图谋不轨

比你的梦更属于你自己的东西是没有的。尼采

分页共47页 第一页 上一页 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 下一页 最后一页
2015-01-17    10:04
Various Artists -《梅西安:星空下的峡谷》(Messiaen:Des canyons aux étoiles...) - [音影]
Tag:

专辑英文名: Messiaen:Des canyons aux étoiles...
专辑中文名: 梅西安:星空下的峡谷
艺术家: Various Artists
 
专辑英文名称: Messiaen:Des canyons aux étoiles...
唱片中文名称: 梅西安:星空下的峡谷
作曲: Oliver Messiaen (1908-1992)
演奏: Orchestre Philharmonique de Radio France,Myung-Whun Chung,Roger Muraro,Jean-Jacques Justafré,Francis Petit,Renaud Muzzolini
 

专辑简介:

梅西安为钢琴、圆号和乐队而作的作品,创作于1970-1974年。这部作品也属于梅西安三大类型题材的作品之中描写自然的作品(另外两大题材是宗教和爱情)。

生平简介:

对宗教题材的巨大热情曾在西方现代文化中带起一股不小的热情。如果纵观梅西安一生的经历,就可以理解梅西安所有的音乐主题——宗教、大自然与爱情——从何而来。 
梅西安为诗人塞西尔•索瓦日(Cécile Sauvage)之子,出生在法国阿维尼翁(Avignon), 在笃信天主教家庭出生的梅西安是一位虔诚的教徒。
梅西安是从德彪西的印象主义基础上起步的,他11岁就被父母送进巴黎音乐学院深造,当时德彪西刚刚去世。他崇拜德彪西,从歌剧《佩利亚斯与梅丽桑德》始,由此有一个较高的境界。《佩利亚斯与梅丽桑德》是以吕利的法国音乐传统嫁接梅特林克的神秘主义的结果。毕业前,1928年他20岁时所作的《圣餐》,篇幅仅6分钟,是管风琴所表现的,一种越来越要向幽深的境界飘去的沉思默想。
1930年,他毕业时作成以弦乐表现为主的管弦乐《被遗忘的祭品》,主题还是对圣餐的默想,篇幅变成12分钟,分为“十字架”、“罪恶”与“圣餐”三乐章,中间的“罪恶”表现灵魂坠入深渊,有一种不成熟的冲突,但结尾“圣餐”中的感恩却更显博大。同年,他担任巴黎三一教堂的管风琴师,任职达40年之久。
1940年,德国闪电般入侵法国,法军在战场上迅速瓦解,梅西安就在败退的法军中,被德军俘虏,运载到纳粹德国的集中营。那里有一位喜爱音乐的管理员,认出了梅西安。这位叫布鲁尔的德国军官下令给梅西安准备纸笔和橡皮,并给他一间不受打扰的空房,让他可以继续创作。梅西安在被俘前,才刚写了一首曲子的标题“在时间尽头”。在接下来的时间里,梅西安创作了闻名的《时间尽头四重奏》(《时间结束四重奏》)。1941年1月,德国冰天雪地,在一座战俘营中,300多名战俘与卫兵挤在一起,聆听台上四位演奏者演奏他们从来没有听过的音乐。四位演奏者中,一位弹钢琴、一位拉小提琴、一位拉大提琴,还有一位吹竖笛。他们用的乐器都是在战俘营里找来凑合的。弹钢琴的正是梅西安,而所演奏的作品,就是他在战俘营里写的《时间尽头四重奏》。日后他追忆说:“从未有人如此全神贯注地聆听我的音乐,如此心领神会。” 
1942年回国担任巴黎音乐学院的和声教授。
梅西安是从德彪西的印象主义基础上起步的,他11岁就被父母送进巴黎音乐学院深造,当时德彪西刚刚去世。他崇拜德彪西,从歌剧《佩利亚斯与梅丽桑德》始,由此有一个较高的境界。《佩利亚斯与梅丽桑德》是以吕利的法国音乐传统嫁接梅特林克的神秘主义的结果。

音乐介绍:

梅西安受象征主义美学影响,又有崇拜耶稣的宗教狂热,许多创作贯穿了神学思想。他讴歌大自然,因为这是造物主恩赐的杰作。他对自然界的反映,最终通过他长期对世界各地的鸟鸣研究和音乐化的再现来达到。其独特的鸟鸣在他的音乐中反复出现,不仅作为他音乐中的一个特征符号——象征大自然,更抒发了某种神秘意味的感恩之情。
  梅西安被认为是第一首全面控制的音乐作品的作者。他的音乐技法与配器融合了神秘主义与实验精神,影响了西方现代主义音乐的思潮。我国的著名青年作曲家陈其钢就是梅西安的关门弟子,他可谓学到了梅的真传。
  今年12月10日,是法国著名作曲家梅西安诞辰100周年。梅西安是德彪西、拉威尔之后,最重要的法国作曲家,他的重要性,首先在于用现代作曲氛围重新包装了传统的宗教音乐主题;其次是在东西方音乐素材融会中,找到一种通向深远的神秘主义的语境。
  梅西安是从德彪西的印象主义基础上起步的,他11岁就被父母送进巴黎音乐学院深造,当时德彪西刚刚去世。他崇拜德彪西,从歌剧《佩利亚斯与梅丽桑德》始,由此有一个较高的境界。《佩利亚斯与梅丽桑德》是以吕利的法国音乐传统嫁接梅特林克的神秘主义的结果。
《时间结束四重奏》是梅西安的名作,这首作品是梅西安在战俘营里完成的。梅西安被俘前,才刚写下这首曲子的标题“在时间尽头”。这个标题出自《圣经·启示录》第十章,当第七封印被揭开时,神面前会出现七位手持号角的天使,其中第七位天使向天起誓说:“时间到了尽头,不再有时间了。”
  《启示录》描绘上帝再临的终极审判,一方面启示救赎,另一方面却又充满了对现世毁灭的
  恫吓。毁灭过程一方面是焚烧,另一方却又是黑暗,而且背景还响着凄烈的号角声,这样的情景,多么符合现代战争的景况。
  不过梅西安想像的“时间尽头”,还有另外一层音乐上的意义。时间也是构成音乐的节拍元素——0节拍,音乐建立在规律和清楚的节拍时间上。梅湘生活在20世纪,短短30年中爆发了两次世界大战,中间又有各国长期密集的军事竞争,军队的军人,如此滥用了规律和清楚的节拍!
  鼓声、号角声,尤其是引发人激动情绪的“一、二、一、二”进行节拍,是20世纪军队最突出的场景,在这样的节拍中,大批的军人迈步前往战场,走向毁灭。
  梅西安真的听厌了军队与战争的节拍,他要返回音乐的本源本质,追求“时间尽头”,追求被战争滥用的节拍的终止。
  《时间尽头四重奏》里的节拍一下子延长,一下子收缩,一下子突然停滞,一下子甚至以对称的方式卷过来又卷过去。音乐还在,但大家印象中的音乐节拍规律被梅西安打乱了。
  《时间结束四重奏》的4件乐器分别是单簧管、小提琴、大提琴和钢琴,全曲共8乐章,演奏速度慢一点,就需要50多分钟。这样的篇幅,在室内乐作品中极少见,它又以抽象音乐语言,表现痛苦在超脱中的慰藉这样特别具体的情绪。它不仅是现代音乐中的杰作,在自古以来的室内乐作品中,尤其对单簧管这种乐器的性格挖掘,都到了炉火纯青的地步。其中所表现的那种苍凉中的虔诚,实在可与勃拉姆斯的单簧管五重奏成姐妹篇。这首作品是梅西安所钟情的有关鸟的意象的真正确立,它的第一乐章标题是“水晶的礼拜”,以各种各样鸟在晨光中苏醒为开端,那些 鸟的翅膀划破沉寂的空气。这些鸟显然是人的命运各种形态的投射,它们被阴郁而又慵懒的背景所包围,呈示着苦难,等待第二乐章的天使来宣告世界末日中的拯救。
  这首四重奏最感人在第三、第五与最后的第八乐章。第三乐章以单簧管独奏为主,标题是“鸟儿们的深渊”,是对人生的反思,一种伤痕累累孤独中对自己的抚摸。梅西安自己说,鸟儿们这般倾诉中,表现的是对星、光、虹的向往。第五乐章是大提琴在钢琴冷酷的和弦敲击下表达“耶稣永恒的颂歌”,表现“圣经”的普世价值,一种无穷尽爱的厚厚包容。它之后,第六乐章“七个号角的狂舞”、第七乐章“宣告末日的天使之虹的错乱”都表现了冲突。7个号角指《约翰启示录》中的7声雷声,第七乐章则是,6天创世后,人在第七安息日的天使之虹中被超脱,超脱过程恍惚又眩晕,是灵魂的被救赎。最后的第八乐章,是小提琴表现的第二首“耶稣永远不朽的颂歌”,按梅西安说法,是安息日的无穷延长,“变成永远被光照耀安宁的第八日”。这首作品,构成梅西安音乐魅力的几大要素已经成熟地组织在了一起:鸟鸣中悲哀的人生,对人生意义的沉思默想,安息日召唤中灵魂挣脱世俗而去的撕裂与颤栗,在星光中安居所获得的狂喜。它们构成着动与静充满张力的对比。
  完成于1948年的《图伦加利拉交响曲》这是他一生所作唯一的交响曲,曲名是梵语的“爱之歌”,是他批判世俗欲望的作品。这部长达两个多小时的钢琴曲集,通过对主耶稣众多眼睛的默想,试图超越德彪西的《意象集》。他最好的钢琴曲集,是后来在上世纪50年代完成的《鸟鸣集》。
  《图伦加利拉交响曲》其中丰富的打击乐充满喧嚣与骚动,各种各样的音响奇异表现层出不穷,混杂成色彩斑斓的汹涌澎湃。比如第二乐章中,明显能听到格什温《一个美国人在巴黎》中,美国人走在香榭丽舍大街上那种洋洋自得,而更多是充满诱惑的异国情调。一般人认为,这种异国情调来自印度,其实更有效果的是马特诺电子琴及鼓。这首作品共10个乐章,第一、五、六与第十乐章似画框,二、三、四与七、八、九为内容,五、六在中间做间隔。如仔细分析,前半部二、四是情歌,中间夹一个“图伦加利拉”;后半部七、九是图伦加利拉,中间夹一个“爱的展开”。3个“图伦加利拉”是最初创作的原点,精华所在,仔细听它们,都是精妙的节奏效果试验,这些节奏的不规则组成改写了有关旋律的概念。由此“图伦加利拉”的真正含义是,通过“时间节奏变化的游戏”来表现爱与欲望的深渊,所有效果其实都为这种深渊吸引力的形象化。
  法国作曲家奥利维尔·梅西安(Olivier Messiaen,1908~1992)在现代作曲家中所处的重要地位和他对二十世纪音乐的巨大贡献是毋庸质疑的。在1992年去世以前,他一直被人们称作是“在世的最伟大的音乐家’。梅西安各种新颖而独特的创作技法为后人开辟了崭新的道路,一直是展现出的人类广阔的精神世界,也正在日益受到人们的重视。专业音乐工作者们谈论和关注的焦点。同时,他音乐创作中的另一个重要方面,即虔诚的宗教信仰、深刻的神学思想以及由此
  其作品广泛引证圣约翰对世界末日的预见(于世界历史的此时此刻尤为恰如其分),但梅西安同时也宣告了音乐的末日。他的音乐是静态的——不复朝着终点进发,而仅存在于无始无终的音乐空间。 
  1942年,梅西安被遣返回国,在巴黎音乐学院任和声学教授,弟子包括布列兹、施托克豪森、泽纳基斯和钢琴家伊冯•罗里奥(Yvonne Loriod)。这一时期产生了许多重要作品,包括庞大的《图伦加利拉交响曲》(1946-8年),由波士顿交响乐团首演于1949年,伯恩斯坦指挥。作品标题取自一首印度节奏鲜明的恋歌中的诗词用语。全曲极富活力和声色之美,是一曲爱情的赞歌。在为《图伦加利拉》撰写的说明中,梅西安将走向高潮的第五乐章称之为“以持久而狂热的欢乐之舞,将热烈的肉欲推向巅峯”。除了独奏钢琴,作品还独具一格地采用马特诺电琴——一种早期的电子乐器-并吸收印度音乐节奏和鸟鸣等多种素材。 
  对日后为其弟子带来非凡灵感的十二音体系,梅西安作过短暂的探索。但整个五十年代,他主要从事以鸟鸣为素材的改编和创作。这种改编并非依样画葫芦,因为他力求捕捉的是与鸣禽的斑斓五色相对应的音响。1956年,他为伊冯•罗里奥写了“钢琴协奏曲”《异国鸟》。梅西安的第一个妻子1959年去世,三年后他与罗里奥结婚。 
  在晚期作品中,他将精美的鸟鸣置于更宽广的语境中,由此产生了以犹他州的布莱斯(Bryce)峡谷风光为灵感源泉的大型作品《从峡谷到星空》(1975-83年),梅西安对鸟鸣和宗教的双重兴趣,在此找到彼此交融的完美载体。 
  1978年,梅西安从音乐学院退休,但此后继续其独具面目的创作,直至生命的最后一年。倒数第二部作品是1991年纪念莫扎特逝世二百周年的《微笑》(Un Sourire)。

注:
每天不定时供源
由于本人的网络为ADSL,上传速度极为有限,请各位驴友给与充足的耐心,本人会保证长期供源,不用担心无法完成下载。
此专辑为原版CD的打口碟,CD碟片略有受损,但是由于每张碟的内容不多,所以没有损伤到音频部分,特此抓轨与大家分享。但是内册有缺口,请各位谅解。
转载请注明原发者和VeryCD



专辑曲目: 

CD1

Part 1
1. Le désert
2. Les Orioles
3. Ce qui est écrit sur les étoiles...
4. Le Cossyphe d'Heuglin
5. Ceder Breaks et le Don de crainte
Part 2
6. Appel interstellaire
7. Bryce Canyon et les rochers rouge-orange

CD2

Part 3
8. Les ressuscités et le chant de l'étoile Aldébaran
9. Le Moqueur polyglotte
10. La Grive des bois
11. Omao,Leiothrix,Elepaio,Shama
12. Zion Park et la Cité céleste

 

  发表于  10:04 | 阅读全文 | 评论(0) | 引用Trackback(0) | 编辑 

2015-01-17    10:01
Hakon Austbo -《梅西安:鸟鸣集》(Messiaen:Catalogue d'oiseaux) - [音影]
Tag:

专辑英文名: Messiaen:Catalogue d'oiseaux
专辑中文名: 梅西安:鸟鸣集
艺术家: Hakon Austbo
 
专辑介绍:

奥立佛·梅西安,又译作奥利维埃·梅湘(法语:Olivier Messiaen,(1908年12月10日-1992年4月27日),法国作曲家、管风琴演奏家以及鸟类学学者。其著名作品有图兰加里拉交响曲、时间之终结、歌剧阿西西的圣方济各等等。梅西安的作品中经常表达天主教的题材,但同时也常常受到东方的音乐风格,如印度音乐、日本雅乐、印尼甘美兰音乐的影响。他经常将日常听到的雀鸟叫声记谱,并运用于其作品之中。


生平:
梅西安1919年至1930年间在巴黎音乐学院修读音乐。1931年开始,受聘为巴黎天主圣三教堂的风琴师。二次世界大战爆发后,1939年受召入伍,不久即被德军俘虏,1941年获释。1942年受聘为巴黎音乐学院教授。

梅西安对调性、和声、十二音列、鸟歌、希腊节奏、印度节奏等等都有深入的研究,其音乐理论著作有我的音乐语言(Technique de mon langage musical)和节奏、色彩与鸟鸣的理论(Traité de rythme, de couleur, et d’ornithologie )。梅西安是巴黎音乐学院的教授,其著名学生有皮埃尔·布莱兹(Pierre Boulez)、卡尔海因茨·施托克豪森(Karlheinz Stockhausen)、依雯.洛丽奥(Yvonne Loriod,后来成为梅西安第二任妻子)、泽纳基斯(Iannis Xenakis)、陈其钢等等。


作品列表:

1935 管风琴曲基督降生 (La nativite du seigneur) 
1943 双钢琴曲阿门之幻想 (Visions de l'amen) 
1941 为小提琴、单簧管、大提琴、钢琴而作的时间之终结 (Quatour pour la fin du temps,又译作:末日四重奏) 
1946-48 图兰加里拉交响曲 (Turangalila Symphony,又译作:爱之交响曲) 
1959-60 时间色彩 (Chronochromie) 
1932 升天 (L'ascension) 
1948 康德约蒂亚 (Canteyodiaya) 
1974 星辰峡谷 (Des canyons aux étoiles…) 
1952 黑喜鹊 (Le merle noir) 
1953 鸟儿醒来 (Le reveil des oiseaux) 
1955-56 异邦鸟 (Oiseaux Exotiques) 
1956-58 鸟志 (Catalogue d’Oiseaux) 
1963 天堂的色彩 (Couleurs de la Cité Céleste) 
1975-1983 阿西西的圣方济各 (Saint-François d'Assise) 
1985鸟类小素描(Petites esquisses d'oiseaux)
专辑曲目: 

CD 1
Petites esquisses d'oiseaux(1985)鸟类小素描
1. I.Le rouge-gorge
2. II.Le merle-noir
3. III.Le rouge-gorge
4. IV.La grive-musicienne
5. V.Le rouge-gorge
6. VI.L'alouette des champs

Catalogue d'oiseaux(1956-1958)鸟鸣集
第一册:
7. Le Chocard des Alpes阿尔卑斯山红嘴山鸦[The alpine chough]
8. Le Loriot黄鹂[The golden oriole]
9. Le Merle bleu蓝矶鵣[The blue rock thrush]

第二册:
10. Le Traquet stapazin黑耳鹟[The black-eared wheatear]

CD 2
第三册:
1. La Chouette hulotte茶枭[The tawny owl]
2. L'Alouette Lulu林鹨[The wood lark]

第四册:
3. La rousserolle effarvatte苇滨雀[The reed warbler]

第五册:
4. L'Alouette calandrelle卡兰德莱云雀[The short-toed lark]
5. La Bouscarle欧洲莺[Cetti's warbler]

CD 3
第六册:
1. Le Merle de roche岩鵣[The rock thrush]

CD 3
第七册:
2. La Buse variable鵀[The buzzard]
3. Le Traquet rieur黑鹟[The black wheatear]
4. Le Courlis cendré大杓鹬[The curlew]

 

  发表于  10:01 | 阅读全文 | 评论(0) | 引用Trackback(0) | 编辑 

2015-01-17    09:57
梅西安:<冥冥中的启示> - [音影]
Tag:

专辑英文名: Messiaen: Eclairs sur L'Au-dela...
专辑中文名: 梅西安:<冥冥中的启示>
艺术家: Messiaen

专辑介绍:

《冥冥中的启示》是梅西安的最后一部乐队作品。这部宗教意义的作品沿袭了他以前的管弦乐风格 - 宏伟、庄严、旋律模式与节奏令人着迷的重复、鸟的啼鸣与浓厚、多变的音响色彩。

拉特尔于1999年成为柏林爱乐乐团继阿巴多后的常任指挥,这一任命由该团成员投票的结果而产生。由于当时乐团有些成员倾向于巴伦博伊姆,拉特尔拒绝在合同上签字,直至乐团取得完全一致的意愿。

拉特尔继任后毁誉参半。2004年,德国音乐评论家克劳斯.盖特(Klaus Geitel) 将拉特尔描述为他所见过的该团最“弱”的音乐指导。拉特尔本则人承认,他与该团成员有时“激烈争辩”,但关系尚未达到破裂的地步。最终于2007年,拉特尔与柏林爱乐乐团录制的勃拉姆斯的《德意志安魂曲》被评为“经典FM唱片”(Classic FM Gramophone )最佳合唱唱片奖。拉特尔与该团最初的合同为2012年到期。但2008年1月,经柏林爱乐乐团成员再次投票决定,将拉特尔的常任指挥职位延长至2019-2020年。

这一版本的演绎非常出色,它包括一些令人赞叹不已的乐器独奏,打击乐与木管乐器的演奏才华横溢,乐队整体声音透明而稳重,是梅西安乐迷的一个上佳选择。

专辑曲目: 

1. I. Apparition Du Christ Glorieux
2. II. La Constellation Du Sagittaire
3. III. L'Oiseau-Lyre Et La Ville-Fiancee
4. IV. Les Elus Marques Du Sceau
5. V. Demeurer Dans L'Amour
6. VI. Les Sept Anges Aux Sept Trompettes
7. VII. Et Dieu Essuiera Tout Larme De Leurs Yeux...
8. VIII. Les Etoiles Et La Gloire
9. IX. Plusiers Oiseaux Des Arbres De Vie
10. X. Le Chemin De I'Invisible
11. XI. Le Christ, Lumiere Du Paradis

  发表于  09:57 | 阅读全文 | 评论(0) | 引用Trackback(0) | 编辑 

2015-01-17    09:29
梅西昂:图伦加利亚交响曲 - [音影]
Tag:

1908年出生的法国作曲家奥利维埃·梅西昂,在20世纪五花八门的世界音乐格局中,走了一条极为独特的道路。骨子里他是个充满宗教热情的天主教徒,乃至绝大部分作品都有一个宗教色彩的标题。另一方面梅西昂又强烈表现出对大自然的倾心向往,常在作品中加入鸟声,并越来越被这“鸟鸣的自由”深深吸引。而这又和他深受德彪西的影响难分难解,因为正是德彪西最先在音乐中引入东方艺术质料,令梅西昂大开眼界。总之,梅西昂的音乐是一种巨大的混合,西方中世纪音乐古老调式、格里高利圣咏的自由舒展和印度音乐的不对称节奏,都是他灵感的来源。从管风琴到电子琴,这就是梅西昂。

这首五彩锦缎般的《图伦加利亚交响曲》就包罗了梅西昂的全部音乐风格特征。来自梵文的“图伦加”意为时间过程、运动和节奏,“利亚”则可解释为宇宙间神的戏剧,创造、破坏、生与死以及爱情。梅西昂此曲用一个超大型的乐队演奏,另加钢琴和马特诺电子琴,还有额外的打击乐组合。十个乐章的名称依次是:(1)引子、(2)情歌之一、(3)图伦加利亚之一、(4)情歌之二、(5)明星家族的乐事、(6)情人沉睡的花园、(7)图伦加利亚之二、(8)爱情之进展、(9)图伦加利亚之三、(10)终曲。

1949年由伯恩斯坦指挥波士顿交响乐团首演。

 

专辑曲目: 

1. Turangalila Symphonie: I. Introduction; Modere, un peu vif
2. Turangalila Symphonie: II. Chant d'amour I; Modere, lourd 
3. Turangalila Symphonie: III. Turangalila I; Preque lent, reveur 
4. Turangalila Symphonie: IV. Chant d'amour II; Bien modere 
5. Turangalila Symphonie: V. Joie du song des etoiles; Vif, passionne, avec joie 
6. Turangalila Symphonie: VI. Jardin du sommeil d'amour; Tres modere, tres tendre 
7. Turangalila Symphonie: VII. Turangalila II; Un peu vif, bien modere
8. Turangalila Symphonie: VIII. Developpement de l'amour; Bien modere 
9. Turangalila Symphonie: IX. Turangalila III; Bien modere
10. Turangalila Symphonie: X. Final;Modere, presque vif, avec une grande joie

  发表于  09:29 | 阅读全文 | 评论(0) | 引用Trackback(0) | 编辑 

2015-01-17    09:28
施尼特凯:弦乐四重奏集 - [音影]
Tag:

Kronos(克罗诺斯)是美国著名的前卫音乐演奏组,成立于1973年,至今已经有30多年历史。团员分别是小提琴家 David Harrington 与 John Sherba,中提琴家 Hank Dutt,大提琴家 Jeffrey Zeigler-- 他们不断地大胆寻求绝无仅有的艺术美感,开拓出弦乐四重奏的新境界。

截止到目前为止,他们在世界各地表演超过上千场次,,已经发表了40多张创意非凡的专辑,涉及世界各国的众多当代或古代作曲家的音乐,其中不仅有欧洲国家的作品,还有来自亚洲、非洲、美洲等各大洲的作品。现在,柯洛诺斯已经成为受到广泛赞誉的演奏组,并化身为"我们时代音乐"的代言人。Kronos 作品涵盖广幅.。1992 年他们在 Nonesuch 旗下发行的专辑 Pieces of Africa 让非裔制作群初露头角,同时登上 Billboard 古典与世界音乐排行榜冠军;2000 年专辑 Caravan 其音乐篇幅横跨南,北美洲,欧洲与中东 ;1998 年发行 10 张一套精选辑 25 Years: Retrospective, 2002 年发行 Nuevo 专辑是对于墨西哥文化的庆祝,获得葛莱美与拉丁葛莱美提名; 2003 年专辑 Alban Berg: Lyric Suite 抱回一座葛莱美奖。

在Kronos录制的唱片中,我们可以见到许多当代著名作曲家的名字和他们的作品,这里面有美国作曲家、"极简主义之父"特里•赖利(Terry Riley)、菲利普 格拉斯(P. Glass)以及电影配乐《三岛由纪夫》和《德拉古拉》,莫顿 •费尔德曼(M.Feldman)、波兰作曲家维托尔德•卢托斯拉夫斯基、亨里克•格莱茨基(H.Gorecki)、阿根廷作曲家阿斯特•皮亚佐拉(A.Piazzolla)的《探戈的感觉(5首)》(5 Tango Sensations)和奥斯瓦尔多•格利乔夫(O. Golijov);俄罗斯作曲家施尼特克的全部弦乐四重奏、古拜多丽娜的第2和4号弦乐四重奏以及为了庆祝特里•赖利70 岁生日, Kronos 与中国作曲家谭盾和琵琶名家吴蛮 (Wu Man) 合作首度演出的《鬼戏》The Cusp of Magic等。

平均一年有 5 个月都在巡回的 Kronos 四重奏,所过之地不计其数,各大音乐厅,俱乐部,伦敦的 Barbican,加州大学洛杉矶分校 (UCLA) 的 Royce Hall,阿姆斯特丹的oncertgebouw,雪梨歌剧院;还有世界各地的节庆活动,如 BAM Next Wave Festival 等。

 

Disc: 1 
01. String Quartet No. 1: I. Sonata - A. SCHNITTKE
02. String Quartet No. 1: II. Canon - A. SCHNITTKE
03. String Quartet No. 1: III. Cadenza - A. SCHNITTKE
04. Canon In Memory Of I. Stravinsky - A. SCHNITTKE
05. String Quartet No. 2: I. Moderato - A. SCHNITTKE
06. String Quartet No. 2: II. Agitato - A. SCHNITTKE
07. String Quartet No. 2: III. Mesto - A. SCHNITTKE
08. String Quartet No. 2: IV. Moderato - A. SCHNITTKE
09. String Quartet No. 3: I. Andante - A. SCHNITTKE
10. String Quartet No. 3: II. Agitato - A. SCHNITTKE
11. String Quartet No. 3: III. Pesante - A. SCHNITTKE

Disc: 2 
01. String Quartet No. 4: I. Lento - Alfred Schnittke
02. String Quartet No. 4: II. Allegro - Alfred Schnittke
03. String Quartet No. 4: III. Lento - Alfred Schnittke
04. String Quartet No. 4: IV. Vivace - Alfred Schnittke
05. String Quartet No. 4: V. Lento - Alfred Schnittke
06. Collected Songs Where Every Verse is Filled With Grief - Alfred Schnittke

  发表于  09:28 | 阅读全文 | 评论(0) | 引用Trackback(0) | 编辑 

2015-01-17    09:21
勋伯格升华之夜 - [音影]
Tag:

勋伯格的《升华之夜》是单乐章作品,可以再按照表情标记再分成5段(庄板、十分渐慢地、沉重有力的、柔板、柔板),这正好和德默尔的五节诗相对应,分别描绘五个场景。音乐的高潮应该在第四段,这段用的笔墨最多,也就是“男人”的场景,这是升华的时刻,男人怀着博大而高贵的爱,接受了一个不是自己的孩子,可以感受到此时音乐中流动着的一股温暖之意。原来的《升华之夜》是一个弦乐六重奏(两把小提琴、两把中提琴、两把大提琴),几十年以后正式改编成弦乐队版。虽然没有听过六重奏的版本,但是我觉得,改编以后的庞大乐队所发挥出来的整体音乐表现能力肯定要强于最初的弦乐六重奏,而且摆在我们面前的又是这样一个崇高的升华的爱的主题。

一边阅读德默尔的诗,一边听勋伯格的音乐,觉得异常的合拍。第一次置身于诗与音乐交融的境界,已经令我感动不已了。

下面这段介绍很有帮助:

“昨天晚上我听了你们的《升华之夜》,如果没有对你们的六重奏表演表达一份谢意的话,我将认为这是一大疏忽。我曾试图在你的音乐中寻找我诗中的主题,但很快就把它给忘了,这音乐使我如此着迷。”(理夏德·德默尔[Richard Dehmel]写给阿诺尔德·勋伯格,1912年12月12日)。

1899年9月份,阿诺尔德·勋伯格花了三个星期谱写成了这部作品第四号,当时他正和亚历山大·冯·策姆林斯基(Alexander von Zemlinky)以及后者的妹妹玛蒂尔德(Mathilde)——后来成为勋伯格的第一任妻子——在裴尔巴赫(Payerbach)度假。手稿最后完成于1899年12月1日。这部标题音乐的主题——“只限于勾画自然、表达人类情感”(勋伯格语)——来自于理夏德·德默尔的同名诗《升华之夜》,选自1896年出版的诗集《女人和世界》(Weib und Welt)。第一次世界大战前,德默尔是德国受到高度评价的抒情诗诗人之一。他的主要作品《两个人的爱情故事》(Zwei Menschen: Roman in Romanzen,1903)从新艺术的风格观念上来讲是色情与性*描写的尝试。第一个重要故事是《升华之夜》(当时已经出版,但是没有标题),诗歌表达了“对新的反资产阶级性道德的感伤哀怜和伟大的爱神能够避开陈规习俗,战胜一切的思想”。

五节诗歌勾勒出五部分对比鲜明的内容:两人的林中情景(第1、3、5段);一个爱着眼前的男人却怀着别人孩子而自我谴责的女人的表白(第2段);男人抚慰女人并且接受了孩子的表白(第4段)。德默尔的诗带有自传色彩,文中的情节正影射了他和伊达·奥尔巴赫(Ida Auerbach)的关系。当他碰到这个女人的时候,她已经结婚怀上了另一个男人,康祖尔·奥尔巴赫(Consul Auerbach)的孩子。

采用了单乐章曲式的《升华之夜》代表了19世纪晚期两种音乐发展趋势的接合点:单乐章奏鸣曲的趋向(以弗朗兹·李斯特的b小调奏鸣曲为历史典范)和单乐章交响诗。勋伯格的改编总的来说遵从了原诗的意境。叙述性的部分(森林场景)和中间情节(直接的对话)像是回旋曲式前后照应。第一部分在壮丽而又稠密的动机笼罩之下展开,展现了一出月光照耀、清晰明朗的夜色,这在第二部分中,经过女人向男人承认了自己的不幸遭遇(第一主题由d小调与前段连接)后,发展成为“戏剧性的情感爆发”(勋伯格,1950年为《升华之夜》表演按语)。现在,第一部分以一个停留记号搁开,第二主题随着以降b小调开始描述女人的不幸和孤独。c小调的第三主题表现女人被迫的忠诚。最终,女人“屈从于母性的本能,怀上了一个她不爱的男人的孩子。她甚至认为自己因履行了做母亲的义务而值得称颂和被赐福。”这一部分以E大调展开,借用先前素材中出现过的主题做进一步阐释,在结尾处有一个明显的休止。然后是一个对照性的带有描影法音色的过渡,作为通向第三部分的桥梁。接着又采用了音乐开始时的主要动机,并以“发展的变奏”风格(使人想起布拉姆斯)进行。博爱而高尚的男人的对白在第四部分中转为造成鲜明对比的D大调。弱音与和声在新的音响效果中尽现了“月色的美丽”。根据勋伯格自己的说法,这一段“反映了一个男人具有了和大自然的壮丽和光辉一般和谐的爱,他就能够不顾这一悲惨的境遇。”第五部分是总结性的结尾,在将开场主题转为大调(对应第四部分的主旋律)的同时又汲取了第三部分主题中的元素。

1939年末,美国出版商,埃德温·F·卡尔姆斯(Edwin F.Kalmus)向勋伯格表达了希望出版新版《升华之夜》的意向,而且这得是一个有所改进的(力度和弓法的变化,等等)为弦乐队改编的版本,勋伯格同意了。其实早些时候的1917年勋伯格已经为环球版(Universal Edition)写好了一个弦乐队版本(添加了一个低音提琴声部)(目前所知的第一次以这一形式演出这部作品是在1918年3月14日的莱比锡音乐厅[Leipzig Gewandhaus]);但是许多次的演出经历也致使勋伯格决定修改这个版本。当卡尔姆斯方面的计划未能实现的时候,勋伯格把目标转向了纽约的联合音乐出版商(Associated Music Publishers)。弦乐队改编中的调整和修改主要是针对力度和清晰度,还有速度标记。在1942年12月22日的一封信中,勋伯格描述了对1917年版本所做的改进:“新版本……一方面将改善第一小提琴和第二小提琴之间的平衡,另一方面,是中提琴和大提琴之间的平衡,它将恢复由六件等同的乐器所组成的六重奏的原始版本的平衡感。”

升华之夜 

有两个人在光秃而寒冷的树林中散步,
月亮伴随着他们;他们也注视着月亮。
月亮移过高耸的橡树 ——
只有黑色的树枝把天空划破,
没有云彩遮掩天空的亮光。
这时,传来一个女人说话的声响:


我怀着一个孩子,可他不属于你。
在你身边走着,我感到了自己的罪戾。
我再也不会相信幸福,
因为我已严重玷污了自己;
但是我强烈地渴望生命,
渴望做母亲的责任和欣喜;
于是我敢于,抖索着,
将我自己
投进一个陌生男人的怀里,
还以为自己的做法会得到主的佑庇。
而现在,生活开始了它的报复,
因为,哦,你哪,现在我已遇见了你!


她踉踉跄跄地继续往前,
她仰头眺望,月亮正紧随不放。
她阴暗的目光,淹没于月色的光亮。
这时,传来一个男子说话的声响:


别让你怀着的孩子,
成为你灵魂的负担;
哦,看呀,宇宙间一片微光闪耀,
这儿的一切都光辉灿烂!
你与我一起在冰冷的洋面上飘荡,
可一股共同的暖流却在我们之间往返;
从你到我,从我到你,
于是那陌生的孩子也就得到形变;
你将为我怀着那孩子,因为他也与我血肉相连。
你为我带来了荣耀,
你把我也变成孩子一般。 

他把手放在她结实的腰上,
他们在微风中亲吻,
两人在暮色中漫步,夜空明净而高朗。

  发表于  09:21 | 阅读全文 | 评论(0) | 引用Trackback(0) | 编辑 

2015-01-17    09:15
贝多芬晚期弦乐四重奏 - [音影]
Tag:

好莱坞四重奏(Hollywood Quartet) 1948年成立于美国,创始团员因为都是好莱坞电影公司的录音室演奏家而得名,分别是:Felix Slatkin、Paul Shure、Paul Robyn、Eleanor Aller,1954年Alvin Dinkin担任新的中提琴手。该团1961年解散,目前在Testment可以找到该团的录音。该团1961年解散,目前在Testment可以找到该团的录音。

String Quartet in E flat major
降E大调弦乐四重奏,Op.127


为完成俄国王子加利钦特(Prince Nikolaus Galitzin)的委托,贝多芬于1824年5月开始写作这部作品,并在第二年2月完成。
开始的引子带着重音以精力充沛密集厚实的和弦给人强有力的沉重感,接下来的快板主题线条很长,较为柔和,虽然是一种复调的织体,但低音保持了与主题三度平行的进行。当中提琴奏主题时,其它声部紧跟着,音量增大了,贝多芬式的火气也出现了,但不久又消退了。与第一主题性格类似的第二主题比较歌唱,复调的织体似乎表达了一种复杂的心情,当引子的和弦再次出现时,发展段开始了,此时命运动机的快板主题在对比中展现了希望,推向了高潮,在发展段结束前,引子第三次又出现,比前两次都更响,再一次在不知不觉中回到快板,最后越来越轻,精力似已耗尽,却仍充满柔情。

第二慢乐章中贝多芬的精神再一次得到体现,基于崇高庄严的两个主题,宁静而纯朴,表现了最高贵最深刻的伤感,舒曼曾说:“这段音乐不是仅15分钟的短时间,它将是永恒的。”慢板开始在模糊的背景下出现了忧郁主题的倾诉,人们都以为这将会是一首与其它慢板同样的悲歌,然而这十八小节却引出了五个变奏:第一变奏 情绪与主题相似,好象是主题的进一步呈述。第二变奏 具有晚期不同的特性,由两个低音乐器打着小鼓式的固定节奏,两把小提琴出现了竞争式的交替对话。第三变奏 这个变奏带着深深的宗教意识,像是一位虔诚的教徒在祈祷,当大提琴在高音区奏出时,几乎接近于无伴奏合唱的人声效果。第四变奏由大提琴和小提琴轮流奏出三连音顿弓和持续的旋律,带有与第一、第二变奏相似的忧郁性格。第五变奏 在经过十三小节的间插段后,小提琴以十六分音符奏出,其它声部以音阶式加入蜿蜒的进行,这段是除第二变奏外又一次较为激动的片断。结尾又一次以三连音引入,在主题终止的基础上又作了扩大,似乎意犹未尽,恋恋不舍。

诙谐曲生动有活力,从慢板中升华了的精神世界回到了世俗社会,在四下拨弦后,大提琴开始奏出节奏化的尖锐主题,这首诙谐曲无疑是贝多芬写得最好的诙谐曲之一,与作品59之一不同的是,前者是由动机的变化对比来发展的,而这首是以胚胎式的逐渐成熟地推向高潮。在旋转式的中段中,在其它乐器重复音伴奏下,小提琴华彩式地上下跑动,开始象小溪般地潺潺流出,逐渐发展成咆哮的大河。

第四乐章是一首快乐的,放松而亲切的终曲。主题简朴通俗,在这里贝多芬未标速度术语,这可能是遗漏了,从音乐的内容来看应为快板。第二主题变得幽默有趣,几个主题在乐器间对置、并列、交替。发展段中更是将动机扩大,又以对位手法将连接的材料充分展开,结尾时出现了一个庞大的尾声,调性、节奏全变了,创造了一个全新的丰富感情的缩影。

String Quartet in C sharp minor
升c小调弦乐四重奏,Op.131


作于1826年的《升c小调四重奏》是贝多芬的最爱。这是室内乐历来最复杂的曲子,也是弦乐四重奏中不朽的佳作。由于此曲包括七个乐章、十四个速度变化,且必须一气呵成地演奏完毕,对任何一位演奏家都是极大的挑战。此外,乐章间的连结并不是任意的,而是具有关联性,整个曲子可谓建构于动机关联及显著的调性规画上:七个乐章都是上升调,完全没有升c小调的停顿。事实上,全曲听来似乎没有终点,而是持续的、惊人的旅程。乐谱似乎也暗藏玄机:七个乐章依循歌剧的模式:序曲、几首咏叹调及宣叙调,以及终乐章的合奏——由于第一乐章的赋格曲,全曲模式最接近于神剧中的一幕,奏出梦幻到现实的过程。

即使是对《升c小调四重奏》这么严肃的作品,贝多芬也不忘开个玩笑。当时在缅兹(Mainz)的出版商索恩公司(B. Schott’s Sohne)曾提醒他:这首四重奏必须是“原创之作”,因此贝多芬故意在手稿上写道:“此曲乃东拼西凑的剽窃之作。”

第一乐章的赋格曲充满浓厚的教会音乐风格,几乎是模拟文艺复兴时期经文歌的型态。贝多芬想藉由沉潜的心境,表达丰富的声音。第二乐章快板是意大利式的咏叹调,模仿通俗的田园风格,并无崇高的意境。第三乐章是宣叙调的伴奏,只有11小节,却因第一、第二小提琴竞奏的绝妙结构,在全曲中扮演着如手表齿轮的重要角色。

第四乐章是一套由六个变奏组成的行板乡村舞曲,标示为“非常抒情地”。每一段变奏代表风格各异的短小咏叹调;其中一段贝多芬甚至模仿意大利风格小夜曲的吉他和弦。第五乐章诙谐曲有如吟诵般的曲风,但其旋律随着乐曲行进而渐渐消失,终至瓦解。然后再以全新的方式组合起来。直到最后齿轮滑落,贝多芬才让曲调漂亮地冲入下一乐章——一个和声具浪漫乐风的慢板。

终乐章的快板就像歌剧的最后一幕,所有演出者都上场。整个乐曲形式像是奏鸣曲,而其开场时节奏冲动的主题,则汲取自《第二号拉苏莫夫斯基四重奏》(Razumovsky, Op.59)的终乐章。同时,贝多芬对乐曲切入点的强调,弥补了第一乐章乐曲流畅性的顾虑。值得一提的是,在发展部的核心,贝多芬插入一段全音符的上行音阶作为对照主题,持续了23小节,并且让四件乐器各演奏一遍,宛若回到他三十年前对位法的课程一般。运用各种方式,贝多芬以这首惊世巨作将毕生所学发挥得淋漓尽致。

String Quartet in B flat major
降B大调弦乐四重奏,Op.130


在作品127后,贝多芬接下来写作的是A小调作品132四重奏,降B大调的这一首虽是为俄国王子所写的第三首,但在出版时却是作为第二首,因此它的编号成了130,反而在132a小调之前。这首作品开始写作于1825年3月,八个月后完成,贝多芬在这时身体和精力都有所恢复,情绪也比较快乐幽默,应该说这首四重奏是在他晚年不幸生活中最具幽默的一首,而其乐思的流露也是极其自然,带有幻想的陶醉。在贝多芬的谈话笔记中,他称这首乐曲为“亲爱的四重奏”。

不知什么原因并未出席于1826年3月21日的该曲首演音乐会,而等候在附近的小酒店里,直到他的朋友、四重奏第二小提琴首霍尔兹飞奔着去告诉他演出十分成功,在听众的要求下又重演了第二和第四乐章,贝多芬说:“是呀,这几段是精致的,但为什么不是大赋格重演?”最后乐章的大赋格极长,使听众和评论家都感到困惑,一位出版商考虑到贝的性格,就以迂回的方式建议这首赋格曲可单独成为一个作品,希望贝多芬另写一首终曲取代,贝多芬同意了,在1826年11月,他带者病痛的身体,很快写出了从头至尾愉快而平静的终曲。

第一乐章安静的慢板并不是个序曲,而是主题的一部分,它重复了多次,并和其它材料结合在一起,快板同时带出了两个乐句,一个是跑动的十六分音符,另一个是大音程跳跃的四分音符。该乐章的第三个动机,是由一提介绍的象小瀑布式的下行音型,这材料来自慢板开头的大提琴声部第二主题由大提琴在C弦的高把位单独奏出,松散的发展部包含了三个动机及慢板的片断。在结尾处也是速度多变,有人描写这乐章说是帝王的尊严与玩笑并存。

急板的次乐章虽未标上诙谐曲,实际上是非常典型而丰满的诙谐曲,表了现了贝多芬性格滑稽的一面,尤其是交替性的中段,小提琴的三连音音型里坚持重复了54次,由于节奏上强调的是弱拍,f与p的交替就象是光线明暗的效果,充满了戏剧化的紧张度。第三乐章 设计了一个完全不同的气氛,混合了愉快和忧伤,两小节引子后中提琴在暗暗的低音区开始了阴沉的主题,大提琴的顿音改变了乐曲的性格,使其转向了开朗。对比旋律是活波快乐的,第二次插段时一提奏出了叹息恳求的旋律,此时二提的装饰音跳音却防止了它的过度悲伤,乐章其余部分基本是自由的变奏,重复前面的材料,最后以明亮而感叹的和弦结束。

第四乐章是首德国风格的舞曲也是这首四重奏中的第二首诙谐曲,第一部分抓住了摇摆的节奏,是一种三拍子的德国农民舞蹈,中间部分也是乡村的舞蹈风格,三个重复的音形成了突出的旋律,乐曲的展开和回复到开头的精巧安排是特别有趣的。临近结束时旋律被拆成了片断出现,再次突出了幽默性格。

第五乐章如诗一般柔和的Cavatina(意大利语,意为短小的咏叹调),代表了贝多芬内心的音乐。按贝多芬自己说这是创作于1825年夏天,当时他正处于深度忧郁之时,他的朋友说贝多芬写这首音乐是含泪创作的:“他在精神上是这样至诚,以致只要提起这段音乐,他眼泪就会涌出。”这首短歌是对苦恼不能容忍的祈求,也是对快乐与和平的恳求,这是一首永不停歇的歌,一句连着一句,一下子就把听众抓住,在乐曲第43小节处,贝多芬标上了“沮丧”,此时小提琴停停歇歇地哭泣,心情十分沉重,最后终于得到了安慰,并在安慰声中远去。

贝多芬以此曲代替了原来的大赋格,这是在1826年11月在他兄弟的住处写的,是在他严重的腹痛间歇写成的,此病导致了他四个月后的去世。中提琴开始的节奏象是吉它的伴奏音型,主题以微微的快乐开始,材料是从第一乐章中的快板而来的,结束的节奏使人回想到这首四重奏的引子。
舒伯奇四重奏团在1826年12月介绍了这个新的终曲乐章,并于1827年4月重新完整地演出了这首四重奏,但这已是作曲家去世后一个月的事了。

Great Fugue in B flat major
降B大调“大赋格”,Op.133


《大赋格》原为作品130的终曲,现在多数的四重奏组将《大赋格》作为单独的曲目演奏,但也有的按照贝多芬的原意在演奏了作品130的前面五个乐章后再加上大赋格的。

这里是有着两个主题和变奏的大赋格曲,乐曲可分为六部分:
1 引子 以齐奏开始的引子就象歌剧的序曲,先是宽广的线条,接下来节奏加快又变慢,最后以一提单独结束。
2 第一首赋格 先出现的是辅助主题(即对答题),主题以带有棱角的跳跃旋律开始,赋格作了三次变奏,第一变奏加上了三连音节奏。第二变奏则为后十六分音型的节奏型,第三变奏时对答节奏变成了切分音,整个力度一直是强的,重音加强,音乐野而暴怒。
3 第二首赋格,也有三个变奏,音乐突然安静了,非常柔和。
4 由前面两个赋格发展而成为乐曲的第三部分,开始是第一赋格主题的嬉游曲,展开时大提琴以慢一倍的速度奏出主题,第二提琴奏出的是原来旋律的倒影。第二层次时,节奏又成为三连音。
5 第三次变为慢速,变化地再现第二首赋格主题,这次是以主调风格写成的。
6 回到原来的降B大调,回忆起第一首和第二首的赋格主题,以及与引子相同的片断,最后对赋格主题作了巨大的总结。

String Quartet in A minor
a小调弦乐四重奏,Op.132


贝多芬是在1824年冬天写作这首A小调四重奏的,当时他正值病重,十分虚弱,但他还是能在第二年七月将他结束。虽然编号为132,其实这是他为俄国王子所写的第二首四重奏。原准备写成传统的四个乐章,但后来决定中间以三个乐章代替原来的两个乐章,其中包括著名的“海立根(贝多芬居住地)感恩歌”。

开头乐章是一个慢的引子,就象作品131那样,贝多芬喜欢用这类的动机。这四个音的主题以慢速的二分音符半音上行,然后又作大音程的跳动,这有些预示性的印象遍布了整个乐章,作品130、131、132几乎都是用这种办法,也可能因为它们是同时写的。从引子带入的小提琴快速十六分音符经过句后,又出现了在大提琴高音区的主题,接着是主题的扩展,附点节奏的大齐奏推动了乐句,不久又是三声部复调的新动机,在紧张激动的三连音伴奏下,第二提琴奏出了歌唱的第二主题,在这里更多表现的是一种焦虑不安、遭受痛苦的感情,因此也有人认为这首乐曲有点病态的心理特征。

第二乐章是间奏曲的风格,描写了在乡村得到康复,呼吸到大自然的新鲜空气。主题包含有两个动机,有渴望,也有乡村的简朴生活写照。

第三乐章最著名,是这首四重奏的高潮点,贝多芬在这乐章前写下这些话:“一个渐愈病人对神的感恩节圣歌”,并注上“以利地安调式写成”。崇高的圣歌表达了他对恢复健康的感激,用了一个古代的教会调式,这与祷告般的内容有关,这种调式就象是在F大调但第四级音的B音是还原而不是降B,给音乐以一种特殊的精神境界,具有较强的宗教精神。音乐包含了30小节缓慢的隆重的合唱式的圣歌。重要的第二部分“感到新的力量”,唤起了一种新的生命力,通过轻响力度的交替和节奏的生动变化,确是一种复得活力的快乐,当圣歌和第二部分再次重复后,又自由地回到了感恩歌,贝多芬在这里标上“带着非常亲密的感情演奏”。

粗声粗气的第四乐章进行曲使音乐气氛完全与前不同,似乎是从天堂回到了世俗,贝多芬可能感到在深情的慢板乐章后需要有些变化,故在终曲前加上了这段简短的进行曲,乐曲的第二部分,音乐彻底改变性格而成了宣叙调,节奏也是完全的自由,第一小提琴奏出了即兴式的旋律。

第五乐章紧跟着的终曲在结构上似乎是回旋曲和奏鸣曲式的结合,开始的主题具有舞蹈歌唱的性格,但不久就出现了紧张尖锐的气氛,有时似乎又在回忆慢板中的痛苦:病虽克服了,但痛苦不会被忘记。第二部分的插段具有更深的紧张度,四件乐曲加上sf的重音,加强了尖刻锋利的性格,乐句转入急板后更有一种狂暴的急迫,大提琴在高音区奏出原来的主题,但情绪却变得急促不安。

String Quartet in F major 
F大调弦乐四重奏,Op.135


这是贝多芬所写的十六首弦乐四重奏中最后一首,从长度来说这部作品比起前面的四重奏都要短得多,它与作品18之二,作品95同为贝多芬最短的三首四重奏,不仅短,这首作品远不及前几首所具有的深刻思想和曲折的心理轨迹。也许是贝多芬在深深投入很深的感情完成了前几部作品后很想改变一下,因此这首乐曲就比较放松愉快。第一乐章和第四乐章几乎是十分流畅地一笔带过,中间两个乐章很有特点,尤其是慢板乐章虽然不长,却也是贝多芬这位天才表现思想深度的最具表现力的乐章之一,这里表明了这位大师对生命的预感,不论如何,这是这位大师的最后一步作品,虽然作品130的终曲也是写于1826年11月,而作品135是写于1826年8月,至10月30日结束,并于1827年9月出版,到1828年3月初演,这几乎是贝多芬死后一周年。

乐章开头是温暖的会话式的,第一主题有五个小动机,每个动机都有自己的个性,就象朋友们自己的谈话,这样运用动机的复调风格似乎是作者未化多大力量轻挥而成的,多变的主题因素却隐藏着无限丰富的想象,这里要指出的是在最初的56小节中,主题的花样已有半打,它不是基于旋律的发展,而是动机本身的对比,几乎每个动机都很重要,展现了智慧的创造,这类动机都并未建立起一个象作品131或132那样慷慨激昂的高潮,它只是保持着活波的性格直至最后。

第二乐章是首真正的诙谐曲,很有光彩,它由点式的切分音,结合各个声部独立奏出的交错的节奏组合,具有极大的推动力,这里很难说哪个主题是最主要的,是大提琴短促而有力的节奏音型,还是一提琴的切分旋律?中段由下面三声部奏出的反复四分音符为基础,小提琴音阶式地升起,在跨越四根弦的大幅度音域内大跳大蹦,几乎是象杂耍般地不顾死活地跳跃,然后出现了先前曾出现过的节奏动机,该动机竟反复47次之多,这是很不寻常的,这动机是那样顽固地坚持着,几乎形成一种近乎破坏性的力量,当时有的评论家认为是否贝多芬在生病,神经出现了障碍?但这对后世的作曲家却产生了极大的影响,有的作曲家甚至重复上千次来表达某种持续的力量。

第三乐章是个非常短的乐章,也是一首自由变奏曲,有一种特别高贵深刻的意境,贝多芬标上:“悦耳而宁静的平和的歌,简朴,亲密。”从大提琴开始一个个乐曲进入组成了降D大调主和弦带来了某种神秘的悬念,崇高庄严的旋律和祷告的虔诚,当渐强时,气氛逐渐变化,强调了短的动机,休止的间歇出现了对光明的希望,以步步上升的旋律,缓慢而悲痛,有一种衰老的感觉,但又是一种超脱尘世的升华。

第四乐章在该曲里最为出名,是因为它成为音乐史上一个未解的难题,它的出版稿与贝多芬的手稿是矛盾的,该乐章标题为“必须这样吗?”然后回答:“必须这样,必须这样”。这段对话意味什么就有种种不同的解释,有一种说法就是这样的:贝多芬不愿意将作品130的乐谱给D先生,因为他未出席该曲的首演音乐会,此人请贝多芬的朋友霍尔兹从中调解,霍建议让他付给出版商50先令,D问:“必须这样吗?”霍回答:“必须这样”。当霍将此事讲给贝多芬听,贝大笑并记下这段对话,还为它写成一段卡农,后来又扩展了这段音乐材料放入这首终曲。

开始以慢速、沉重的音色由两个低音乐曲提出问题,然后进入了有力而喜悦的乐句,两把小提琴传递着交错回答,第二主题象是一首维也那街头小调,造成幽默的效果,好象贝多芬在大笑自己,也笑听众这样严肃地研究这古怪的“困难的决定”的难题,也许,这也是贝多芬以胜利的喜悦来迎接死亡的态度了。

贝多芬晚期四重奏始终是音乐学家们讨论的题目,但奇怪的是人们对作曲家本人的想法却不太注意。有一次当有人说降E大调四重奏是献给俄国王子三首中最好的一首时,贝多芬说:“每一首都有它自己的性格,艺术发展的要求我们是不能拒绝的。”这几句话帮助我们认识到,他是相信技术的不断创新的,他认为原始的想象是艺术创作的最高目标。他要求艺术要有个性,这一观点与浪漫排的美学基础是有相似之处的。

晚期四重奏并没有标题,这些作品有没有隐藏才在后的文字背景呢?音乐学家马克思曾认为,贝多芬这些作品是受到世界文学、诗歌、小说的影响的,他推测《降E大调四重奏》是对莎士比亚《温莎快乐的妇女们》的印象,降B大调则反映了莎翁另一部作品《仲夏夜之梦》,升C小调则是《哈姆雷特》,而《大赋格》则是受到歌德《浮士德》的启示,这些推测显然是主观的,并没有足够的依据。但显然,贝多芬是熟知莎士比亚和歌德的。

  发表于  09:15 | 阅读全文 | 评论(0) | 引用Trackback(0) | 编辑 

2015-01-17    09:10
芬尼豪赫:弦乐四重奏作品 - [音影]
Tag:

里安·芬尼豪赫(Brian Ferneyhough)是英国新音乐作曲家,1943年1月16日出生于伯明翰东南部的著名城市考文垂(Coventry)。最初在伯明翰音乐学院学习小号。1961-1963年,转到伦敦的皇家音乐学院随伯克利学习作曲。芬尼豪赫德音乐创作深受布列兹和斯托克豪森等人的影响,因此具有严密的逻辑性和极端的复杂性,因而能在20世纪下叶的新音乐中显得不同反响而独树一帜。芬尼豪赫的作品虽然数量不多、篇幅不长、编制不大,甚至写作的速度也很缓慢。但他的作品作为韦伯恩及其整体序列音乐在战后的一种变异或延续,都能显示出强烈的“科学主义”倾向、浓郁的“结构主义”风格和超前的“未来主义”特色,并显示出作曲家敢于直面困难、挑战极限、探索未知领域的大胆勇气,也显示作曲家在技术构思和处理上的缜密繁复、精雕细刻、圆润娴熟或深思熟虑。和战后许多新音乐家一样,芬尼豪赫创作的题材新异并具有强烈的新音乐特色,且特别回避浪漫主义风格的取材方式,同时又向其他文化与科学领域辐射,并显出某种象征主义的倾向。芬尼豪赫也十分喜好单一媒体的无伴奏独奏,特别是喜欢长笛和单簧管;即便是重奏或合奏,也喜欢使用“一个媒体一个声部”——“独奏式的合奏”——这种“超级细分”的处理方式。从所知道的情况看,它的许多作品除了构思独特缜密外,写作程序也十分曲折复杂,加上谱式繁复而技巧艰深,无论是演唱演奏还是分析理解都十分困难,其程度几乎能使勋伯格、布列兹、克拉姆、贝里奥等人相形见绌或“黯然失色”,因此被誉为“新复杂主义”的代表人物,并成为20世纪下叶新音乐分析中典型、艰难但却不能回避的课题之一。

 

专辑曲目: 

1. Second String Quartet 
2. Adagissimo For String Quartet 
3. Third String Quartet - In Two Movements: First Movement 
4. Third String Quartet - In Two Movements: Second Movement 
5. Sonatas For String Quartet

  发表于  09:10 | 阅读全文 | 评论(0) | 引用Trackback(0) | 编辑 

2014-12-02    11:03
专辑介绍 - [音影]
Tag:

专辑介绍

专辑名称:Paul Paray Conducts Dances of Death

中文名称:死之舞

指挥:Paul Paray(保罗.帕瑞)

乐队:底特律交响乐团

发行公司:MERCURY(水星)

发行时间:1994年

【李斯特】(Franz Liszt,1811一1886)

 

匈牙利作曲家、钢琴家,幼年即为钢琴神童,9岁时举行第一场钢琴独奏会,1821年去维也纳师从萨利里与车尔尼。1823-1835年李斯特旅居巴黎,与柏辽兹、肖邦等交际,有钢琴炫技大师之称。

 

1848年任魏玛宫廷乐正,1865年起接受低品神职而成李斯特神父,创作了一些宗教音乐作品。李斯特具有冲动的、充满激情和追求诗意的性格,其目标是完美的抒情表达方式,用他所说的“音调的神秘语言”来表现精神状态。

 

李斯特与柏辽兹一样,强调音乐与文学性、诗意的结合,在他的心目中,“标题音乐”指一种与诗意的、描绘性的或甚至是叙述性的主题素材有联来的器乐,这种联系不是通过修辞与音乐的手段,也不是通过模仿自然的音响,而是通过富有想象力的联想而获得。

 

他对音乐表现情感有精辟的认识:“音乐体现惑情,但不像艺术中其它表现方式那样,尤其不像语言艺术那样强求结合思想,强求与思想竞争。音乐比展现心灵印象的其它手段有这个优点,并充分利用发挥了这一优势,使每个内心的冲动不用理性的帮助就能让人听见。

 

理性的表现形式太单一,没有变化,至多只能证实或描写我们的感情;不能直接倾吐其全部浓郁的内涵,必须求助于形象和比拟。即使如此,也不过大致相近而已。

音乐则相反,把感情的表现和浓郁内涵一下子和盘托出,音乐是具体化而能让人领会的感情实质;音乐可以通过我们的感官来接受,像一支标枪,像一道光束、一滴露珠、一个精灵弥漫我们的感觉,充满我们的心灵。”李斯特创造了交响诗的形式,他一共创作了13首交响诗,又是现代钢琴技术的创造者之一,他最重要的作品是《浮士德交响曲》、《但丁交响曲》、《匈牙利狂想曲》、交响诗《前奏曲》、 《马捷帕》、两首钢琴协奏曲、《B小调钢琴奏鸣曲》、《12首超技练习曲》和《旅游岁月》。

 

【梅菲斯特圆舞曲】Mephisto Waltz

 

又名《农村酒店里的舞蹈》(Der Tanz in der Dorfschenke)。一译《浮士德圆舞曲》。李斯特作于1860年。管弦乐曲。翌年在德国魏玛首次演出。为所作四首同名圆舞曲的第一首和《据莱瑙的(浮士德)而作的两首插曲》中的第二曲,另一首为《夜行》。后由作者改编为钢琴曲,题献给他的学生、波兰著名钢琴家陶齐希(Carl Tausig 1841-1871)。

除本曲及另三首同名圆舞曲外,作者还以相同曲名创作了一首波尔卡及《浮士德交响曲》的第三乐章。

 

梅菲斯特系奥地利诗人兰诺(1802一1850)根据欧洲中世纪传说所作长诗《浮士德》中的魔鬼。长诗描写了浮土德为了寻求生命的意义,获取知识、权力与欢乐,将灵魂出卖给魔鬼梅菲斯特的故事。

乐曲序奏部采用A大调,急板,6/8拍。带有较明显的三拍子舞曲特点。接着、在舞曲节奏的衬托下,乐曲奏出了用D、A、E三个音组成的琶音音型,犹如小提琴在调弦的音响(小提琴四根弦中的第3、2、1弦的定弦音为D、A、E)。表现了兰诺诗中所描绘的情景:魔鬼梅菲斯特带着俘士德来到农民舞蹈作乐的小酒店,乐师们正在酒店里调弦定音。这一音响经反复一遍形成高潮后,进入乐曲的主要部分,呈示出乐曲的舞蹈主题。

 

随着乐曲的发展出现了狂欢的舞蹈场面。使人联想到兰诺长诗中描绘的情景;魔鬼梅菲斯特疯狂地演奏小提琴.人们随着富有魔力的琴声卷入了狂舞的旋涡。这段音乐形成高潮后,速度稍减慢,出现了切分节奏的主题。

 

在奔跑般的节奏型伴随下,这一主题旋律表现了浮土德在酒店里追逐美丽少女的场景。接着,乐曲再现开头部分的舞蹈主题,再次表现了人们狂欢的场面;小提琴隐隐约约地发出细微的声响;浮士德和情投意合的少女随着人群隐入了密林。

接着长笛吹奏出林中夜莺的叫声。在展开过程中,管乐吹奏的舞蹈主题和弦乐拉奏的切分节奏主题相互交织,形成乐曲的高潮。最后,长笛和竖琴引人入胜的华彩乐段引出了用急板奏出的狂热的尾声,在再次形成的高潮中结束全曲。

 

【韦伯】(Carl Maria Weber, 1786-1826)

 

德国作曲家。幼年曾在萨尔茨堡拜米切尔"海顿为师,1803年又去维也纳拜福格勒为师。1813-1816年任布拉格歌剧院院长,1817年任德累斯顿宫廷乐长。

韦伯被认为是德国音乐史上的开拓者,他使德国歌剧摆脱了意大利歌剧影响的束缚,为瓦格纳的歌剧开辟了道路。而他的器乐作品以技术精湛著称,对肖邦、李斯特、柏辽兹、马勒产生过重大影响。德彪西的评介,称他的管弦乐音响来自对“每件乐器深入骨髓的了解”。韦伯最重要的作品是歌剧《自由射手》、《奥伯龙》与2首单簧管协奏曲。

 

【邀舞】Invitation To Dance Op.65

 

韦伯的钢琴曲《邀舞》在1819年与歌剧《自由射手》同时写成。这是一首技巧性的乐曲,其旋律语言近似当时奥地利和德国流行的圆舞曲的音调,和声色彩朴质、清新而富于表现力,它和韦伯的其它一些著名钢琴作品,在浪漫派作曲家的舞蹈音乐体裁的发展进程中起着很重要的作用。

《邀舞》一曲曾被许多人改编为管弦乐曲和芭蕾舞剧,其中以法国作曲家柏辽兹编配的管弦乐曲最为出色——柏辽兹为使作品能有更加辉煌的效果和更便于演奏起见,根据当时乐队的需要,把作品原来的降D大调改为D大调。

《邀舞》的结构大致可分成三段,前后两段有更具体的情节内容。

第一段是乐曲的引子,可以用一个简单的故事加以叙述;音乐开始时是大提琴轻声的独奏,这个从低音区升起的曲调,宽广、温暖而热情,用作者的话说,这是一个庄重的青年男子,对他的女友“第一次提出跳舞的邀请”。然后单簧管奏出一些轻盈典雅的音型,算是“这少女推诿的回答”。象这样的对话还进行了若干次,邀请的情意是恳挚的,而且越来越迫切,对方也从一些扭妮作态的婉谢变为慨然允诺所请。

 

乐曲的第二段是整个作品的核心,篇幅最长,音乐由若干首小圆舞曲组成,生动地体现出青年男女的舞步之丰富多姿。第一首圆舞曲强健有力,用全乐队演奏,音调雄壮轩昂,描绘出喧闹的舞会场面,同前一段音乐构成鲜明的对比。

 

这个快速度的主要主题明显地由两个性质不同的乐句组成,前者狂暴雄伟,后者典雅和谐,它在整个乐曲中不断反复出现,起着一种“副歌”的作用,使这段音乐接近于回旋曲的形式。穿插在不时反复呈现的基本主题之间的其它圆舞曲,先是出现飘逸疾驰的旋风般乐句, 然后是抒情的独舞——作者在这段音乐中标明的“Wiegend”,原为微微摇晃身子的意思,最能说明这段音乐的性质。乐曲中唯一的小调主题,不但不妨碍整个作品的明朗欢乐情绪的发展,而且使它更具新意。

 

在音乐发展的巨流中,又可以听到我们所熟悉的光辉和典雅的主题,在各种不同的调性上变换反复着,间或出现过管乐器同弦乐器的呼应,有如青年男女的对答。音乐在达到急速欢腾和令人眼花撩乱的高潮后,一切全都静息下来,舞蹈结束了,舞伴们也停止交谈,然后就是 尾声——最后一段音乐的开始。

 

这是开头一段的简略的重复,表明在兴尽舞歇之际,这对青年男女殷切地相互致意。

《邀舞》的音乐具有鲜明的形象和艺术魅力,至今依然是音乐会常演曲目之一。

 

【圣桑】(Camille Saint-Saens 1835-1921)

 

法国作曲家。童年就显示音乐才能,11岁时在巴黎举行个人钢琴演奏会,1848年入巴黎音乐学院学习。1857年起在马德莱纳教堂任管风琴师,1852年起与李斯特成为好友,深受影响。

 

1861-1865年任尼德梅耶尔学校钢琴教授,弗雷是他学生。圣桑的音乐创作可根据他1871年创办的“民族音乐协会”而分成三个时期。1871年之前为早期创作,属不十分成热的作品,这时期的重要作品是3首钢琴协奏曲及《弥撒曲》等宗教音乐作品。

 

1871年以后至1890年以前的作品是他创作的巅峰期,其著名作品基本都是这个时期的创作。1890年以后的作品为晚期作品,表达更为深入,但至今经常演奏的作品不多。圣桑的创作追求的是旋律美与旋律的线条感,他是一位多产作家,但对他的创作评介不高,普遍认为表达较为表面与浅显。

 

圣桑的最著名作品是《第三管风琴交响曲》、管弦乐《死之舞》、《动物狂欢节》、《第三小提琴协奏曲》、《第一大提琴协奏曲》和歌剧《参孙与达丽拉》。

 

【圣桑:骷髅之舞】Saint-Saens:Danse Macabre Op.40

 

这是圣桑4首交响诗中最著名者,这首作品作于1874年,呈献给莱玛利(C.Montigny Remaury)夫人。

死神曾经是中世纪和文艺复兴时期常见的主题,例如德国画家荷尔本在他的木版画《死神之舞》中,就曾把这死神描绘成敲击中世纪古木琴的可怖形象。

古典主义是启蒙的时代,很自然地并不提倡应用类此感情过分夸张的主题,但是当浪漫主义转而从中世纪汲取灵感时(正如近世古典主义转向古代一样),死神重又吸引了艺术家的兴趣,早期浪漫主义为了对抗十八世纪的理性与启蒙,甚至连带有恐怖与怪诞这一类近乎病态的偏见,也成为当时的风格特征之一。

 

圣-桑的《骷髅之舞》,看来并非从杨尔本的画作取材,而是依据法国诗人卡扎里斯的同名幻想诗作写成,圣-桑原先把这个题材写成一首歌曲,但因它的旋律有点难唱,又把它改为管弦乐曲。至于卡扎里斯的原诗,如今看来的确比较粗鲁,而且也已过时,因为第二流的文学作品总是经不住时间的考验,但为了便于了解圣-桑这首作品的内容,我们还是把这首诗用散文的格式译述和下:

“吱格,吱格,吱格,死神合着节奏,

用踝骨在墓石上敲打拍子,

他在午夜拉小提琴,

吱格,吱格,吱格,奏出一首舞曲。

寒风呼啸,夜色苍茫,

锻树下传出声声呻吟,

暗处闪忽着骷髅的白色身影,

他们裹着宽大的寿衣飞奔乱跳。

吱格,吱格,吱格,个个跳跳蹦蹦,

舞者的白骨格格作响。

可是,别作声,公鸡已经报晓,

他们突然停止跳舞,慌慌张张,东逃西窜。”

 

以好嘲弄出名的圣-桑就是围绕着这样一个相当明确的标题,怀着一种可怖的寓意,来构筑他的这首作品的。这是一则古老的神话所叙述的万圣节之夜,据说每年十一月一日,所有的鬼魂在午夜里都聚在一起狂歌乱舞。

 

乐曲开始时,竖琴在弦乐器持续和弦的陪伴下,准确地拨出十二个附点二分音符,宣告“鬼魔的时辰”已经到来,墓地的石门随即大开,众鬼魂都从自己的墓穴里爬出来,为首的一个拿着一把小捍琴,这就是死神。

 

现在,他正在调试他的乐器——按作者的要求,乐队的独奏小提琴的调弦比较特别,它的第四根弦(E弦)调低半音(成降E),第三根琴弦(A弦)构成一个减五度音程,因此给人一种古怪的感觉。接着诸鬼魂的群舞便开始了。

 

这是乐曲的第一主题,主要是急骤的八分音符音型,全是断音,作者标明是一支圆舞曲,但它的节奏却刻板、鲁莽,加上长笛独奏,使音乐更加显得阴森和惨淡。

乐曲的这一主题改由小提琴声部复奏后,独奏小提琴立即奏出乐曲的另一主题。

 

同前一主题形成鲜明对比,这里的旋律进行流畅、连贯,带有一种嘲弄式的热情,但它的小调调性和圆舞曲式节奏则同前一主题保持一致。这两个主题以各种不同的戏剧性笔法和巧妙的技巧进行无数次的变奏反复,其中当木琴参加演秦旋律时,好象有意模仿骷髅跳舞时用脚踝骨击墓石的声响,从而更逼真地再现了弹奏中世纪古木琴的死神形象。此外,还有另一支旋律穿插在这两个主题的发展之间,这是对中世纪歌调《愤怒的日子》(Dies Irae)的滑稽模仿——

 

这首原来属于罗马天主教安魂曲的部分歌调,现在改为大调并被纳入圆舞曲的轨道,用来作为对死神的颂赞。这段音乐有时借第二主题本身的赋格式进行来发展,有时用半音阶乐句的穿插以强调阴风呼啸和鬼魂悲鸣,甚至也可以想象为幽灵的狞笑,到乐曲的最高潮, 则是第一和第二主题的对位结合。

 

舞蹈的旋风越刮越猛,力度越来越强,气焰越来越嚣张。但是,狂乱的舞蹈突然中止,法国号的和弦暗示了黎明的微曦,双簧管立即模仿雄鸡的啼叫,象征诸鬼魂竞相逃入各自墓穴的神秘和弦渐次减弱并消失,只有死神的小提琴勉强发出几声有气无力的哀鸣,遂即也在神秘的簌簌声中隐去。

 

【理查,斯特劳斯】(Richard Strauss, 1864-1949)

 

德国作曲家。6岁开始作曲,1875年随迈尔学作曲理论,毕业于慕尼黑大学。1880年创作了最早的《第一交响曲》(未发表),1882年为管乐而作的《小夜曲》引起彪罗注意,后1886年继彪罗之后任迈宁根乐团指挥。

其真正的成名作为交响诗《唐璜》,1895-1899年任柏林爱乐乐团指挥,1898年起任柏林皇家歌剧院指挥,1919-1924年任维也纳歌剧院总指导。1933-1935年纳粹政权任命他为国家音乐剧院总监,后因儿媳是犹太人而受监视,1936年去伦敦,在科文特花园剧院任指挥。 战争结束后,1945-1949年移居瑞士,直到弄清在纳粹时期情况才回德国。

 

理查"斯特劳斯把19世纪时故事内容与形象的音乐描述的追求推向了极致,他的交响诗比李斯特更追求形象描述的具体化,他用各种乐器的音色表现微笑、羊和鹅的叫声、壶与锅的碰撞声、暴风雨声。

 

但他又以极高的技巧发展了对位技术,以致有评论家称他的音乐是“音符的纺织”。以这种“纺织”而言,他的交响诗具有比李斯特的交响诗更丰富的质感。理查。斯特劳斯是尼采哲学培养起来的“思想”音乐家,他的音乐中渗透了悲观主义、对世人的蔑视与嘲讽,因此有人认为他的音乐是“傲慢与专横的”。

 

他追求瓦格纳已创造的华丽的传统,与同时代的马勒相比,他更追求冲突之间突现的壮丽,于是更多体现日耳曼民族的气质。但由于对莫扎特的热爱,又自觉地揉入了18世纪的高雅情致。在理查"斯特劳斯的歌剧创作中,似乎更能体现瓦格纳与莫扎特的比较完美的结合,在他的歌剧中,挖掘女声的魅力成为一种显著特色。理查"斯特劳斯的最重要作品为交响诗《查拉图斯特拉如是说》、《堂吉诃德》、《死与净化》、《英雄的生涯》、歌剧《玫瑰骑士》与为女高音与管弦乐而作的《最后的4首歌》。

 

【七层面纱之舞】选自《莎乐美》Dance Of The Seven Veils (from Salome)

 

理查德"施特劳斯的歌剧《莎乐美》系根据圣经故事写成:埃罗底亚斯之女为希律王跳舞;作为报酬,她得到放在盘子上的施洗约翰的头。按照马可福音记载,是莎乐美的母亲埃罗底亚斯劝她索取头颅。在歌剧以之作为文本的奥斯卡"王尔德的剧本中,王尔德把动机改为 莎乐美对于约翰南(施洗约翰)的爱情。

 

情节发生在希律王宫中洒满月光的平台上。我们听到约翰南从地牢中发出的声音,斥责莎乐美的母亲,罪恶的埃罗底亚斯。莎乐美从宴会厅中匆匆出来呼吸新鲜空气,回避她继父希律王淫荡的目光。

 

她听到先知(约翰南)的声音,希望见到他;看到他后她又想吻他的嘴。但是约翰南的眼睛和嘴唇只能为上帝所有,当他回到地牢时他诅咒莎乐美。出于一种简单得残酷的逻辑,莎乐美的吻他的嘴的愿望转变为把他置于死地的愿望。

 

这一愿望又成了疯狂的决心。有一句乐句与她的决心以及在歌剧中她后来多次提出的要求有关:“我要约翰南的头。”希律王、埃罗底亚斯和他们的客人走到平台上。被爱情冲昏头脑的希律王请求莎乐美为他跳舞,答应满足她提出的任何条件,甚至他的半个国家也可以。

 

莎乐美抓住这一机会来满足她的愿望。舞台上的音乐家开始演奏一首狂热的舞曲,但是莎乐美向他们傲慢地做手势,叫他们演奏另一种性格的舞曲。为她的手势伴奏的音乐告诉我们这舞蹈的内容:小号和长号嚎叫出动机;“约翰南的头。”舞蹈的节奏立即慢下来,成为一个轻柔摆动的节奏型。哀诉般的木管旋律有着慵倦的东方诱惑力。但是轻柔摆动的伴奏音型低声细语地提醒我们,舞曲的真正主题是:“约翰南的头”。

 

《七层面纱之舞》中还有另外两个主题占童要地位,这两个主题都和前面莎乐美徒然向约翰南求爱的一场有关。一个动机是莎乐美本人,另外一个动机是莎乐美倾吐她的无法满足的渴望时所唱的宽广的旋律,正如她在终场中所唱的一样:”世界上任何东西都不如你 的身体那样洁白。” 舞蹈到达高潮时,她在命定死亡的先知的地牢上面盘旋了一会儿,然后扑倒在希律王的脚下索讨她的残酷的报酬。

 

【施密特】(Florent Schmitt,1870-1958)

 

法国作曲家。曾在巴黎师从弗雷与马斯奈,1900年获罗马作曲大奖,1922--1924年任里昂音乐学院院长。

 

【莎乐美的悲剧】 La Tragedie De Salome Op.50

 

根据二幕七场哑剧配乐而编成的交响组曲,共包括:

1、序曲,选自第一幕序曲,面临死海的希律王宫阳台,先知摩西在临死前,由此“约定之地”的入口处,曾向卡南虔诚膜拜过。太阳 西沉时,约翰慢慢穿过阳台。

 

2、真珠之舞,选自第一幕,火光照亮了百宝箱,埃罗底亚德王后心事重重地取出 首饰与面纱,莎乐美出现,弯腰化妆,第一次跳舞。

 

3、海面的诱惑,选自第二幕,希律王被黑暗包围,埃罗底亚德王后偷窥着他。海上 闪现光亮,像是往昔的罪恶,在诱惑莎乐美。狂欢宴会上唱出断断续续的古老 歌谣,一个声音从地狱传来,希律王一动不动地倾听,莎乐美 出现,开始跳舞,希律王站了起来。

 

4、闪电之舞,选自第二幕,莎乐美在黑暗中舞蹈,希律王终于抓住了她,取下面纱, 莎乐美变成一丝不挂。这时约翰上场,用斗篷遮掩她的身体,希律王想走开, 埃罗底亚德王后把他拦住。因埃罗底亚德王后示意,约翰被刽子手 拉去刑场,一会儿端上青铜盘子里的头颅。莎乐美一把把头颅抢过来,捧着他跳舞, 突然她像听到死者在她耳边耳语,将盘子丢到大海。海上顿时变成一片血红, 希律王、埃罗底亚德王后等恐惧地四处奔逃,莎乐美倒下不省人事。 莎乐美醒来,约翰头颅又出现,凝视着她,莎乐美想逃开,舞台上到处出现 约翰的头颅,使她只能原地打转。

 

5、恐怖之舞,选自第二幕尾声,在莎乐美的恐怖之舞中,大风暴卷起死海中的飞砂 走石,巨雷惊天动地,山岭爆发出火柱,崩毁了的所有一切都向着被地狱中 狂乱纠缠的莎乐美压下来,尾奏在发狂的兴奋中落幕。

 

(网络资料)

  发表于  11:03 | 阅读全文 | 评论(0) | 引用Trackback(0) | 编辑 

2014-11-22    14:43
古典音乐唱片导购 - [音影]
Tag:

能买到一张心仪的音乐性和音响性得以兼顾,演录俱佳的古典音乐唱片有时是件可遇不可求的事情。而“音乐性和音响性平衡到了极致” 乃唱片选购之精髓(我的体会而已)。
    这又得返回“平衡”问题上来。其实“平衡”无处不在,生活上,工作上,平衡了,就是美。就声音(音乐)而言,满足“人类对声音金字塔型平衡的要求”,就是美。但我们无法做到完美,如何把握和权衡这平衡之度方为重要。

    音乐性的前提:

    1. 一流的作曲家。
    古典音乐按时期可分为:
    (1)巴洛克时期。有维瓦尔蒂、亨德尔以及巴赫等。个人觉得此时期乐风较为单调。
    (2)古典主义时期。最为著名的是维也纳古典乐派。有海顿,莫扎特,贝多芬,号称三巨头。
    (3)浪漫主义时期。浪漫乐派是继维也纳古典乐派后出现的一个新的流派。受众乐迷最多。
    (4)20世纪音乐(现代乐派)。趋向从多调性走向无调性,以至否定乐音和音阶,只用自然音响,完全脱离古典的美学传统。很多乐迷无法接受。
    古典音乐浩瀚如烟,每个人喜好不一,选对自己喜欢的作品就好。只是每个时期都有它代表性的作曲家。
    请参考:http://blog.sina.com.cn/s/blog_973e2dcc0100yrkf.html

    2. 一流的指挥。
    指挥是“乐队的灵魂”,优秀的指挥家,具有高度的音乐艺术素养,善于从作曲家的总谱中取出其“灵魂”,并将其注入到听众的“血液”中。乐队没有指挥是否可行? 历史上有过尝试。如:在1920年,莫斯科创办过一个名叫“帕辛凡斯”的无指挥乐队;1928年,美国人创办过一个“纽约无指挥乐队”,但它们都以失败告终。
    请参考:http://blog.sina.com.cn/s/blog_973e2dcc0100yqon.html

    3. 一流的乐团(一流的演奏家)。
    著名小提琴家穆特曾到广州星海音乐厅和广交合演。试问这样的搭配能会有什么出彩的表现?
    请参考:http://blog.sina.com.cn/s/blog_973e2dcc0100yo7p.html

    音响性的前提:

    1. 一流的录音师。
    再好的指挥,再好的乐团,没有一流的录音师把精彩“瞬间”精准地捕获下来,你和我该怎办…?
    好的录音师的录音,平衡更加优秀,录音效果更趋完美。比如:卡尔肖,莱格,科林伍德都是最优秀的录音师。还有前无古人,后无来者的威尔金森(Wilkinson)。
    请参考:http://blog.sina.com.cn/s/blog_973e2dcc0100yqpd.html 

    2. 一流的录音场地(音乐厅)。
    这是不言而喻的,像HI-FI重播效果一样,录音场地占8成,乐团,指挥占2成。没有一流的录音场地,录音师将会“巧妇难为无米之炊”。
    请参考:http://blog.sina.com.cn/s/blog_973e2dcc0100yqot.html

    3. 一流的唱片制作公司。
    国宝级的宋祖英,彭丽媛,流行的许巍,韩红都是我喜欢的歌唱家,歌手。苦于没有高素质的唱片公司承制(是否受制于政策?无法走出去...),充其量就是太平洋,中唱,上海音像,怎会有好声?!
    请参考:http://blog.sina.com.cn/s/blog_973e2dcc0100yra1.html

    最后需要:
    1. 一流的重播环境。
    2. 一流的重播系统。
    这两点您是明白的!   

    权衡后的取舍:
    1.选择大品牌唱片公司:Decca,DG,EMI,Philips(Double Decca最抵买,RMB75两张)。
    2.系统性购片。尽量买专辑(套装),少买精选(杂锦)或斋音效碟。
    3.注重指挥,乐团,录音师和录音场地。  

备注:唱片封底上的文字说明很重要。
①录音和出版时间。
录音和首次出版时间用“○****年”表示,如○1965年。一是区分版本。如卡拉扬曾于60、70、80年代三次录贝多芬的交响曲全集。二是确定演绎者处于哪一个演绎时期,是鼎盛期还是已经走下坡路。三是利于了解当时录音技术状况。如:60、70年代是模拟录音的黄金时代,80年代则是数码录音尚未成熟的时期等。
②录音方式。
用AAD、ADD、DDD、DDDD等符号表示,此外还有STEREO(立体声)、MONO(单声道)的标准。
③唱片的价位。
表明唱片处于哪个售价标准上。有正价廉价之分。
④制造(压片)地点。
压片的质量对唱片的音质有很大的影响。一般来说德国压片厂的质量最好,其次是英国、法国、日本等。EMI公司的唱片近年来多在荷兰压片,音质不尽人意,甚至有放音上的问题,因此选EMI的唱片最好是在英国本土制造的。
⑤录音地点和录音师。
录音地点有现场实况与录音室之分,二者的音响效果有较大差异。很多唱片标有录音师。当知道此张唱片是威尔金森、雷顿等顶级录音大师所录,也就不用怀疑它的录音水准了。
⑥公司隶属和版权转让情况。
从大公司购买版权出版的唱片和原版唱片并无不同之处,且价钱较低,可放心买。
⑦放音时间。
买到经济合算的唱片。假如放音时间在40分钟以下便不考虑购买--这实在太“宰”人。

  发表于  14:43 | 阅读全文 | 评论(0) | 引用Trackback(0) | 编辑 


分页共47页 第一页 上一页 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 下一页 最后一页