生某种特性。在他1994年所画的《读报女孩(804)》(1994年)中,乍看画面清晰如同照片,但细看之下,人物的头发、报纸和背景物体,都有虚幻的神秘感。像这样的读报主题他还画过多幅,只是从正侧面转换为背侧面,画中的人与物都模糊不清,到了抽象化的地步。这种模糊并非是一般意义上的虚,而是照片焦距没对准之感。然而这样的摄影作品被画成油画后,却变得非常打动人。这种打动人的力量不仅来自于绘画的技巧,也来自于画家对于素材的选择。从而使观赏者在这些“模糊”的作品前会产生一种时光流逝、人生如梦的疏离感。

  里希特对“平庸”的快照,比对“艺术性”的照片更感兴趣。因为他认为,“艺术性”照片追求的所谓和谐和结构上的效果,在内容上感到贫乏;相反,在平庸的家庭照上却实实在在地洋溢着生命力。1995年他创作的《S.与孩子》系列作品,如同随意按下的快门,显示出私秘性的自然状态,由于色彩的柔和、形体的模糊,充分表现出艺术家天真的本性和内心的敏感度。

  里希特还是一位变化多端的艺术家,上世纪70年代中期,他开始把抽象绘画和照片绘画同时进行创作,平行展开的是另一个抽象世界。这些看上去与他的其他创作格格不入、但又与同期进行的画面不易解读,与唯美温柔的照片绘画比较,显得不相经度。里希特就是这样在具象和抽象之间反复转换,以示他对抽象和具象艺术划分的质疑。

  无论是轮廓不明的速拍式家庭照片绘画,还是尖锐而具有飞速流动感的抽象绘画,都可以隐约地感到艺术家更多地依赖于内心直觉,表现出的绘画特征既精确细致又与之保持距离的风格。1997年格哈德·里希特获威尼斯双年展大奖,当时组委会给他的评语是:“一位经验丰富的、理性的艺术家,其作品将给20世纪留下永远的印象。”这位冷静沉稳自我反省式的油画家,没有大张旗鼓的宣言与盛气凌人的魅力,只有一如既往、天天如此的绘画实践,“我相信绘画”。作为当代艺术的标志性人物,至今还以他多变、多产的作品影响着世界艺坛。(艺术中国)

 


抽象画

 

 

 

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2011-06-16    17:58
丰满的身躯——LEONARD NIMOY 作品 - [影响]
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中国人向来是忌讳展示自己身体的,不雅的定义只能让中国人更加循规蹈矩,缺少自由的放任,和轻松的大胆,尤其是那些傻逼的关于美的俗套定论,不知道害死多少人,不知道害死多少搞摄影的。那一身臭皮囊,算个屁。我爱死这些放浪的人这些大胆的人这些自信的人,让“美”见他妈鬼去吧,美只存在于你的内心,健康快乐就是美。


莱昂纳德·尼莫尔(Leonard Nimoy)曾以《星际旅行》电视节目和系列动画片出名,其终生职业为摄影家。他的作品广泛展览,并且被世界各地收藏。在题为《丰满的身躯》(the full body) 这一主题中,他说道:“美国女性中有超过25%的人体重超标。因此对于这些女性来说,瘦身是一项潜力巨大的产业,而且让许多人充满幻想。”然而摄影家所拍摄的这一主题中的女性,则都在从事“身体解放”和“形体认可”活动,试图挑战占统治地位的理想女性身材,并且出现在媒介和艺术中。

 

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2011-04-14    16:17
细江英公——《写真绘卷》 - [影响]
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‘第二届草场地摄影季阿尔勒在北京活动’4月23日开始,去年的大集看过,热闹,但是期盼的大师却姗姗未到,比较失望。英公细江—《写真绘卷》是今年的期待,从豆瓣转来一篇文字。

日本乃至世界摄影界鬼才,是战后日本的第一代现代摄影教父大师,和暗黑舞踏宗师的大野一雄,波普教母草间弥生并称为日本国宝级人物,是目前日本最有名望的在世摄影大师森山大道的老师。 
  细江英公是一名佛教祭师的儿子,1933出生在日本山行县,不久就被带去东京。纵观他的作品,似乎都有一种梦幻般的感觉,并且以其系列形成独特的风格,增加了画面的神秘色彩;他的和人体相关的画册《男人与女人》(1961年)及其续集《拥抱》(1971年)等,以梦幻的魅力赢得一代人的喝彩。 
  27岁就以《男人和女人》系列出名的细江英公,一直以实验性的方式表现灵与肉的冲突,并且以东方人独有的悟性,超越了一般的世俗生活的羁绊,完成了对人类精神领域的巨大跨越过程。这样一个精神领域空间的探索,是很难诉诸于真实的图像,因此作品所构成的超现实主义梦幻色彩,也是很自然的事。 
   
  真正让他享誉日本的是《蔷薇刑》,一组和日本著名作家三岛由纪夫合作的作品。《蔷薇刑》是日本出版商“讲谈社”指派的一项拍摄任务,开始于1961年9月的某天。当时他被指定去拍三岛由纪夫给“讲谈社”出版的他的第一本评论集做封套和卷首插图——编辑电话告知是三岛由纪夫特别指定他去拍摄的,让他受宠若惊。接下来他先是给三岛由纪夫拍了一些肖像照片,随后在复杂的、精心安排的摄影布景中逐渐发挥,通过三岛由纪夫的身体与肉欲去探讨一个生与死的主题。这些照片以《Killed by Roses》为名在1963年首次发表,并没有引起太大的反响。到了1971年,一位新的图书编辑将它改名为《蔷薇刑》后,情况发生了变化。因为就在这以前的1970年11月25日,三岛由纪夫切腹自杀——也使这部作品一举成名。 
   
  其实正如摄影家所说:“如何用摄影表现自己的记忆,其实是一个很有意思的问题。……摄影无法拍摄过去。但是它可以拍摄事物在时间中的变化,这种事物中存在的变化可以引起一种回忆,……再现一种历史氛围。”这样一种现在的历史氛围,在摄影家的镜头中变幻不定,也因此引起了观众难以诉说的迷惘。当然,作为一个生活在东方的摄影家,他作品中超现实主义的神秘感,还是显得相当含蓄的,但是其中有一种无形的张力,给所有的观众留下了深刻的印象。 
   
  《蔷薇刑》 系列之一 
   
  下面是细江英公就拍摄《蔷薇刑》后的一段自述,也许对摄影家的创作会有更好的了解:  
   
  《蔷薇刑》是作为日本出版商讲谈社指定的一项拍摄任务,开始于1961年9月的某天。我被指定去拍三岛由纪夫为讲谈社将要出版他的第一本评论集做封套和卷首插图。我好奇的是,为什么指派我去完成这么重要的任务,编辑电话告知是三岛由纪夫特别指定我去拍摄…… 
   
  《蔷薇刑》当中的一些作品1962年1月在修女秀组织(the group show Nun)首次展出,此前收录在东京的松山百货公司(the Matsuya Department Store)。在展览开始之前我请三岛给取个标题,第二天他就发来信函,有8个可选标题,其中就有“蔷薇刑”。 
   
  我一眼看中了“蔷薇刑”这个名字。从形式和读音上来看,每一个字的中文含义非常漂亮而且充分表达了内容。Bara意为蔷薇 kei则意为处罚。照字面去理解是“蔷薇的处罚”。经和三岛由纪夫的商议之后,这些作品在1963年1月首次成册出版,英文名定为Killed by Roses。 
   
  我试图通过拍摄三岛由纪夫的身体与肉去探讨一个生与死的主题,但这个想法并不是从一开始就是那么具体。然而,如同三岛由纪夫在他书中的序文所写的那样,主题里最重要的元素是在书中最后的几个章节中呈现出来的。事实上在拍摄过程中我的想法开始一点一点的形成,在拍摄接近尾声的时候我的概念已经清晰的建立起来。整个拍摄过程和概念成形的过程从1961年秋持续到1962年春。当一切具体明确的时候我知道这如同一个婴儿的诞生。我真的想拍三岛由纪夫年幼的儿子,但是知道不可能得到他的允许。然而,他确实允许我带来一个不知名的孩子到他的房间,作为模特配合我的拍摄。 
   
  尽管《蔷薇刑》是关于生与死的纪实,书中提及的对于死的看法直到1970年秋之前都是禁忌。在1970年夏末的时候,我们调整了照片的顺序和布局作为第二版出版。三岛为每个章节挑选标题,并给最后一章节取名为死亡,然后征求我的意见。我马上接受了这些建议,理解所有的这一切也知道最后一个章节的本质是病态。就在这个决定后不久,1970年11月25日,他在一宫的高地切腹自杀了。 
   
  就在那天出版被取消,我丝毫不怀疑他这是对绝对意志的忧虑。《蔷薇刑》新版本的出版是献给三岛由纪夫的安魂曲,在他38岁之际展示了他华丽的肉体和至高有力的身体。这就是三岛由纪夫完美的身体,从不承认肉体的衰退。 


 

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2010-11-30    17:26
控:当代艺术展 - [影响]
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适值21世纪经济报道10周年庆,作为艺术活动之一的“控:艺术与新闻在世纪初当代艺术展”,12月1日将在北京朝阳区光华路5号国际会展中心开幕,我有作品参展,但不能去参加了,真是很遗憾啊。连州摄影展我也去不了了,不知道我的展位什么效果,555~

 

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2010-09-17    01:36
来自不归路——阿尔贝托•加西亚•阿历克斯 - [影响]
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展览《来自不归路》中的80张作品是从西班牙摄影师阿尔贝托•加西亚•阿历克斯多年来的诸多作品中甄选而来。他以诗意的方式记录了长达30年的生活,从马德里到巴黎,再到北京。摄影是他的日常记录和表达方式,把观看的人带到生活的边缘,他以对生命个体的极大尊重,去捕获那些我们鲜有描绘的风景。

他镜头前的主题就是他眼前的生活,他自己,他的朋友,街区的熟人,他居住地的房子以及人行道。镜头下的点点滴滴:恋人、敌人、对抗和亲吻都被艺术家诗意地记录下来。

他的相机就是他一路同行的伙伴,加西亚•阿历克斯用它保持着最传统的摄影方式:以胶片拍摄并亲自在暗房里手工冲印每一张照片。每一帧影像,都呈现出艺术家不羁、洒脱的创作方式,加之手工冲印的过程,这些图片凝固了他的过去,他的时间。而在UCCA的个展,正是对艺术家非凡过往的一次见证。

开始时间: 2010年9月25日 周六 15:00
结束时间: 2010年11月12日 周五 19:00
地点: 北京 朝阳区 798艺术区尤伦斯当代艺术中心

 

 

来自不归路:阿尔贝托•加西亚•阿历克斯短片放映会

9月26日(周日) 19:00,67分钟
10月2日(周六) 19:00,67分钟

《来自不归路》
38分钟.阿尔贝托•加西亚•阿历克斯.西班牙语对白,中英文字幕
《悲伤短片系列》
29分钟.阿尔贝托•加西亚•阿历克斯.西班牙语对白,中英文字幕

结合西班牙摄影师阿尔贝托•加西亚•阿历克斯的展览《来自不归路》,UCCA艺术影院特别呈现加西亚•阿历克斯创作的电影短片作品。展览同名作品《来自不归路》是跟随着艺术家旅行足迹的视觉之旅。片中包含了从1976年到2008年间加西亚•阿历克斯超过200张摄影作品,充满诗意的独白与画面,让人沉醉又迷失。另外由三部影片组成的《悲伤短片系列》,如同自画像反映了艺术家从马德里到巴黎,经历肝脏治疗的旅程。艺术家完成了他对生活和工作的完整勾勒,超越图像的叙述引领我们进入加西亚•阿历克斯的个人世界。

影片梗概
《来自不归路》


38分钟.阿尔贝托•加西亚•阿历克斯.西班牙语对白,中英文字幕

影片跟随着加西亚•阿历克斯的人生足迹,穿越时空完成了一段长途旅行。本片包含了从1976年到2008年间加西亚•阿历克斯的超过200张摄影作品,用连续的画面展示作品,随之从整体上来反映这位摄影师的世界。伴随着充满诗意的视觉画面,加西亚•阿历克斯用诗,他的人生观察,以及那些美好记忆,构成画面外的旁白。影片捕捉了他多次造访北京的情景,他把这座城市看做可以让他迷失从而敞开心扉讲述自己的地方。他的摄影作品既呈现出马德里文化剧变那些鲜为人知的点滴,又讲述着他身边的朋友,以及自己的生活。这是影像与构图的完美结合,是走进艺术家内心的工具,更是他对于电影和图像的理解抽象化和诗意化的奇妙旅程。

《悲伤短片系列》


29分钟.阿尔贝托•加西亚•阿历克斯.西班牙语对白,中英文字幕

《悲伤短片系列》展示了一部迷人的电影短片三部曲,如同一幅自画像反映了艺术家从马德里到巴黎,以及在法国首都经历肝脏治疗的旅程。《我的猎人之魂》回顾了他第一次来到巴黎,一切都奇妙而陌生的点滴。他不会说当地的语言,不认识当地的朋友。加西亚•阿历克斯试图通过这些描述来挖掘自己的内心,聆听不曾听到的心声。《陌生自我》追随着他的足迹回到了他接受肝脏治疗的时期。8分钟的记录充斥着绝望,病态的洞察力,以及极度强烈的意识感知。《三只黑色苍蝇》是艺术家的回归之作,回到故乡他有了重新看待一切的机会。三部短片都以诗意而又统一的方式进行叙述,用柔美而诗语和影像讲述着他的经历和记忆。在影像和韵律的背后,他加入了音乐元素,与文字和图像相承相辅,转变着,伴随着,补充着……在这部三部曲中,加西亚•阿历克斯完成了他对生活和工作的完整勾勒。这是一次超越图像去叙述的机会,是一次深入探究他的生活和工作的机会,对于观众而言,更是一次绝佳的机会去窥探这位艺术大师如此生动,迷人的个人世界。

 

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2009-11-30    18:18
Frank专访 - [影响]
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挺好的,尊重作者不做转载,请这里观看:http://www.rdtonp.com/2009/11/30/interview_frank_w_ockenfels_pt_1/

 

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2009-11-14    12:11
BLANCE 主题摄影展 - [影响]
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时间:2009年11月28日—1月1日
地点:北京朝阳区盛世龙源 国粹苑一号楼1号厅

策展人:那日松  孟美希
主办单位:国粹苑


A.历史的影象
1,贺延光
2、龙的影像——法国著名摄影家阎雷作品
3、历史的现场——中国著名摄影家郑维汉作品
4、革命样板戏经典——中国著名摄影家张雅心作品
5、边城(纯手工纸/铂钯印像)——中国著名摄影家金平作品
C.TODAY
1安光系
2常河
3王建新
4盖玉强
5朱晓兵
D1407
1廖凡
2天空(李伟)
3熊小默          乐土
4刘垣
5朱墨            空语
6陈思然            无题
7 黄京
8王之            区区奇遇
9五者(贾睿)
10吴承欢           肉搏街头
11贺瑞琼.
12庄严
13延子             十分之一
二 人像
1肖南
2李冰
3李达
4裴永宅

 

据策展的美女说,这地方老大了,可是为什么我的参展作品才给做24寸啊,我要一米乘一米的,哈哈~

(驾车:四惠桥下桥,京通快速方向第一个出口出来,直行200米,可见盛世龙源牌坊,进牌坊,直行过小白桥,大约100米)
地铁:(四惠东站下车,过天桥四惠方向回走100米,盛世龙源牌坊下左转直行100米)
)

 

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2009-10-26    16:43
关于鲁夫 - [影响]
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说起Ruff,想起瑞银的那次收藏展,真是过瘾啊,那一排塞尔多夫摄影学派牛逼大师,最近就显得无聊得很,没有这样的展览看了。

还是要转过来杨莉莉的博客上的《客观即减法——论THOMAS RUFF的摄影和新媒体》,保存一下,有很丰富的营养,蛋白质比较多。

 

免费相册

 

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2009-09-14    20:11
光影大师:与当代摄影师对话 - [影响]
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你如何看待分镜图?
Sean Robbitt:我拍戏时一般不管分镜图的事儿,导演爱用就用好了,我会看一下以做参考。但如果为一个年轻的导演拍摄他的处女作,那就很有必要预先画好重要场景的分镜图,这样有备无患,以避免可能会出现的问题。 当然大部分情况下,你不可能严格按照分镜图来拍戏。一旦场景布置好,演员开始表演,所有的事情都改变了——这才是电影摄影最叫人着迷的地方。
 
Billy Williams:我讨厌分镜图,因为你根本不可能把它照搬到镜头里。早年我拍电影的时候,没有人用这玩意。艺术范儿的导演一般都不爱画分镜图。我觉得它只有在拍战争场面的时候能派上点用场。与其机械地画分镜图,不如让演员多走几次位,根据排演的情况判断应该把摄影机放在哪个角度,如何构图。
你更喜欢用哪种介质拍电影——传统的胶片还是数字高清?
Karl Walter Lindenlaub:我对数字高清持保留态度,我知道这是一股无法抵挡的趋势,但是它的确会带来很多弊病,我们不能盲目地标新立异,追逐新潮,而忘掉了自己的本行。电影艺术和技术发展了一个多世纪,现在的各种类型的摄影机和胶片完全能够满足摄影师的需求。我没有拍过任何高清电影,而且就我的经验来说,胶片电影的质感无疑要好一些,而且更易操作。这是一个甚嚣尘上、鱼目混杂的嬗变时期,等着吧,时间终会证明一切。
 
Cesar Charlone:我近几年拍的电影都用到了高清技术。《上帝之城》是我第一次完全用数字高清来拍摄电影。我并不排斥数字高清,只是在适当的时候拿来为我所用,拍《教宗的洗手间》时,我就同时用了16毫米和35毫米的胶片,Mini DV和VHS格式,只是后期混音时比较麻烦。后来拍《不朽的园丁》时,剧组给我在伦敦准备的工作室看起来特别像电台DJ的演播室,一大堆电脑和各种各样的机器。我常常自嘲说现在摄影师都不用光影作画,改用鼠标了。
     如果你拍摄时使用过多的机器和设备,在现场势必会影像到导演的调度和演员的表演。拍《盲流感》时就有这么一个情况:当时户外光线的变化在窗户上投下淡淡的粉色,如果是在十年前,我一定会喊停,赶紧手忙脚乱地换上不同感光度的胶片,演员的表演情绪也被打断。但是现在我们只需要继续拍下去就行,因为这点小问题在后期很好处理。
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